Otro año más (la sexta edición), el Festival In-Edit Beefeater de Barcelona, se prepara para que disfrutemos los amantes del cine y la música con títulos que nos aporten información y curiosidades.

Una veintena de documentales han sido ya anunciados por la organización del Festival. Entre ellos, todos los títulos que formarán parte de la sección oficial, las secciones London's Backstage y el homenaje.

Grandes nombres propios formarán parte de la edición de este año. Los últimos documentales sobre artistas como Cachao, Arthur Russell, Loquillo, Nina Simone, Pete Seeger, Caetano Veloso, Joy Division, Philip Glass, James Brown, Nacho Vegas, Tom Petty o The Wrecking Crew, competirán para conseguir uno de los tres premios del Festival.

Además, vuelve la sección London's Backstage como evidente tributo a una ciudad, Londres, una de las capitales más prolíficas en la evolución y expansión de la música pop y rock esencialmente. En la sección London's Backstage se proyectarán los títulos Bananaz, Tonite let's all make love in London, Punk in London y A Technicolor Dream.

Asimismo se contará con la presencia en Barcelona del homenajeado Albert Maysles. Cuatro obras de su extensa filmografía formarán parte de la sexta edición del Festival. Desde clásicos como Gimme Shelter (The Rolling Stones) o What's Happening! The Beatles in the USA, a joyas del direct cinema como Ozawa o Soldiers of Music, sobre Rostropovich.

Avanzar, por otro lado, parte del resto de la programación, en la que se incluyen documentales sobre el Metal en Baghdad, Patti Smith, Dixie Chicks, Edwyn Collins, Surfin' Bichos, Public Enemy, Gonzo (Hunter S. Thompson), la escena escocesa, el Tango o Lou Reed.

Programación completa en: http://blogs.myspace.com/index.cfm?fuseaction=blog.view&friendID=240118084&blogID=437528741

José Luis Dana

Asimismo se dedicará una retrospectiva sobre el papel de la ciencia-ficción en la historia del cine contemporáneo, con títulos como El Planeta de los Simios (Planet of the Apes, Franklin J. Schaffner, EEUU, 1968), Planeta Prohibido (Forbidden Planet, Fred McLeod, EEUU, 1956) o Encuentros en la Tercera Fase (Close Encounters of the Third Kind, Steven Spielberg, EEUU, 1977), entre otros. La sección EUROPA IMAGINÀRIA ofrecerá lo mejor del cine de ciencia-ficción europeo con títulos como Barbarella (Roger Vadim, Francia/Italia, 1968) o Solaris (Andrei Tarkovski, URSS, 1971).

Diversas proyecciones y algún que otro debate rendirán homenaje al 75 aniversario de la figura de King Kong, la imagen del Festival. Para tal acontecimiento se podrá disfrutar de la exhibición de diferentes películas relacionadas con el gorila gigante, incluidas la de 1933 y la versión de Pete Jackson.

En la sección oficial FANTÀSTIC destacan títulos como: Vinyan (Fabrice Du Welz), Martyrs (Pascal Laugier), considerada por muchos la película más extrema nunca realizada; Surveillance (Jennifer Chambers Lynch); Let the Right One in (Tomas Alfredson) auténtica sensación en gran parte de festivales; Eden Lake (James Watkins); La possibilité d'une île (Michel Houellebecq) y Tokio! (Bong Joon-ho, Léos Carax y Michel Gondry). Fuera de competición habrá propuestas como Blindness, la adaptación de la novela de José Saramago realizada por Fernando Meirelles; JCVD, el falso biopic de Jean-Claude Van Damme dirigido por Mabrouk El Mechri; Synecdoche, New York, de Charlie Kaufman; Repo! The Genetic Opera, dirigida por Darren Lynn Bousman en clave de cine de terror futurista y The Informers, adaptación del best seller de Bret Easton Ellis, dirigida por Gregor Jordan con estrellas como Kim Basinger y Mickey Rourke.
También destacan filmes asiáticos como Crows-Episode 0 (Takashi Miike); The good, the bad and the weird (Kim Ji-woon) y The Chaser (Hong-Jin Na).

Sitges 08 dará cabida(como cada año) a la producción española y catalana más reciente con títulos como Sexy Killer, de Miguel Martí; Transsiberian, de Brad Anderson; Santos, del director Nicolás López y Soy un Pelele, del director debutante Hernán Migoya.

NOVES VISIONS contará con filmes como Otto; or up with Dead People, de Bruce LaBruce, con un zombie gay como protagonista o la nueva aventura cinematográfica de Daniel Myrick, uno de los creadores de The Blair Witch Project, bajo el título de The Objective.

ANIMA’T apostará como cada año por el mejor del anime japonés y mostrará el buen estado del cine independiente europeo y norte-americano de estos últimos años con propuestas como Idiots & Angels, de Bill Plympton, y una gran selección de cortometrajes.

La sección más extrema del festival, MIDNIGHT X-TREME seguirá centrando su temática en el cine de terror más puro y duro, teniendo como plato fuerte la película más escalofriante de los últimos años: Philosophy of a Knife, de Andrey Iskanov, relatando con pelos y señales los experimentos genéticos de los japoneses en la Segunda Guerra Mundial.

BRIGADOON otorgará el premio Nosferatu a Umberto Lenzi, creador de películas como Incubo sulla cittá contaminata (Nightmare City / La Invasión de los zombies atómicos) y Gatti rossi in un labirinto di vetro (El ojo de la oscuridad), además de organizar debates alrededor de temas como la piratería, la relación entre música, terror y clips, y alguna sorpresa más.

El Festival recordará de forma especial el 40 aniversario de la película emblemática de George A. Romero, Night of the Living Dead (La Noche de los Muertos Vivientes, 1968) con actividades varias y la presencia del mismo director.

Este año Sitges será el escenario del premio Méliès d’Or que organiza la EFFFF (European Federation of Fantastic Film Festivals) a la mejor película europea fantástica de la edición 2006-2007. El acto contará con la presencia de unos invitados de honor: algunos de los miembros de los Monty Python, exponente importante en el cine fantástico europeo debido a un mundo imaginario muy influenciado por los pioneros como el mismo Georges Méliès.

Asi pues, un año cargado de interesantes propuestas que no hay que perderse. Nos vemos en SITGES.

José Luis Dana

El cine de terror y fantástico siempre ha tenido una excelente acogida por parte de los espectadores. Desde que tengo uso de razón las películas de terror han sido siempre las más comentadas entre la gente. Sin ir más lejos, la primera película que tuve oportunidad de ver en el cine fue Las Garras de Lorelei (Armando de Ossorio, España, 1972). Mucho ha llovido desde entonces y el cine de horror ha crecido, ha caído y se ha vuelto a levantar. El destino es caprichoso y cualquier género está en manos de lo que se lleve en ese momento. Hoy día las historias de miedo parece que tienen una tirada importante; los aficionados van en tropel a ver lo que se va estrenando, también tiene una gran acogida en formatos domésticos, ya sea en DVD, video juegos, etc.

Un año más, y ya van dieciocho, la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donosti-2007 ha clausurado su muestra con gran acogida por parte del público. Este año han sido algo más de 50.000 espectadores los que se han pasado por los diferentes espacios (Biblioteca Municipal, Teatro Victoria Eugenia, FNAC, CC. Okendo , Cines Príncipe y CC: Ernest Lluch), para disfrutar de diversos actos relacionados con el fantástico.

En la Sección Oficial de Largometrajes se pueden destacar diversos títulos que darán mucho que hablar. Entre ellos: Los Cronocrímenes (Nacho Vigalondo, España, 2007), REC (Jaume Balagueró y Paco Plaza, España, 2007), Halloween (Rob Zombie, EEUU, 2007), À l´intérieur (Julien Maury y Alexandre Bustillo, Francia, 2007), Cuentos de Terramar (Gedo Senki, Goro Miyazaki, Japón, 2006) o varios episodios de la serie “Masters of Horror 2” dirigidos por Tobe Hooper (The Damned Thing, 2006), Dario Argento (Pelts, 2006) o Joe Dante (The Screwfly Solution, 2006).

También, como en el Festival Internacional de Cinema de Catalunya-Sitges 2007, se han mostrado varias cintas clásicas en la retrospectiva American Gothic. La Noche de los Muertos Vivientes (Night of the Living Dead, George A. Romero, EEUU, 1968), El Otro (The Other, Robert Mulligan, EEUU, 1972), La Última Casa de la Izquierda (The Last House on the Left, Wes Craven, EEUU, 1972), La Matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, Tobe Hooper, EEUU, 1974) o Pesadilla Diabólica (Burnt Offerings, Dan Curtis, EEUU, 1976), fueron algunos de los títulos rescatados para la ocasión. Otras secciones como las de cortometrajes, cine Infantil o las IV Jornadas de Cómic, han hecho una vez más de este festival una referencia obligada para los amantes del terror en mayúsculas.

PALMARES

CORTOMETRAJE
The Pearce Sisters (2006). Luis Cook. Gran Bretaña

NOMINACIÓN AL PREMIO “MÉLIÈS DE ORO” AL MEJOR CORTOMETRAJEFANTÁSTICO EUROPEO
The Pearce Sisters (Luis Cook, Gran Bretaña, 2006)

MENCIÓN ESPECIAL
The Cat and Claudia (Lily Coates, Australia, 2006)

PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR LARGOMETRAJE
How to Get Rid of the Others / Hvordan vi slipper af med de andre (Andres Rønnow Klarlund, Dinamarca, 2007)

PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE
Même les pigeons vont au paradis (Samuel Tourneux, Francia, 2007)

PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE ESPAÑOL
El ataque de los Kriters asesinos (Samuel Ortí Martí “Sam”, 2007)

PREMIO DEL JURADO JOVEN AL MEJOR CORTOMETRAJE
In the Wall (Mike Williamson, EEUU, 2007)

PREMIO CANAL + “PROYECTO CORTO”
Dos manos zurdas y un racimo de ojos manchados de gris, guión original de Antonio Trashorras, presentado por Arsénico Producciones Cinematográficas y Roxbury Pictures S.L.

José Luis Dana

La 5ª edición del Festival Zoom de igualada se clausuró el pasado día 11 de noviembre. La noche anterior se hizo entrega de los premios de este año, acompañada de la proyección del telefilme Rumors (Òscar Aibar, Espanya, 2007). En dicha sesión el Teatre Municipal L´Ateneu estaba lleno, confirmando así la solidez que, año a año, va cogiendo el festival. Con la presencia de algunos pesos pesados de la historia de la televisión de ficción como Silvia Tortosa o Fernando Guillén (ambos premiados por su carrera), estamos hablando de un evento que se ha hecho definitivamente un hueco en la parrilla de festivales interesantes de Catalunya. Aunque aún algo desconocido por el gran público (especialmente el que no vive en las inmediaciones de Igualada), camina por buen sendero y esta edición demuestra que tiene cuerda para rato. Espero que en próximas ediciones se amplíe tanto en infraestructura, como (y lo más importante) en el reconocimiento del espectador, que es quien manda en todo este tinglado del mundo audiovisual. Fins l´any vinent!!

PALMARÉS

-Premio Jurado: VIDANGE PERDUE (Geoffrey Enthoven, Bélgica, 2006)

-Premio Público: EL PALLASSO I EL FÜHRER (Eduard Cortés, Espanya, 2007)

-Premio Mejor Guión: WUT (Züli Aladag, Alemania, 2006)

-Premio Mejor Corto (público): ANONYMOUS (Cristian Pozo, Espanya)

-Mención Especial del Jurado: SOUNDPROOF (Edmunt Couldhart, Inglaterra, 2006)

José Luis Dana

Es bien sabido por la gente que sigue el cine español con cierta asiduidad, que no está en una posición demasiado buena. A las dificultades de rodar una película, se suma el tema de la piratería y las nuevas tecnologías (que resultan muy cómodas para el usuario), repercutiendo en el propio espacio cinematográfico (las salas), que necesitan algún tipo de adaptación a los nuevos tiempos. Ver cine en casa se ha convertido en una opción deseable para la gran mayoría, aunque la magia de una sala oscura y una pantalla grande sea insustituible.

Las producciones hechas en el estado español pecan en muchas ocasiones de insulsas, con historias que no enganchan lo suficiente, además de tener el espacio limitado en cuanto a promoción, debido a la cantidad monstruosa de información que existe.


Gonzalo Suárez es uno de los grandes directores cinematográficos españoles, de eso no hay duda. Títulos como La Regenta (1975), Epílogo (1984), Remando al Viento (1987) o El Detective y la Muerte (1992), así lo confirma.

Para Oviedo Express (2007), el autor echa mano de dos factores importantes: por un lado su ciudad natal Oviedo y por otro la obra de Leopoldo Alas "Clarín" La Regenta, de la que ya dio habida cuenta con la adaptación antes citada. En esta ocasión consigue ir un poco más allá, introduciendo y mezclando la novela del escritor zamorano con una serie de tramas, en este caso de tipo amorosas y sexuales, para conformar una película que roza el surrealismo en algunas ocasiones, aunque sin llegar a ser en ningún momento incomprensible para el espectador, como si puede ocurrir con otras cintas que lo tengan en su base.

Nunca me ha gustado destripar lo que se cuenta en un filme, así que tendréis que verlo para saber lo que en él se cuenta. Sólo decir que los actores y actrices están en líneas generales bien. Destacaría la actuación de Alberto Jiménez (Ernesto de Villamarín, alcalde de Oviedo en la historia), así como el papel interpretado por Maribel Verdú (Mina). Aitana Sánchez-Gijón (Mariola Mayo), Carmelo Gómez (Benjamín Olmo), Bárbara Goneaga (Emma, la esposa del alcalde), Jorge Sanz (Álvaro Mesía) y Nawja Nimri (Bárbara), completan el reparto de una película que ha tenido críticas dispares y de la que puedo decir (y digo) que vale la pena ver. Luego está el tema de si se podría haber profundizado más en el guión o de si la historia está algo desfasada. En fin, claro que se puede hacer siempre algo más, pero en este caso Oviedo Express cumple con su cometido: entretener y hacer pasar un rato agradable a quien la vea.

Texto: José Luis Dana

Fotos: Jordi Diaz

Del 7 al 11 de noviembre, se celebra el 5º Festival Zoom Igualada 2007. En esta ocasión presenta ocho telefilmes inéditos de diferentes países, en su sección oficial a concurso. Los trabajos realizados en esta tierra nos acercan al payaso Charlie Rivel (El Pallasso i el Führer, Eduard Cortés), al pintor Sorolla (Cartas de Sorolla, José Antonio Escrivà) o al paso del teatro al cine (Després de la Pluja, Agustí Villaronga). Además se mostrarán otras obras como L´Embrasement (Philippe Triboit), Wut (Züli Aladag), Soundproof (Edmund Coulthard) o Vidange Perdue (Geoffrey Enthover). Tendremos también la ocasión de ver la producción Jo, el Desconegut del director Joan Mallarach, como primer proyecto audiovisual del MIDA.

El jurado estará formado por la guionista de tv movies Teresa Vilardell, el crítico de televisión Manuel de Luna, el director Octavi Masià, el productor francés Thierry Afflalou y la actriz Assumpta Serna, que lo presidirá.

Además, este año se premiará a la actriz Sílvia Tortosa, al actor Fernando Guillén y al director Gustavo Pérez Puig por su trayectoria profesional. Tortosa, Guillén i Pérez Puig recibirán sus galardones en el Teatre L'Ateneu, el día 10 de noviembre, a partir de las 9 de la noche.

Seguiré informando del evento. Mientras tanto, podéis acceder a toda la información a través de su página web www.zoomtv.es

José Luis Dana

Llevo años yendo a este festival y casi siempre he experimentado una satisfacción más o menos positiva. Es por ello que en esta ocasión tengo que intentar definir de manera clara en qué situación veo su evolución; no hay mejor momento que un aniversario para hacerlo.

Una primera cuestión que me ha sorprendido es la no inclusión de subtítulos en catalán a la hora de proyectar algunos filmes. Se supone que si es el festival más importante de Catalunya, como mínimo TODAS las películas se han de poder disfrutar en el idioma oficial del mismo. Si un pase, por el motivo que sea, no se puede exhibir con subtítulos en catalán, el espectador tiene que estar enterado de ello. No es cuestión de política lingüística ni nada similar, es simplemente coherencia organizativa. Otro asunto que “molesta” al seguidor de festivales sigue siendo el cambio de horarios y la anulación de algunos pases. También sé que se trabaja a contrarreloj, pero cada año hay alguna vaina de este tipo; hay que intentar, desde la propia organización, que esto no ocurra o que sea lo menos molesto posible. Ya sea como periodista acreditado o como espectador, echo en falta una zona de merchandising con más recursos que los cuatro stands que se han montado este año. Supongo que las instituciones (Ayuntamiento, Generalitat) y las empresas privadas, deberían dejar márgenes más asequibles para que los pequeños comerciantes puedan acceder a una oportunidad real de tener su espacio. Me parece muy triste que de los cinco o seis chiringuitos que había en esta ocasión, sólo tres tuvieran relación directa con el mundo del cine, amén del obligado stand del festival. Y ¡atención!, el más grande era el de una firma de ropa. En fin, quizá sean exigencias un tanto estrictas por mi parte, pero es lo que pienso y lo tengo que comentar. En líneas generales el festival merece una buena nota, pero se han de limar pequeños detalles para que llegue a ser lo que tiene que ser de una vez por todas: un acontecimiento de primera magnitud.

Lo que si que no ha variado en esta ocasión, es la buena selección de títulos que suele ofrecerse. Las secciones habituales se han nutrido de películas para todos los gustos y estómagos. Es un placer tener al abasto tantas historias y decidir qué ves y qué dejas fuera de tu “competición”. De lo que he visto no hay nada que me haya sorprendido especialmente, pero tampoco he sufrido ninguna decepción destacable.

Rob Zombie presentaba su particular visión del clásico de Carpenter Halloween (EEUU, 2007), que personalmente pienso es una excelente adaptación, con el riesgo que conlleva este tema del remake y que tantas veces deja mucho que desear. El gran Takeshi Kitano presentaba su última ida de olla llamada Glory to the Filmmaker (Japón, 2007), un film irregular que no aconsejo a los que no sean fans del director. El Orfanato (España, 2007) de J.A. Bayona, junto al habitual en las pantallas de Sitges Jaume Balagueró con su cinta REC (España, 2007), han sido dignos representantes del fantástico patrio, que va encontrando su camino para llegar a la gente. El cine asiático ha tenido un peso específico vital, como viene siendo frecuente en las últimas ediciones. Son películas que tienen la complicidad del público, incluso antes de proyectarse. I´m a Cyborg, but that´s Ok (Park Chan-wook, Corea del Sur, 2006), Sukiyaki Western Django (Takashi Miike, Japón, 2007), Dororo (Akihiko Shiota, Japón, 2007), Mad Detective (Johnnie To/Wai Ka-fai, Hong Kong, 2007), Blood Brothers (Alexi Tan, Taiwan/Hong Kong/China, 2007) o The Restless (Cho Dong-oh, Corea del Sur, 2006)) así lo atestiguan.

Además de las secciones a competición, hemos tenido ocasión de redescubrir algunas joyas del cine con el ciclo American Gothic, con especial mención del film Dead of Night (Bob Clark, EEUU, 1974), una película que no había tenido ocasión de ver anteriormente y que aconsejo particularmente. George A. Romero, Ridley Scott (su Blade Runner ha sido el icono del cuarenta aniversario del festival) o Ruggero Deodato, han sido homenajeados o galardonados por toda una carrera dedicada al cine fantástico. Y se quedan tantas cosas en el tintero… En definitiva: gracias por ofrecernos la oportunidad de ver tantas y tantas películas, felicidades por aguantar cuarenta años (que no es fácil) y el deseo de que lo mejorable sea un cuento chino en la edición de 2008.

Palmarés

Mejor Película
The Fall de Tarsem Singh

Mejor Director
Jaume Balagueró & Paco Plaza por REC

Mejor Actriz
Manuela Velasco por Rec

Mejor Actor
Sam Rockwell por Joshua (El Hijo del Mal)

Mejor Guión
Chung Seo – Kyung , Park Chan-Wook por I’m a Cyborg but that’s Ok.

Mejor Fotografía
Toyomichi Kurita por Sukiyaki Western Django

Mejor Diseño de Producción
Takashi Sasaki por Sukiyaki Western Django

Mejores Efectos de Maquillaje
À L'Intérieur

Mejores Efectos Especiales
Mushishi

Mejor Banda Sonora Original
Kuniaki Haishima por Mushishi

Mejor Cortometraje
Saliva de Esmir Filho

JURADO CARNET JOVE
Carles Matamoros, Néstor Fernández, Aleix Ortuño, Toni Junyent, Mar Canet

Mejor Película FANTÀSTIC
À L'Intérieur de Julien Maury Y Alexandre Bustillo

Mejor Película MIDNIGHT X-TREME
Jack Brooks: Monster Slayer de Jon Knautz

NOVES VISIONS SEAT
JURAT
Paz Gómez, Roland Reber, José Tito Martínez

Mejor Película
Zoo de Robinson Devor

Mensión Especial
It’s fine, everything it’s fine de Crispin Hellion Glover & David Brothers

PREMIO NOVA AUTORIA SGAE

Mejor Dirección
Lizania, presentado por la Universitat Ramón Llull, Marta Palacín y Elisabet Sort

Mejor Guión
OP. 1207-x, presentado por la Universitat Autónoma de Barcelona (UAB), Juliâo Luciana

Mejor Música Original
Vestido Nuevo, presentado por el ESCAC-Escàndalo Films, Roger Padilla

ORIENT EXPRESS - CASA ÀSIA
JURADO
Lorenzo Bertucci, Mario Dominski, Jesús Antonio López

Mejor Película
Dororo de Akihiko Shiota

Mensión Especial
Mad Detective de Johnie To

ANIMA'T – Premio Gertie
JURADO
Manuel Bartual, Gaelle Denis, Rosa Pera

Mejor Largometraje de Animación
Aachi & Ssipak de Joe Bum-jin

Mensión Especial
Tekkonkinkreet de Michael Arias

Mejor Cortometraje de Animación
The Pearce Sisters de Luis Cook

BRIGADOON Paul Naschy
JURADO
Josefina Blaya, Marc Benabé, Héctor García

Mejor cortometraje
Brico Killer de Adrián Cardona

MÉLIÈS DE PLATA
JURADO
Rodrigo Cortés, Marta Figueras, David Pizarro

Méliès d’Argent a la Mejor Película Europea
Á l’intérieur de Julien Maury y Alexandre Bustillo

Mención Especial por cumplir con mano maestra nuestra fantasía de ver morir en directo a un irritante presentadora de televisión para Rec de Jaume Balagueró y Paco Plaza.

Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Europeo
Die Grosse Wekstatt (The Big Garage) Alemania de Uwe Nagel

OTROS PREMIOS

Gran Premio del Público El Periódico de Catalunya - Mejor Película
Rec, de Jaume Balagueró & Paco Plaza

PREMIO DE LA CRÍTICA
JURADO
Stephan Ivancic, Imma Merino, Marcus Kenschnigg, Desiree de Fez, Ferran Auberni

Premio de la Crítica Jose Luis Guarner
Rec, de Jaume Balagueró & Paco Plaza, por unanimidad

Mención Especial
George Ratliff por Joshua (El hijo del mal)
Por la sutilidad con la que hace presente el miedo en la cotidianidad

Premio Citizen Kane al director/a revelación
Julien Maury y Alexandre Bustillo por Á l’intérieur

José Luis Dana

Nace un nuevo evento cultural en la ciudad de Barcelona. Se trata del 1er. Festival Rendering. Organizado por el colectivo AVID-pro Producciones Audiovisuales, se trata de realizar un cortometraje de 5 minutos en 30 horas. Puede participar toda persona que disponga de medios básicos (una cámara y un ordenador para editar), eso sí, cumpliendo las bases del concurso. De todos los temas técnicos, de autoría, plazos, etc os podéis informar visitando la página web www.festivalrendering.com

Con una base de funcionamiento similar a la del festival australiano 15X15 (en el que se tiene que realizar un corto de no más de 15 minutos en 15 horas), nace esta propuesta en una ciudad que, sin duda, tiene muchas cosas que contar.

Como en todo festival que se precie, habrá un jurado y diversos premios, así como una voluntad y un compromiso de difundir las obras ganadoras por parte de la organización.

AVID-Pro Producciones Audiovisuales es un colectivo nuevo, joven y dinámico que pretende, entre otros muchos proyectos que irán saliendo a la luz próximamente, catapultar a la gente que tiene ideas que mostrar en el ámbito audiovisual, facilitándoles el camino para su producción y posterior exhibición.

Así que ya sabéis, si tenéis ideas que plasmar en una peliculita y cumplís los requisitos exigidos, ahora podéis aprovecharos de esta oportunidad que se os brinda. El fin de semana elegido por los organizadores es el del 17 y 18 de noviembre del año corriente. Suerte y a participar!

José Luis Dana

Seis jóvenes con ganas de disfrutar de sus merecidas vacaciones, eligen Brasil como destino. Quieren playa, sexo, alcohol y todo aquello que les haga olvidar su auténtica vida cotidiana en sus países de origen. Lo que comienza como algo extraordinario por la belleza de los parajes y de las gentes, acaba convirtiéndose en una pesadilla brutal de la que es difícil escapar. Los chicos y chicas protagonistas son sometidos a multitud de huidas, torturas y vejaciones de todo tipo, para poder escapar de las manos de la mafia brasileira. Unos lo consiguen y otros no, como ocurre en cualquier película de este género.

No es un film que vaya a pasar a la historia, ni por sus cualidades (que las tiene), ni por sus errores (que también los hay). Tampoco es de esas historias que no tiene ni pies ni cabeza y acaba aburriendo solemnemente. Turistas puede convertirse en la típica historia (lo es) que funciona con el boca-oreja, consiguiendo así abrirse hueco en la complicada cartelera cinematográfica. Y recordad que el peligro está donde vosotros estéis.

José Luis Dana

Todo el mundo opina sobre Cuba. La gente va una o dos semanas de vacaciones y vuelve con la impresión de que lo ha visto todo; será el ron, será el son. Se haya ido o no a la isla caribeña, es cierto que la información que llega desde distintos bandos (unos dicen que eso sí que es vivir, sin estrés ni complicaciones, sólo lo justo y lo necesario; otros dicen que no tienen nada de nada, que se mueren de hambre), es tal que uno no sabe muy bien cómo interpretarla. Una vez más, el cine intenta poner orden a tal disparidad de criterio.

El director Humberto Solás (La Habana, 1941), nos ofrece un retrato más o menos plural de lo que se cuece en el país americano. La revolución pierde fuelle en parte de las nuevas generaciones (no así en mucha gente de edad avanzada), creando una ansiedad difícil de superar en muchos casos y que fuerza a muchas personas a salir de la isla. También están los que se quedan, que viven justos pero en cierto modo felices y prefieren no arriesgar, creando un mundo alternativo al límite de lo permitido. Quedan los convencidos: hombres y mujeres que creen en una sociedad más justa, una sociedad donde se apliquen las máximas de la revolución, sin perder nunca la esperanza. Esta es parte de la realidad política-social que Cuba posee. Cuando entran los sentimientos se complica aún más y el film nos lo explica.

Con el núcleo familiar como base, Barrio Cuba es una película de historias cruzadas, de personas que van, que vienen y que desaparecen, por un tiempo o para siempre. El amor imposible entre un viejo carpintero y una enfermera unos cuantos años menor que él; la dificultad de poder tener descendencia de una pareja, siendo casi definitivo para la ruptura de la relación; la huida de un padre después de la muerte de su mujer, sin tener en cuenta que hay un hijo por medio que le necesita… Son pequeños retazos de vida que se unen a otros tantos, para formar una película brillante que intenta poner algunas cosas en su sitio, explicando sin artificios una parte del día a día cubano, que yo… presumo real.

José Luis Dana

Se ha convertido en un autor imprescindible para muchos aficionados. Sus películas se esperan con expectación y raramente decepciona. Recién estrenada Takeshis (2005), su última producción, es buen momento para introducirnos en su mundo. Un cineasta conciso en su modo de filmar, que enriquece las historias con una visión muy particular de todo lo que nos rodea.

Me dirigí al cine solo, aunque no era habitual que lo hiciera. De los estrenos de aquella semana había una película que me interesaba por encima de todas las demás: la última producción de un director japonés llamado Takeshi Kitano, del que solamente había visto Violent Cop (Sono Otoko, Kyoto ni Tsuki, 1990), filme que me había dejado buena impresión. La proyectaban en los cines Verdi de Barcelona. Eso conllevaba viajar en metro y caminar unas manzanas. Realizar ese ritual para llegar a la sala, me ofreció tiempo para pensar. Pensar qué me contaría el filme, si la historia estaría bien narrada o el porqué de mi elección. No tenía ni idea con qué película me iba a encontrar; iba dispuesto, como siempre, a disfrutar. Sólo eran eso: pensamientos…

Cuando se apagaron las luces y comenzó la proyección, todo ese pequeño mundo que había creado yo, desapareció. Esperaba ver una película buena y sorprendente.Hana-bi (Takeshi Kitano, 1996) hizo que ocurriera lo que debía ocurrir: ya contaba con un autor relativamente nuevo, al que poder seguir de cerca en cada una de sus próximas películas. Desde entonces veo tanto cine como me es posible, de cualquier época y de todos los estilos y movimientos; he contemplado historias hermosas, duras, frías, cómicas, terroríficas, feas… pero ninguna me atrapó como las de Kitano.

En su cine hay varios factores que destacan. Uno de ellos es el montaje. Concretamente la elipsis es de los recursos más utilizados por el realizador nipón. Con escasos planos es capaz de mostrar y resolver una situación: la primera secuencia de Hana-bi con Beat Takeshi (el nombre utilizado por Kitano para su faceta de actor), dos personajes secundarios y un coche, todo ello localizado en un parking, es un buen ejemplo. Apenas con media docena de planos fijos presenta al protagonista, dejando clara su manera de actuar ante una situación inesperada: los dos chicos le ensucian con restos de comida su auto y, sin palabras ni gestos (sólo miradas), montado con plano-contraplano de los intérpretes, un plano general del cielo nublado que les observa, un detalle de la comida sobre el capó del automóvil, Kitano empuña un cuchillo en su bolsillo, mientras los jóvenes limpian la suciedad y uno de ellos es pateado por el actor principal, resuelve lo que podría haber sido eterno por parte de algún otro autor, y sienta así una las bases que utiliza a menudo en sus películas. Es por ello que, actualmente, Takeshi Kitano puede considerarse un maestro indiscutible de la elipsis cinematográfica.

Por otra parte, la confrontación entre bandas yakuza es un recurso muy utilizado por Takeshi Kitano. De los doce filmes que ha rodado hasta el momento, esta situación es vital para el desarrollo de lo narrado, al menos, en ocho de ellos: Violent Cop, Boiling Point (3-4 X Jugatsu, 1990),Sonatine (Sonachine, 1993), Kids Return (Kidzu Ritan, 1996), Hana-bi, El verano de Kikujiro (Kikujiro no Natsu, 1999), Brother (2000) y Dolls (2002). Bien como espina dorsal de lo contado, bien como apunte implícito y secundario, toda la parafernalia del mundo yakuza está reflejada en cada una de sus historias: tanto la violencia más “macarra” por parte de estos gángsters orientales con asesinatos a sangre fría, torturas o extorsiones, como el estricto código de honor y lealtad por ellos utilizado, que a veces implica amputaciones, harakiri o sumisión total al capo de la banda.

Las secuencias en tono de comedia abundan en su filmografía. No hay que olvidar que sus comienzos están marcados por el mundo de la televisión más “cacharrera”, al constituir el cincuenta por ciento del dúo cómico Two Beats, protagonistas del concurso “Humor Amarillo”, utilizado por diversas emisoras para rellenar la programación de diferentes épocas y en el que la descripción de situaciones totalmente absurdas es habitual. Los chistes y las escenas hilarantes (El verano de Kikujiro y especialmente Getting Any?, 1994, están repletas de todo ello) destacan en sus historias y ayudan a compensar el estado de ánimo de unos personajes, a menudo maltratados por situaciones no buscadas. En esto del humor (a veces sutil, a veces sobreactuado) también es un autor destacado, que se nutre de maestros como Charles Chaplin, utilizando el recurso del cine silente, o de Buster Keaton y su particular modo de presentar a personajes con elegante hieratismo, para introducir escenas cómicas que liberan al espectador de la carga excesiva de violencia y situaciones de dramatismo extremo que poseen sus películas.

¿Y qué sería de toda su filmografía sin el mar? Con su presencia demuestra que su cine es en gran parte autobiográfico. Vivir frente a él (y en Japón es francamente fácil hacerlo), contemplar el agua que rompe en la costa, pasear por la orilla de la playa u observar las olas desde el acantilado, libera del estrés; ayuda a reflexionar. Y Takeshi lo pone de manifiesto con sus planos marítimos, donde los sujetos dejan el protagonismo al océano, esencial en multitud de situaciones que nos cuenta, para ayudar a resolverlas. El director utiliza todo ello como parte importante de su experiencia particular y lo muestra con el cariño que sólo un individuo que lo necesita para sobrevivir lo haría. Y para muestra, un botón: A Scene at the Sea (Ano Natsu, Ichiban Shizukana Umi, 1991), su tercera película, donde todo gira alrededor de una playa, narra la historia de Shigeru, un chico sordomudo que está fascinado por el mundo del surf. Quizá lo más destacado en esta ocasión no sea la historia (Kitano ha escrito mejores guiones), sino la sensación de que realmente uno se encuentra inmerso en ese lugar, acompañado de la brisa marina y el salitre, elementos tangibles que casi pueden llegar a disfrutarse viendo el filme.

Estas constantes en su cine conforman su mundo imaginario. El humor es su vehículo de expresión más recurrido y también más acertado. Los yakuza a menudo son la excusa perfecta para hilvanar las historias. El mar es algo inherente a Kitano, no puede escapar de su influencia.

Hana-bi narra una historia que trata sobre las diversas etapas del ser humano. Lo hace de una manera poco convencional, sin llegar a explicar las características de cada una. Kitano liga la vida a la muerte con naturalidad; de manera explícita o con su recurrente iconografía (impresionante el plano en el que el protagonista se encuentra un triciclo, que podría ser de su hija fallecida, en el vestíbulo de su casa) según convenga; hay que recordar que la muerte en la cultura japonesa no está necesariamente vinculada, como en gran parte de Occidente, a la aflicción. Rodada justo después de un accidente de tráfico sufrido por el director, está impregnada de dolor y desgracia, aunque deja un pequeño espacio para el humor y la violencia.

Yoshitaka Nishi (Beat Takeshi) es un inspector de policía recién retirado, que ha perdido a su única hija, su mujer tiene leucemia en fase terminal y, por si no fuera suficiente, un compañero suyo está postrado en una silla de ruedas a raíz de un tiroteo. Semejante panorama, difícil de tratar sin caer en la sensiblería barata, crea una base de acción suficiente para que el talento de un artista destaque o se hunda irremisiblemente en el olvido. No es suerte lo que acompañó al realizador japonés en la exhibición de este filme (ganó el León de Oro en Venecia en 1997), sino trabajo e ideas claras, con todos los entresijos de la producción cinematográfica perfectamente dominados. Está montada de modo que la información se nos va ofreciendo en pequeñas pinceladas durante su primera parte, para poner todo en su lugar y cerrar cada una de las tramas en su última hora. La música de Joe Hisaishi (colaborador de Kitano en otros títulos) acentúa diversos momentos, para así convertirse en protagonista y no en mera acompañante. Los indicios de sus anteriores películas están presentes en Hana-bi, con un añadido importante: está mejor filmada que cualquiera de ellas.

Todo ello le sirvió para afrontar sus producciones posteriores con más solvencia y ser reconocido como merece: un director único que pretende (y consigue) plasmar en imágenes, con frecuencia de exquisita belleza, historias que, distantes en apariencia a nuestro entorno, podemos apreciar con la misma intensidad que las muestra. En este sentido su visión es un ejercicio imprescindible y muy recomendable para entender y disfrutar el universo de Takeshi Kitano.

La experiencia real que experimenté al ver Hana-bi se rubricó con una charla. Un buen amigo, cinéfilo, dudó de la calidad del trabajo del director japonés. Mi consejo de que hiciera lo posible por ver la película, sólo halló indiferencia; no le interesaba lo más mínimo. Al cabo de unos días nos volvimos a encontrar y se disculpó por no hacer caso a mis palabras: disfrutó mucho con su visión y la exhibió en un cine club que dirigía, además de considerar el filme uno de sus predilectos de todos los tiempos. Desde entonces me di cuenta que Takeshi Kitano es el director clave para toda una generación, de la que me considero miembro y partícipe. Otros tuvieron a Spielberg, a Coppola, a Eastwood, a Burton o a Scorsese, por citar a directores más o menos recientes que arrastran legiones de fans por todo el planeta, y a quienes considero importantes y decisivos para mi formación. Pero nadie como Takeshi Kitano. Fue mi punto de inflexión para interesarme de manera definitiva por el mundo del cine, para indagar en sus entresijos y decidir que no es sólo un entretenimiento, sino también una forma de vida.

José Luis Dana