Punto de Vista, el Festival Internacional de Cine Documental de Navarra, estrena dirección web: www.puntodevista.navarra.es y abre el plazo de inscripción de películas (largos y cortos) hasta el 30 de septiembre de 2007. La inscripción se hace aquí. Suerte.

Gonzalo

David

David

El seminario lleva por título “Miradas, documentos, representaciones y espejos del mundo” y está dirigido tanto a profesionales como a estudiosos del género. Tiene una duración de 20 horas y la admisión se realizará por orden de inscripción, así que ojo a los que estéis interesados (hay 40 plazas).

Según la web que explica el seminario, “a través del análisis de obras y autores del cine de lo real, el seminario trata de explorar el alcance y la complejidad que puede llegar a desarrollar el lenguaje documental cuando trata de mirar o representar el mundo, un lenguaje que no se detiene en los habituales trabajos de registro televisivo, sociológico, político o antropológico”. Los contenidos del programa son un lujo. Más información en la web

David

A veces bastan 80 minutos. Es lo que tiene el cine. Al Lewis dice adiós y el resto del mundo, a través de la pantalla, le da la bienvenida después de muerto. Sergio Oksman, director de la película, le ha hecho permanecer. En realidad, fue casi de casualidad. La idea inicial del productor del documental, Elías Querejeta, era hacer un largometraje sobre “Pacífica Radio” -una radio pacifista de Nueva York- en el que Al Lewis aparecería simplemente porque trabajaba allí. Pero en su pretensión, se encontraron primero con el ex abuelo de la familia Monster y después con Albert Meister (nombre real del actor). Y no tuvieron más remedio que contar otra historia; la suya.

Aunque acaba de nacer, parece estar lleno de buenas intenciones, así que nuestro apoyo y recomendación para echarlo un vistazo.

David

Isra, el niño gitano, nunca volverá a cantar, la muerte de su padre se lo impide. Makiko, la enfermera japonesa, quiere expresar emociones a través del flamenco, como lo hacía Camarón. Dos historias, dos culturas, un solo paisaje y un conflicto: la imposibilidad de cantar.
Con el título, Isaki Lacuesta recupera el disco de Camarón que supuso la revolución del flamenco. Con las vistas, la luz y las costumbres de la Isla de San Fernando, ambienta los dos cuentos. Y es que muchos instantes parecen sacados de las mejores pinturas, y los quehaceres tradicionales, como la confección de cestos, el afilar cuchillos o los carnavales, muestran fielmente el modo de vida gaditana. Estos momentos de pausa crean además el contexto idóneo para hablar de otras cosas, se convierten en excusa para que los personajes revelen sus planes de futuro, sus anhelos, sus sentimientos. Imagen y palabra que se adornan con las voces y ritmos flamencos.

Volvemos a empezar. Una joven. Una muchacha oriental que sueña con atrapar la voz del cantaor. Y como de la nieve a la sal, viajamos de Japón a Cádiz, de la frialdad de sentimientos al desparpajo. Un niño. Un chiquillo con la misma silueta de Camarón arranca nuestra sonrisa con su rebeldía, salero y valentía. Makiko e Isra, dos personajes que reúnen sueños, humor y pérdidas, ingredientes esenciales de todo protagonista.
Y llegados a este punto, no preguntamos: ¿es un documental?, ¿es ficción o es realidad? Tenemos motivos para cuestionarlo después de ver el decoupage, los planos contraplanos, la cámara ubicada en el lugar ideal para seguir la acción, los primeros planos, la pantalla que muestra los momentos más significativos (como la noticia de la muerte del padre de Makiko o los minutos de intimidad de Isra y Saray). Y los actores, ¿son personas o personajes?, ¿hay guión? Dice Lacuesta que ambos protagonistas fueron seleccionados entre centenares de personas para representar, como modelos, a gente que reúne más o menos sus mismas condiciones. En el rodaje el director les marcaba el punto de arranque para después realizar tomas muy largas sin interrupción, como si el guión se fuera escribiendo solo. Y reflexionando sobre los límites entre el documental y la ficción la pantalla funde a negro. Todavía no sabemos la respuesta, pero al menos hemos disfrutado durante dos horas de esta disyuntiva. Asombrosa.

Maite Mutuberría

La cinta dice con imágenes, no necesita nada más. La carga expresiva de éstas es suficiente para hacerse cargo del drama que supone el encierro. El silencio tan sólo se rompe con las voces de algunos reclusos, reflexiones que se dan únicamente en condiciones límite, y la suya lo es. Están de vuelta de todo, pero no dicen. Callan, guardan su propio secreto. Por momentos, la ausencia de sonido se hace insoportable, para el tiempo.

La oscuridad y la soledad están ahí, como simboliza el uso del blanco y negro. Pero la cárcel, con sus altos muros, es un mundo aparte, un reducto en pleno centro de la ciudad, muy cerca del mar. Salvando las distancias, el interior recuerda a las imágenes infinitamente visualizadas de los campos de exterminio nazis, hombres hacinados entre humedad y basura que miran a la cámara desde la curiosidad y la resignación. Y aunque esta cárcel impresiona, el ojo se acostumbra, algo que no logran los presos por mucho tiempo que pasen allí dentro. "Adaptarse no es lo mismo que acostumbrarse", dice uno. "Al estar preso se detiene la vida", dice otro. Lo llaman crisis carcelaria. El final rompe con lo anterior. Por fin aparece el color, la luz del sol, el ruido. La cárcel queda atrás.

Arcana no volverá a proyectarse durante el Festival Punto de Vista, aunque podrá ser vista en la biblioteca de Civican.

Maite

Abre su exposición con dos cortos de sus comienzos, Everywhere at Once y City of Edition. En estos experimentos ya quedaba claro su gusto por el montaje. Él mismo admite que le encanta elaborar esos collages particulares a partir de imágenes y sonidos de metraje encontrado. Los considera un intento de crear un nuevo universo a partir de elementos de otros universos distintos, captando esas tomas y liberándolas de su contexto original. Busca hallar el equilibrio perfecto entre juego y control, y así logra una película poco predecible aunque las conexiones entre fragmentos se sigan con facilidad. En City of Edition se cuelan, además, dos elementos que después serán característicos de sus obras: el sonido de la máquina de escribir y la imagen de la familia.

Precisamente en The Family Album confluyen varios de estos elementos. Alan estuvo durante un año visionando un lote de películas domésticas ajenas que había comprado a otro recolector, y con distintos fragmentos de esas familias realiza una construcción de una familia imaginaria. Su conclusión es que estas películas son mentira, una representación falsa de la realidad, ya que si se tomaran como ejemplo de la vida real todos los días serian domingos soleados y maravillosos. Sin embargo, Alan se siente orgulloso de haber sido el único en elaborar una película solo utilizando películas caseras.

Pero, tras manejar tantas películas de desconocidos, el cineasta sentía la necesidad de hacer una película sobre alguien que tuviera cerca. Su abuelo Joseph Casutto muere en 1974 sin concluir una biografía que preparaba en secreto y dejando un montón de cajas repletas de archivos propios que utilizaba en su labor. Aquí hallaría la fuente de inspiración de Intimate Stranger. En ella se ve el uso de la maquina de escribir como herramienta cinematográfica: la pantalla es una hoja en blanco en la que se impresionan imágenes con la misma musicalidad que las teclas de la maquina tecleando tap-tap-tap.

Si bien lograba retratar a su abuelo con los testimonios de sus familiares y amigos, en Nobody’s Business acudía directamente a su padre para hacer un documental sobre su persona. De nuevo Oscar Berliner, padre de Alan, se mete al publico en el bolsillo con sus apariciones de breves segundos, provocando carcajadas con su actitud reticente. Alan confiesa que, tras las proyecciones de su obra, recibió muchos e-mails y llamadas de personas que admiraban a su padre, aunque a éste, cómo no, le daba absolutamente igual.

Tras hacer dos películas sobre su familia, Berliner estaba deseando salir de su casa. Su siguiente proyecto fue un ensayo acerca de los nombres, en el que pretendía incluir cuantos más y más variados posibles. Para ello salio a las calles de Nueva York a entrevistar a gente diversa. Sin embargo, se dio cuenta de que le faltaba aportar su toque personal: no era necesario abarcar todos los nombres posibles, sino que bastaba con uno, el suyo propio que era el más cercano y el que más conocía. Entonces organizó una reunión con 12 tocayos que le sirvió para completar The Sweetest Sound.

A lo largo de la masterclass, Alan Berliner se pasea por el escenario y va dejando caer aquí y allá detalles de su personal forma de ver el cine. Asegura que jamás trabaja con guión, y no le gusta saber cómo empezará y terminará su trabajo, sino que se toma cada película como un viaje en el que se embarca y luego ve dónde le lleva. Es un proceso de descubrimiento que requiere esfuerzo y paciencia. Para ponerse a hacer una película necesita un equilibrio entre fascinación por un tema y cierta necesidad de abordarlo, un impulso interior que le empuje a hacerla. También presume de ser un gran recolector de imágenes, fotos, sonidos… que almacena y reutiliza en sus obras, y menciona en varias ocasiones su extensa colección.

Se inspira cada vez mas en recursos a los que tiene acceso directo y cercano (de sus familiares pasa a el mismo y sus obsesiones), pero tiene esa capacidad de hacer de lo ordinario algo extraordinario, y de hacer que esos asuntos personales interesen a un público universal. Así es como logra su objetivo al hacer las películas: que la pantalla no sea una ventana a otro mundo, sino que acabe siendo un espejo que refleje las circunstancias del propio espectador, para que éste acabe planteándose sus propias preguntas acerca de los temas abordados por el cineasta. Al concluir, Berliner admite que su forma de entender el cine es arriesgada, y que se lanza en picado cada vez que estrena una obra, pero asegura, con la cabeza bien alta, que nunca le han faltado la pasión y la paciencia necesarias para seguir adelante.

Sabiñe