Keep on rollin'

Este rodaje es un infierno (I)

2008-05-04T16:13:00+00:00

Francis Ford Coppola rodando Apocalypse Now

Sí, sí sí... porque no todo fue siempre coser y cantar; porque hasta Audrey Hepburn seguro que perdió los nervios y la compostura en algún rodaje; porque hasta un maniático controlador como Stanley Kubrick quizás vio como su plató se convertía en un caos. Lo cierto es que hay veces que 90 minutos de imágenes se conviertieron en toda una pesadilla durante meses de largo y agotador rodaje.

En ocasiones la causa del problema son, en cierto modo lógicas. Levantar una mega producción en color como Lo que el viento se llevó estaba claro que no iba a ser una tarea fácil. Y evidentemente no lo fue. Hasta cinco directores pasaron por el plató, cada uno cortando y pegando el trabajo de los demás; 1.400 actrices aspiraron al papel de Scarlet 0'Hara en interminables castings durante dos años hasta que al final (pero bastante al final) Vivien Leigh fue la escogida. Más de 4,25 millones de dólares de presupuesto de la época se invierton durante los 140 días en que duró el rodaje hasta conseguir una película faráonica, un clásico entre los clásicos. Y no contento con tantos tropiezos, esperas e impedimentos, el famoso "Francamente querida, me importa un bledo" estuvo a punto de ser censurado. Menos mal que al productor David O. Selznick no le importó soltar otro fajo más de billetes (ya había quemado 4 millones de dólares) con tal de sortear la censura y estrenar la cinta. Estaba convencido que su film sería un clásico imperecedero. Y con razón.

Está claro que rodajes tan excesivos no pueden reproducirse tan a la ligera en las alegres colinas de Hollywood, más si el que paga es un productor y la rentabilidad no está asegurada. Pero a veces las cosas se complican y lo que inicialmente tiene un presupuesto de 2 millones de dólares acaba costando la friolera de 44 millones de dólares. Hablamos claro que sí de Cleoptara con Liz Taylor a la cabeza. El tiempo ha acabado acusando a una excesiva improvisación durante el rodaje de tal despilfarre. Tanto el director como los actores se cambiaron a mitad del rodaje y, además, se tuvo que volver a empezar a filmar cuando el afamado director Joseph L. Mankiewich cogió las riendas y fue el único con el suficiente sentido común para señalar que Londres no era el lugar ideal para rodar una película sobre el viejo, caluroso y exótico Egipto. Está claro que los 250.000 dólares que se gastaban semanalmente en agua embotellada tampoco ayudaban a ahorrar, ni todo el lujo de los decorados, trajes y demás de la bella Cleopatra. Pero al contrario que con Lo que el viento se llevó, Cleopatra no fue un éxito y casi arruinó a la Twenty Century Fox.

Aunque para carreras suicidas la de Kevin Costner cuando levantó la futurista ciudadela de Waterworld en medio del mar en un alarde de ingeniería y demás efectos especiales para que sus hombres con branquias pudieran nadar con libertad. Muchos, todavía no se explican esos 25.000 millones de las antiguas pesetas.

"Todos los que han venido a Filipinas parecen estar experimentando algo que les afecta profundamente, cambiando su perspectiva sobre el mundo o sobre ellos mismos, lo mismo le ocurre a Willard en el transcurso de la película, desde luego a mi me está pasando algo y a Francis también." Eleanor Coppola.

Finalmente si hablamos de rodajes técnicamente complicados debemos señalar el cine bélico como uno de los géneros que más complicaciones puede conllevar para cualquier planificación o presupuesto. Que se lo digan a Francis Ford Coppola, quien tras más de 10 intentando adaptar la novela El corazón de la tinieblas, sólo consiguió el apoyo, la financiación y la energía necesaria para tal reto tras el éxito de El Padrino. El objetivo de Coppola era trasladar de la novela de Joseph Conrad a la guerra del Vietnam. Y desde luego el rodaje de Apocalypse Now en Filipinas fue una verdadera batalla contra los elementos. Para empezar, los actores se lo pusieron difícil al bueno de Coppola; Harvey Keitel, que intepretaba al capitán Willard, fue substuido a las dos semanas por Martin Sheen. Martin no solía beber pero el día de su cumpleaños lo celebró por todo lo alto. Esa fiesta quedó para la posteridad puesto que Coppola aprovechó para rodar la impactante escena inicial de la película. Poco después Sheen tuvo un ataque al corazón que casi acaba con su vida (incluso un cura llegó para administrarle la extrema unción) y estuvo varios meses apartado del rodaje. Por su parte, Marlon Brando hizo lo que se esperaba de Marlon Brando, ir a la suya. Llegó pesando casi 120 quilos y sin haberse preparado el personaje (y mucho menos leído el libro). Tras una dieta, empezó a preparar al enigmático Kurtz a conciencia hasta el punto de pasarse 3 días discutiendo con el pobre Coppola cómo había que enfocar el personaje.

Quien tan bien fue perdiendo quilos fueron Coppola y su mujer Eleanor. Todo eran problemas, cada noche se reescribía una y otra vez el guión y, por si fuera poco el ambiente de trabajo se iba volviendo cada vez más perturbador. “Al igual que el Capitán Willard, yo subía río arriba en una selva lejana, en busca de respuestas y una especie de catarsis. Hicimos ‘Apocalypse’ como los americanos hacían la guerra en Vietnam: éramos demasiados, teníamos demasiado dinero y demasiado equipo - y poco a poco nos volvimos locos.", reflexionó Coppola.

Por si fuera poco, el rodaje (y todo el equipo) corrió un serio peligro cuando les pilló el peor tifón en 40 años. El coproductor Gray Frederickson lo definió como “una lluvia tan intensa que no veías tu mano delante de la cara”. Quedaron destrozados casi todos los decorados hechos con tanto esmero por Dean Tavoularis así que tuvo que reconstruirlos. Además, el equipo tuvo que ser atendido en un hospital de Manila por desnutrición cuando a resultas del tifón se quedaron aislados.

Para acabar de rematar tal locura, el entonces presidente de Filipinas, Ferdinando Marcos, se llevaba a menudo los helicópteros y los pilotos del rodaje para luchar contra las fuerzas rebeldes que se oponían a su gobierno.

En total, Coppola utilizó 600.000 metros de película (370 horas) a lo largo de un rodaje de 238 días. El resultado fue más que brillante.

The Gutter Twins: Mark Lanegan y Greg Dulli caminan juntos

2008-03-08T14:36:55+00:00

Ciudad: Amsterdam
Sala: Melkweg
Fecha: 23-02-2008

Canales, bicicletas, marihuana, prostitutas bajo las luces rojas ... sin duda, si alguien quiere montarse una buena fiesta en una ciudad realmente singular de Europa, Amsterdam es el lugar. Precisamente el libertinaje holandés daba más glamour todavia si cabe a uno de los primeros conciertos en Europa de los Gutter Twins, o lo que es lo mismo, la unión musical de dos viejos amigos como son Mark Lanegan y Greg Dulli. Dos tipos más que peculiares con un curriculum profesional marcado por la calidad, pero también por una trayectoria personal que se ha movido por zonas realmente oscuras. Quizás por eso se presentan como los gemelos del barrio bajo.

Mark Lanegan siempre ha sido el típico tío duro, alto y poco amigo de las conversas que uno imagina sentado en la esquina del bar, a las cuatro de la mañana, tomándose un whisky y apurando el último cigarro. Es su segundo paquete del día. Claro que su gesto serio y su voz profunda ayudan a mitificarlo como ese tipo extraño y misterioso que canta también y que vete a saber que se ha metido. Porque meter, se ha metido y su delator siempre ha sido su aspecto físcio. La suerte, claro está, no le sonrió tanto a nivel musical como a sus colegas de Seattle Kurt Cobain, Layne Stanley o Chris Cornell ya que pese a la calidad de su grupo de toda la vida, hablamos de Screaming Trees, nunca llegaron a despuntar a nivel comercial. Fueron lo que ahora se le llama un grupo de culto, un concepto que en el momento y más aun cuando te quedas sin discográfica, no te mola nada pero que con el tiempo no acaba por ser una mala etiqueta. En el caso de Lanegan, si hoy en día sigue girando y tiene cada vez más éxito es gracias a su extensa carrera en solitario (donde destaca su álbum Whisky for the Holy Ghost) y a sus colaboraciones ya que su voz de tabaco negro ha sonado en discos de Queens of the Stone Age, Isobell Campbell, Soulsavers y ahora junto su colega de barra Greg Dulli.

Un hombre como Greg Dulli que se presenta como un gentleman y al que le gusan las faldas más que a un tonto un lápiz sin duda debe ser un tipo con carisma. Como en el caso de Lanegan te lo imaginas en la barra de un bar fumando y viviendo como un cosaco. Pero al contrario que el arisco de Seattle, Dulli seguramente sería el ese tipo que se lleva a todas las nenas y que pone un buen disco de Soul para follar. Su banda Afghan Wings fue la primera banda de fuera de Seattle que fichó Sub Pop y cuando los grunges asaltaron la lista de éxitos, el bueno de Greg trató de quitarse de encima dicha etiqueta (que le pega más a Mark Lanegan) a base de cuidados vídeos, trajes caros y canciones sobre amores, desamores, sexo y alcohol, pero con el toque gentleman que siempre ha buscado este señor. Quizás, el poco éxito que los Afghan Wings lo llevó a juntarse en algún bar con Lanegan y no es de extrañar que ambos ahogaran sus penas en largas noches de excesos de todo tipo. A saber.

Lo cierto es que superando con más o menos gracia sus problemas personales, los gemelos tóxicos aparecieron la pequeña sala Melkweg (Via Láctea en holandés) con un disco muy disfrutable y de calidad bajo el brazo como es Saturnalia. "The Stations", la canción inaugural del disco fue la encargada de romper el silencio. O mejor dicho, la grave voz de Lanegan, que parece mejorar cada vez más a medida que pasa el tiempo, empezó a rugir tal y como lo hace él, aferrado perpetuamente al micrófono, con los ojos cerrados y vestido de riguroso negro. Pocos artistas consiguen tanta atención sin apenas pestañear. Greg Dulli, por supuesto elegantemente vestido, es el encargado de la parte "show" del concierto: baila, fuma sin parar, anima al público y da rienda suelta a esa vena loca suya que ha veces le da por enseñar. "God's Children" y "The Body" siguieron con el repaso al nuevo disco ( y que todavía no se ha publicado) hasta que sonó "Live With Me", un tema ya conocido y que ambos bordaron. Más si a continuación uno comprueba como Lanegan solventa con matestría un registro mucho más dulce que lo que en él suele ser habitual en "Seven Stories" y como ambos rematan con "Idle Hands", una de las mejores canciones del disco.

La recta final la marcaron temas nuevos como "Bete Noir" y la beatliana "I was in love with you" con Greg Dulli a los teclados o "Who will lead us?" o "Front Street", tiempo suficiente para ver a Greg Dulli cogiendo el micro y sentándose en un taburete al más puro estilo crooner o para comprobar que ambos se reparten el protagonismo, eso sí cada uno manteniendo su peculiar estilo.

Con el público en el bolsillo y con un concierto más eléctrico de lo que uno podría esperar, los bises fueron uno de los mejores momentos de la noche, en parte porque además de presentarnos su último disco, el dúo tambén decidió repasar algunos temas de sus respectivas carreras. "River Rise", "No Easy Action" y la cañera "Metamphetamine Blues" cayeron por parte de Lanegan, mientras que Dulli optó por tocar canciones de uno de sus proyectos musicales, los Twilight Singers. "King Only", la versión "Number 9" y "Papillion" contentaron a los fans dullinianos. Si a eso le añadimos que hacia el final de "Papillion" Mark Lanegan entonó aquello de "The hour is ending, can't you see/ There is no way now, to get free/ In the shadow of the season/ Without a reason, to carry on/ Without a reason, without a reason", o lo que es lo mismo, los primeros versos de "Shadow of the Season", una de las mejores canciones de Screaming Trees lo que obtenemos es una noche de muy buena música.

Hasta Mark Lanegan parecía contento.

David Bowie en Berlín

2008-02-03T17:20:04+00:00

Es difícil saber que se le pasaría por la cabeza a David Bowie cuando, tras lo éxitos de Ziggy Stardust and the Spiders from Mars y Station to Station, vivía base de cocaína y no pesaba más de 45 quilos. Bueno, en realidad, no es tan complicado. Probablemente su día a día consistía en levantarse a las 4 de la tarde con los ojos hundidos y la mirada clavada en el infinito. En lugar de un café, pedía "más" e iba y venía sin saber qué pasaba por la vida. Probablemente, pasaba de la vida. Y él sin enterarse.

En el mundo artístico se suele comentar que en estados graves de sufrimiento, locura, adición o depresión un artista puede sacar lo mejor de sí mismo. Los mitos y los ejemplos (salvando las distancias) están ahí: Van Gogh y su oreja, Rimbaud y sus poemas de Una temporada en el infierno; el film Vidas rebeldes, con dos atormentados actores como protagonistas (Montgomery Cliff y Marilyn Monroe) y un matrimonio a punto de romperse en el plató (el de la exuberante rubia de platino con el dramaturgo y guionista Arthur Miller); o el unplugged de Alice In Chains, donde pese a que Layne Stanley parecía más muerte que vivo, consiguieron grabar un directo realmente emocionante. Aunque a veces no hay final feliz. Ian Curtis, líder de Joy Division y que sufría graves problemas epilépticos, se ahorcó en la cocina de su casa mientras sonaba The Idiot de Iggy Pop.

Pero en el caso de Bowie sus 45 quilos de excesos no le pedían una obra de arte, le pedían una solución. Y para encontrarla el Duque Blanco se trasladó a Berlín atraído por el emergente kraut rock alemán. Iggy Pop le acompañaba, no en vano el chico de Detroit también necesitaba una solución a sus problemas con las drogas. El destino elegido por ambas estrellas del rock no fue fruto del azar: a mediados de los setenta la ciudad alemana era un emergente centro artístico bastante cool y moderno.

En Berlín, Bowie encontró mucho más que una cura. Se juntó con dos tipos talentosos como Toni Visconti y al ex-Roxy Music Brian y los tres empezaron a grabar y a producir un total de tres discos que poco tenían que ver con lo que hasta el momento habían hecho cada uno de ellos por separado. Las referencias al avant garde, el kraut rock alemán y la música electrónica del momento tomaron un mayor protagonismo. Y las canciones dejaron de ser perfectos singles glam-rock para dejar paso a canciones mucho más largas y elaboradas.

Fruto de este periodo, David Bowie grabó tres de sus mejores y más experimentales discos: el fascinante Low, el elaborado Heroes y el más flojo, Lodger. Además, el inglés produjo en apenas un año los dos primeros discos de Iggy Pop, los también exitosos The Idiot y Lust for Life. Quizás sea Low el disco más representativo de toda esta etapa de inspiración y de cierta trasgresión, ya que temas como la instrumental "Speed of life" o "Sound and Vision" representan a ese renacido Bowie berlinés: un tipo mucho más arty, más enigmático (la portada de Low es una de las carátulas más fascinantes de la música) y más centrado en la música.

Quién sabe que sería de Bowie si no se hubiera regresado a Europa. Probablemente hubiera seguido deprimido y colocado demasiado tiempo. O quizás, simplemente es mejor levantar el vuelo que tocar fondo. Aunque en el arte nunca se sabe.

Los mejores discos de 2007

2008-01-13T18:38:57+00:00

Como de cine ya tenemos a Gatabunda al tanto de todo lo que se ha cocido este año y como yo he estado más al tanto a nivel músical, aquí os dejo mi particular TOP 10 de Los mejores discos de 2007. Pero como las opiniones son como los culos; todos tenemos uno, Kar también tiene un interesanteTOP 5 .

1. DOWN -III: Over the under. Por sus melodías metálicas y por su sonido añejo pero contundente, el tercer disco de este proyecto formado por Phil Anselmo (ex - Pantera) y Pepper Keenan (Corrosion of Conformity) entre otros músicos, consigue ser el disco más destacado del año. Casi nunca he disfrutado con el metal, pero éste disco ha conseguido acompañarme un buen número de semanas. Y además Anselmo ha dejado sus berridos y demuestra su gran poderío vocal cuando decide cantar. Chapeau.

2. MANIC STREET PREACHERS: Send away the tigers. En el año de los regresos, los Manic Street Preachers también volvieron. Pero en su caso nose reajuntaron para hacer una mega gira de come- back tras un largo periodo de silencio. No. En su caso volvieron con un disco inspiradísimo en el que casi todas sus canciones son, por así decirlo, redondas, perfectas. Sin dudarlo, este es un disco de pop - rock de calidad y con temazos como "Indian Summer" o "The second great depression". Atrás queda cierto tono demasiado serio e incluso pomposo.

3. QUEENS OF THE STONE AGE: Era Vulgaris. Josh Homme y sus reinas hace tiempo que apuestan por cambiar en cada nuevo disco con el objetivo de evitarrepetir la misma fórmula. Tras el éxito de ese disco algo oscuro pero exitoso como fue Songs for the deaf, y después de publicar su obra más comercial (Lullabies to paralyze), Homme concebió un disco que pocos esperaban. Retorcido, contundente y poco accesible. Era Vulgaris requiere más de una escucha para desenmarañar cierta confusión incial (aunque temas como "Misfit Love" destacan a la primera). Pero una vez que entras incluso te alegras de que estos tipos sigan arriegando. Keepn on rollin premia a los chicos listos. El tour está a la vuelta de la esquina:

February, 14, 2008 - Rockstar Live, Bilbao, Spain
February, 15, 2008 - Riviera. Madrid, Spain
February, 16, 2008 - Razzmatazz, Barcelona, Spain

4. VIAJE A 800: Estampida de trombones. El stoner ha llegado a Algeciras. Y como debe ser, es decir,con contundencia, oscuridad y psicodelia. "Los ángeles que hay en mi piel", uno de los mejores singles del año y el primer tema del disco, es junto a "El amor es un perro del infierno" una buena muestra de la inspiración que Estampida de trombones. Claro que las influencias están claras, pero hay que tener calidad para marcarse un disco así y encima proponerse experimentar. Quizás esa sea la clave. Esperemos que sea el inicio de una más que notable carrera musical en continuo ascenso.

5. ARCADE FIRE: Neon Bible. Muchas listas van a encabezar los canadienses Arcade Fire con su segundo disco tras aquel exitoso Funeral. Y no es para menos, puesto que con Neon Bible el grupo ha conseguido potenciar sus canciones, aparentemente sencillas ymuy distintivas, crezcan en parte por la gran labor de producción. Sobresalen la inicial "Black Mirror", "No cars go" y "Keep the cars running".Sin embargo lo mejor de este dico es lo bien que suena en directo gracias a ese sonido que consiguen los 10 músicos sobre el escenario (nno es para menos). Así lo demostraron el Summercase donde fueron los grandes triunfadores.

6. SOULSAVERS: It's Not How Far You Fall, It's the Way You Land. Ni idea de quiénes eran Soulsavers hastaque un tipo que debe fumar dos paquetes de cigarros al día,que se debe un whisky cada media noche (o eso nos gusta presuponer a los mitómanos de estos músicos canallas hasta el amancer) y que cada vez se acerca más a lasprofudidades vocalesde Tom Waits o Leonard Cohen decidió tomar cartas en el asunto. Ése adicto a la nicotina no es otro que Mark Lanegan. Si no lo conocen, ya va siendo hora, escuchen éste disco. Porque los que ya lo conocemos nos hemos deletiado con canciones nuevas que suenan a viejo, a rock, a soul, amuchas cosas a la vez pero que por encima de todo están más que bien paridas."Revival" es el single del año. "Kingdoms of rain" también podría serlo. Su concierto en Barcelona, un muy buen recuerdo.

7. RADIOHEAD: In Rainbows. Lanzados a la cabeza de iniciativas que buscan superar la crisis de la industria musical con nuevas ideas (en su caso, colgando su último disco en internet y dejando que sus fans pagasen lo que consideraran y que por cierto, con una media de 14 euros y más de un millón de descargas,no es que hayan salido perdiendo), In Rainbows, en lo musical, tampoco se ha quedado atrás. Menos experimental que otras obras, más directo y con buenas canciones, este dobl disco (aparte de la descarga gratis de su disco) los ha vuelto a situar en los más comentado y escuchado del año.

8. MINISTRY: The Last Sucker. El último disco de Ministry, literalmente, ha sido el punto y final a una larga carrera de metal industrial llena de sombras y claros. Bien es cierto que los últimos tiempos han estado marcados por más claros que sombras gracias al particular odio que el grupo siente hacie George Bush (hijo) y que parece haber reactivado su furia, sus ganas y su inspiración. The Last Sucker sigue con su contundencia habitual a un buen nivel y además añade algún que otro experimento como es la versión más bizarra que se ha hecho hasta el momento de "Roadhouse Blues" de The Doors. Bye, bye

9. NINE INCH NAILS: Year Zero. Trent Reznor deció plantear un punto y aparte con este disco. Y se creó la controversia: muchos de sus fans odian Year Zero, otros lo aman y a unos terceros se nos indigesta a partir de la séptima canción. Debe ser muy duro reinventarse constantemente pero al menos NIN lo han intendado aunque el resultado sea menos genial de lo que éste hombre nos tiene acostumbrados. O nos tenía. No obstante, NIN se han marcado una buena gira que nos dejó un muy buen concierto en Barcelona y Trent ha decidido posicionarse en el bando de los artistas que buscan alternativas gracias a internet. Veremos que pasa.

10. GRINDERMAN: Grinderman. Este año Nick Cave decidió juntarse con algunos de los miembros de sus inseparables Bad Seeds y el resultado fue un disco algo más rockero, más blues y más garajero y con el inconfundible estilo del australiano. Al tratarse de uan versión reducida de los Bad Seeds puede que muchos se depcionen si esperan encontrar a un Nick Cave en un proyecto paralelo musical muy diferente. Pero de lo que no hay duda es de que este hombre saber poner este punto de misterior y de oscuridad sin convertise en un jevi de manual.

REC: miedo en directo

2008-04-06T23:55:25+00:00

La película que ha arrasado en los cines este invierno tan sólo ha costado, en lo material, 1,5 millones de euros, una grabación a base de cámaras digitales y móviles de alta definición y un plató situado en un edificio antiguo en el número 34 de la Rambla de Catalunya, en Barcelona. El resultado ha superado las expectativas desde que sus directores Jaume Balagueró yPaco Plaza arrasaran tanto en con premios como en aplausos del público en el último Festival de Cinede Catalunya (o Festival de Sitges, como se conocepopularmente al certámen). La comparación con films de desorbitado presupuesto y escaso éxito es demasiado obvia. La bruja de Blair ya había demostrado que para provocar miedo y tener repercusión mediática a veces es más importante el ingenio que un abultado talonario.

Pero lo cierto es que en REC la sencillez es la clave del éxito. El argumento es simple: una joven periodista de una cadena local que graba un reportaje en una central de bomberos y que acude junto a ellos a un aviso en un misterioso piso de Barcelona. La realización es efectiva y sin excentricidades; grabamos formato digital y concámara en mano y metemos a los actores en un piso sin decirles lo que va a succeder. De acuerdo que Balagueró y Plaza no han descubierto nada ya que el falso documental (con entrevistas includias) está a la orden del día. Pero es un recurso que sigue funcionando a la perfección. Por último, el reparto apuesta por acercarse al máximo a la realidad; de hecho, la única cara conocida es Manuela Velasco, una chica que hasta hace dos días se encargaba de presentar supermona videoclips de 40TV.

Si a esta buscada cotidianiedad le añades ritmo, misterio y unos vecinos estrambóticamente convencionales (una pareja de ancianos que no se enteran; el típico "rarito de mamá"; unos chinos con un taller de costura en el sótano del edificio y unos policías más empeñados en demostrar quien manda que en actuar) tenemos una película de miedo consistente, correcta y que puede mirarde frente a otras propuestas del género, y que supera a las sobadísimas secuelas de"Se lo que hiciesteis el último verano..." y a la media de comedias españolas de argumento más que nefasto.

Sin embargo, tantos elogios no acaban de hacer justicia a REC ya que, si uno espera encontrarse con el film de terror definitivo, puede llevarse un pequeño chasco. Lo último de Balagueró y Plaza es un film entretendido y con pulso pero el guión quizás peca de querer crear muchas expectativas y deja demasiados hilos por coser.

[SPOILER] ¿Por qué se habla tanto del abuelo chino enfermo si no sale? ¿Por qué no se nos explica más exhaustivamente cómo se produce el contagio de la Niña de Madeirosal perro? [FIN DEL SPOILER]

A pesar de estos detalles, lo cierto es que REC vale la pena por su ritmo y especialmente por su última media hora final, la más terrorífica y en la que el peculiar actor Javier Botet y un gran equipo de profesionales consiguen dejar a más de uno helado en su butaca. Por cierto, que el edificio donde se grabó REC es el edificio más popular de Barcelona.

¿Marilyn Manson con resaca?

Marilyn Manson y Turbonegro en Badalona

2008-01-15T17:42:23+00:00

Fecha: 22 de Noviembre
Lugar: Pavelló Olímpic de Badalona (Barcelona)

Un cartel así apenas hubiese provocado dudas hace unos años. Tanto Turbonegro como Marilyn Manson entienden que el rock’n’roll debe ir de la mano de la Srta. Teatralidad y de la gran dama Espectáculo. Sin embargo, pasado los quince minutos de fama del egocéntrico factor Sorpresa, el show acabó por convertirse en una repetición de algo que ya no era impactante y que, más acusado y grave en el caso del Reverendo, cojeaba por la falta de la deseada Creatividad.

Sin embargo la noche acabó dejando un grato recuerdo. De acuerdo que Turbonegro son un grupo ideal para ver en un club respaldados por los fieles seguidores de la Turbojend, su club de fans. Pero los nórdicos supieron jugar en campo contrario y que, en este caso, estaba mayoritariamente compuesto por fans adolescentes amantes del rimel de Marilyn Manson y sus lacayos del infierno. Con Von Helvete a la cabeza y con Pamparius más recogidito, Turbonegro repasaron algunos de sus mítico himnos punk rock – glam como “I got Erection” o “The Age of Pamparius”. Y por supuesto tocaron temas de su último disco Retox. Y pese a que consiguieron animar a más de una goticolocaza, uno se quedó con ganas de degustar su particular fiesta en familia.

Estaba claro que la estrella de la noche sigue siendo un tipo que ya no es lo que era a pesar de lo que piensen sus jóvenes fans. Sin rabia y más atento en la golosa Fama, Manson ofreció un show bastante correcto, más de lo que cabría esperar, pese a Eat me drink me apenas aporte novedades (excepto por el gusto por los medios tiempos oscuros) y sin que su carisma esté a la altura de aquel tipo que atemorizó a los padres y fascinó a los hijos.

En apenas hora y cuarto la banda tiró de canciones nuevas (“If I was your vampire” o “Heart Shapper Glasse”) pero sobretodo de hits ante el deleite de unos de los públicos más agradecidos que un artista puede tener; de ese tipo fans que reconocen todas y cada unas de las canciones y que celebra las primeras estrofas de “Rock is dead” o “The Fight song” con un caluroso y animoso salto colectivo y que duraría hasta el final.

El punto final de la obra rockera estuvo marcada por el guiño cariñoso y con el estilo que el grupo hizo de épocas más excitantes. Tras “The Reflecting Good”, unos de los mejores temas del grupo, Marilyn Manson volvió a sacar su púlpito de agitar las masas en “Antichrist Superstar” y se explayó con su retahíla de gestos y pantomimas políticas. El final, con la inevitable “The Beatiful People”, dejó claro que sus shows todavía son agradecidos. Llamen a la Srta. Diversión, sin más.

Set list Marilyn Manson: If I Was Your Vampire / Disposable Teens / mOBSCENE / Tourniquet / Irresponsible Hate Anthem / Are You The Rabbit? / Sweet Dreams / Lunchbox (Medley) / The Fight Song / Putting Holes in Happiness / Heart-Shaped Glasse / The Dope Show / Rock Is Dead / The Reflecting God / Antichrist Superstar / The Beautiful People

MP3: banda sonora del callejeo (VI)

2007-12-10T18:19:28+00:00

Nada mejor que tomar aire y escribir sobre música para superarse del estrés y de la hiperactividad...

BETTY BLOWTHORCH -ARE YOU MAN ENOUGH?. Sus referencias están claras. La voz de Bianca Butthole lo dice en "Big Hair, Broken Heart": Guns N' Roses, L.A., Motley Crüe, el whisky y, en definitiva, el rock angelino, ése en el que los tatuajes, la diversión, el alcohol y el rock'n'roll más fiestero reinan, son su razón de ser. Y como es obvio, en Are you man enough? encontramos canciones al más puro estilo angelino y que tantas y tantas bandas han hecho y siguen haciendo. La diferencia es que Betty Blowtorch consiguieron crear auténticos hits como "I wanna be your sucker" o la divertida "Love/Hate" en un disco que suena 100% rock attiude y que seguro que hubiera cosechado un gran éxito si su carismática líder Bianca Butthole no hubiera muerto en un accidente de tráfico tras acabar de grabar el álbum. Una lástima, porque sabían bastante de lo que significa tener actitud.

THE CURE - GREATEST HITS. La sencillez de las versiones acústicas de éxitos como"Boys Dont' Cry" o "Love song" permiten certificar que la gracia de The Cure no radica tanto en ese oscuro maquillaje (que también, el cardado de Robert Smith y su rimmel son marca de la casa)como en saber combinar canciones simples con ese regusto gótico sin demasiadas extravagancias (que no hablamos de Lordi, precisamente). Y este Greatest Hits, precisamente, vale la pena por eso además de ser una estupenda manera de calentar motores para su gira por Spain en abril.

DOWN - OVER THE UNDER. Déjemonos de tonterías y cojamos de vez en cuando uno de esos discos lleno de ruidaco denso e ideal para mover la cabeza y hacer air guitar. Tras un largo periodo sin editar ningún disco, la superbanda de Nueva Orleans integrada porPepper Keenande Corrosion of conformityy el impredecible Phil Anselmo (ex- Pantera, ni más ni menos) vuelven con unálbum espléndido y capaz de convencer hasta a los que no somos demasiado amantes del metal más duro.Porque en Over the under hay ruido, sí, pero también grandes melodías, buenas guitarras y un cantante en pleno estado de gracia. Y eso que Phil Anselmo, cuando canta en lugar de berrear,siempre ha tenido en su garganta todo un potencial, pero en Over the under su voz tiene un protagonismo muy destacado en piezas como esa inicial "Three stars and one sun" o "Nothing in return". Altamente recomendable.

RADIOHEAD - IN RAINBOWS. Tras el éxito de ofrecer sus fans este nuevo In Rainbows por internet, sin contar con su discográfica,y al precio que sus lealesseguidores desearanRadiohead han conseguido poner su nueba obra en boca todos. ¿El resultado? En lo comercial, han demostrado que existen alternativas más allá de las guerra entre usuarios- discográficas y sociedades generales de autores. Claro, queellos eran Radiohead y ya tenían un nombre. Enlo musical, el grupo sigue apostando por combinar temás con garra como esa espectacular "Bodysnatchers" con canciones más pausadas y que, como ya es habitual,podrían servir de banda sonora para cualquier película del estilo futurista - pesimista como ese íntima "Nude" o "All I need".La novedad radica en que el grupo parece haberse alejado de experimentos sonoros para centrarse en ofrecer un disco más compacto. Por cierto, el grupo ha anunciado una gira Europea que incluye Barcelona. Falta determinar la fecha.

NEIL YOUNG - ON THE BEACH.Cuando un artista posee tantos discos, tantas etapas musicales y tantas canciones fundamentales comoBob Dylan o Neil Young, la pereza o el no saber por donde empezar pueden suponer un obstáculo. En el caso de Bob Dylan, todavía no he superado esa barrera incial. Con Young, puse más voluntad y, antes de que On the beach cayera en mis manos, lo había intentado con su última obra Living at war y con After the Gold Rush sin demasiado éxito. No hubo nada que me enganchara, nada más el nombre del artista. Sin embargo, conOn the beach la cosa cambió. La melancolía y la tristeza que, sin abusar del color negro y abrazando el blue, desprenden las ocho canciones de este gran disco me atraparon, literalmente,al instante. Pese a que en el disco encontremos canciones llenas de fuerza como la inicial "Walk on",son temascomo esa triste "On the beach" ("Thought my problems are meaningless, that don't make them go away") ese estupendo punto final con "Ambulance blues" las que realmente resumen a la perfección el sentimiento y el significado de esta gran joya.

Pollock a solas con su ira

NINE INCH NAILS - THE DOWNWARD SPIRAL. Recuperar este disco una fría tarde de invierno nunca está de más. Y esta vez, en lugar de centrarse en escuchar esos hits industriales del calibre de "Marcho of the pigs" o "Closer" uno podría acercarse al lado más conceptual del disco. Porque de ser así, uno se puede maravillar de la manera con la que Trent Reznor consiguió crear, en boca de Lou Reed, "la banda sonora de un cuadro de Pollock" gracias a esa repetición de melodías, pasajes, sonidos y conceptos ("nothing can stop me now") a lo largo de las 11 canciones que componen uno de los discos más originales que dio la década de los noventa.Es que de hecho, la calidad deThe Downward Spiral radica en ese "todo" sonoro.

'1984' de George Orwell

2007-12-19T21:27:31+00:00

No es broma. La plaza George Orwell de Barcelona está situada en el centro de la ciudad, en la zona baja de Las Ramblas. Tanto la plaza como sus alrededores, especialmente la calle Escudellers, paso obligado para volver al famoso paseo, son conocidos entre los barceloneses por su peculiar ambiente. Poco podemos observar de la Barcelona fashion y moderna que se proyecta al mundo. Más bien al contrario: lateros, prostitutas, okupas y cada vez más guiris y jóvenes invaden día y noche la zona. Tan peculiar ambiente acabó por bautizar el homenaje urbano al escritor y periodista inglés como "la plaza del Tripi". Las autoridades municipales decidieron controlar la zona con cámaras de vigilancia y la policía pasea a menudo los coches patrulla con un resultado, a primera vista, más bien discreto. Los punkis siguen visitando a George Orwell. Sin embargo, pocas cosas resumen tan bien el mensaje de la obra cumbre de Orwell, 1984, como esa advertencia municipal ilustrada con una cámara de vigilancia.

Que 1984 es una de las obras más influyentes y visionarias del siglo XX es indiscutible. Puede que la obra de Orwell comparta dicho honor junto con el psicoanalismo de Freud, La Metaforfosis de Kafka o los 15 minutos de fama de Andy Warhol. Este alegato anticomunista, antiestalinista y antifascista que Orwell escribió después de luchar en la Guerra Civil Española en las filas del POUM consiguió un doble mérito que pocas obras pueden alcanzar.

En primer lugar, 1984 describió con especial crudeza y delicado detallismo la censura y la represión de una etapa histórica dominada en Europa por el totalitarismo tanto de izquierdas como de derechas. Una etapa en la que la historia de reescribía a base de guerras, genocidios de censura y que Orwell retrató sin necesidad de convertir su obra en un relato repleto de sangre y escenas violentas. No lo necesitaba. La represión, la sensación de impotencia y la pasmosa falta de libertad de la sociedad controlada en todos los aspecto por el Gran Hermano, símbolo del comandante en jefe convertido en Dios y juez, son de una brutalidad lo suficientemente descriptiva por sí misma incluso cuando el Gran Hermano no vigila ("a los proles se les permite la libertad intelectual porque no tienen intelecto alguno").

Por otra parte, la otra virtud de 1984 es su actualidad. Hoy en día cuando la globalización ha rentabilizado una determinada cultura y la ha convertido en un fenómeno global; cuando el poder parece estar escondido en la ubicuidad de las sedes de las grandes multinacionales (que ya representan dos tercios del comercio mundial según el observatorio DESC) y cuando los medios de comunicación tiene el mayor poder que han tenido en su historia (y que no es otro que el de convertir un suceso local en un fenómeno global), 1984 también puede convertirse en una lectura crítica del presente. O es que, por poner un ejemplo, ¿Es muy retorcido entenderla expansión del inglés (o el chino si no fuera tan difícil) como una nueva neolengua? ¿Acaso eldesconcierto y el miedo deWinston Smith, el funcionario que trabaja reinventando la historia para el Ministerio de la Verdad, noson demasiado reales?

Afuera, incluso a través de los ventanales cerrados, el mundo parecía frío. Calle abajo se formaban pequeños torbellinos de viento y polvo; los papeles rotos subían en espirales y, aunque el sol lucía y el cielo estaba intensamente azul, nada parecía tener color a no ser los carteles pegados por todas partes. La cara de los bigotes negros miraba desde todas las esquinas que dominaban la circulación. En la casa de enfrente había uno de estos cartelones. EL GRAN HERMANO TE VIGILA, decían las grandes letras, mientras los sombríos ojos miraban fijamente a los de Winston. En la calle, en línea vertical con aquél, había otro cartel roto por un pico, que flameaba espasmódicamente azotado por el viento, descubriendo y cubriendo alternativamente una sola palabra: INGSOC. A lo lejos, un autogiro pasaba entre los tejados, se quedaba un instante colgado en el aire y luego se lanzaba otra vez en un vuelo curvo. Era de la patrulla de policía encargada de vigilar a la gente a través de los balcones y ventanas. Sin embargo, las patrullas eran lo de menos. Lo que importaba verdaderamente era la Policía del Pensamiento.

Héroes del Silencio en Valencia - Adiós al retorno

2007-11-21T22:52:04+00:00

Fecha: 27/10/07
Lugar: Circuito Ricardo Tormo, cheste, Valencia

Gira por más de de 10 países en varios continentes, reediciones de discos en el diario más leído de España, entrevistas, vídeos, conciertos para más de 60.000 personas, entradas que se agotan en apenas unas horas, cajeros colapsados ante la avalancha de fans en busca de una entrada a medianoche... Todo esto y más ha sido la vuelta de HÉROES DEL SILENCIO tras diez años de separación. Todo esto y más, mucha más promoción, para que al final 3 horas de concierto acaben por recordar que en el fondo, lo que realmente importa (o debería importar), es la música.

El concierto de Valencia se presentaba como el más masivo: 80.000 personas compraron religiosamente su entrada para asistir al último concierto de la gira de re-despedida de Bunbury & Co. en el parquing del Circuito Ricardo Tormo en Cheste, Valencia. Y si las cifras asustaban, la realidad acabó por convertirse en larga pesadilla para muchos. Perohemos dicho que lo importante era la música.

En lo musical sonaron casi perfectos. Cada uno por su lado, sin apenas interacturar entre ellos, pero con buen sonido. Aunque lo más claro quedó, aparte de la frialdad sobre el escenario, es que Bunbury es esl alma del grupo. Pese a ser uno de los cantantes que más odio pueden levantar entre los detractores del grupo, Héroes en directo serían mucho menos impactantes si Bunbury tuviera un papel más discreto. Afortunadamente para esta gira, Enrique recuperó sus poses más rockeras y no paró de moverse sobre el escenario como un auténtico rock-showman. Los problemas de voz en Zaragoza quedaron atrás puesto que en Valencia desmotró su valía.

Lástima que la mayoría del público tuviera que seguir el concierto por las pantallas de televisión. Sin gradas, (a nadie se le ocurrió pensar en Mestalla?), el público se aferraba a su metro cuadrado con uñas y dientes y sin moverse ni un milímetro ni para aplaudir. Como si estuvieran viendo una película. Algo impesable en un concierto de rock, señores. Los DVD existen y se ven muy cómodamente desde el salón de casa. La próxima vez, háganos un favor a los que queremos sentir de cerca la música.

En cuanto al repertorio, Héroes decidieron apostar por un set-list bastante atrevido en el que primaron las canciones de El mar no cesa frente a otras más míticas como "Flor de Loto". Sin embargo, esto no impidió que, al menos, una servidora se emocionara durante "Apuesta por el rok'n'roll" y "Héroe de leyenda". Los recueros y esas cosas, que para eso han vuelto. Muy destacables también fueron "Opio" y esas dos magníficas composiciones de Avalancha (su mejor disco) como "La chispa adecuada" y la última canción de la noche,"En los brazos de la fiebre", con únicamente Bunbury y Valdivia sobre el escenario. ¿Punto final? Apuesto que sí.

Lo que vino después fue el caos hecho asfalto. Miles de personas encalladas durante varias horas en los párquings y sin poder salir del recinto. Ni organización, ni policía, ni información. Una lástima, porque para muchos el recuerdo quizás quede empañado por el monumental atasco. Muchos ni tan siquiero llegaron a ver el concierto. Se quedaron en la cuneta esperando a poder entrar al recinto.

Set list: Song to the siren, El estanque, Deshacer el mundo, Mar adentro, La Carta, Agosto, Sirena varada, Opio, La herida, Despertar, Apuesta por el r’n’r, Heróe de Leyenda, Con nombre de guerra, No más lagrimas, Nuestros nombres, El Mar no cesa, Entre dos tierras, Maldito duende, Iberia sumergida, Avlancha
bis 1
Bendecida, Tumbas de sal, Oración
bis 2
Tesoro, Fuente esperanza, La chispa adecuada
bis 3
Malas intenciones, En brazos de la fiebre.

WINTERCASE: Mishima, Spiritualized & Soulsavers feat. Mark Lanegan

2007-11-06T07:49:50+00:00

Lugar: Razzmatazz
Fecha: 10/10/07

Una tarde fría y de abundante lluvia otoñal quiso aportar su particular pincelada a la propuesta intimista de la gira de presentación del WINTERCASE 07. No en vano, pocas cosas sientan tan bien como ponerse a cobijo de la lluvia en compañía de buena música. Aunque esa misma agua te impida asistir al concierto de MISHIMA, los primeros en pisar el escenario de una Razzmatazz con más de media entrada.

SPIRITUALIZED tomaron el relevo y llenaron el escenario con una puesta en escena que presentaba a más de 10 músicos entre violinistas, guitarras y coristasy que tenía como objetivo presentar un show acústico de calidad. Lástima que el público pareciera más interesado por hablar del tiempo (nunca mejor dicho) con un cubata en la mano que de prestar atención y mantener un poco de silencio. Pero SPIRITUALIZED lejos de achantarse siguieron adelante y hasta regalaron una coreada "Happy Day" que dejó un buen sabor de boca aunque poco más porque el formato acústico acabó por porovocar cierta indiferencia. Quizás no fuese el show más adecuado para un festival. O al menos para el público asistente.

Soulsavers y Mark Lanegan en el Rocksilde

Bastante más acertados se presentaron SOULSAVERS.Su último disco "It's Not How Far You Fall It's The Way You Land" ha conseguido llamar la atención gracias a esa mezcla de sonido añejo y nuevo, o lo que es lo mismo, gracias a esa combinación entre elsoul y la electrónica. Aunque no nos engañemos. El principal reclamo tanto del disco como de sus directos consiste en escuchar la oscura y profunda voz de MARK LANEGAN (voz de Screaming Trees, colaborador en todos los discos de Quens of the Stone Age y ahora partícipe del último disco de Soulsavers) bordando temas como "Kingdom of Nothing" o "Revival".

Famoso porsu caráter reservado y huraño, MARK LANEGAN apareció tras los acordes de "Ask the dust" fiel a sí mismo. Vestido de negro, apenas saludó. Simplemente cerró los ojos (que casi no abrió hasta el final) y se agarró al microfóno al mismo tiempo que se dejaba llevar por canciones como "No expectations" o "Ghost of you and me". Y el resultado fue, como era de esperar, de gran calidad. Porque en su caso es una hecho; con el paso del tiempo, con cada nuevo pitillo y con cada trago de whisky su voz profunda y misteriosa, curtida en mil sustancias, mejora. Pese a reuir el protagonismo, no hay duda de que él fue el gran protagonista y que su voz mejora las buenas canciones de los SOULSAVERS. Por si a alguien se le escapa, pocos intérpretes sobresalen tanto sin más necesidad que la de cantar. Y aunque él se despidiera con un medio gruñido, nosotros le aplaudimos.

"Kingdom of Rain", una estupenda "Jesus of Nothing" y "Spiritual" fueron algunas de las canciones que más sobresalieron de un concierto en el que pudimos oir casi al completo los temas de "It's Not How Far You Fall It's The Way You Land". "Revival", con Mark cantando eso que que quiere ser salvado en la que es la mejor canción del disco, puso el punto y final a la actuación de Lanega. SOULSAVERS siguieron con un par de temas en los que las coristas fueron las protagonistas. Y coo suele ocurrir cuando una corista canta soul también demostraron su valía. Lástima que todo fuera tan corto.

Otoño rockero

2007-11-06T08:15:50+00:00

El dinero volará como hojas en el viento... No hay nada mejor que superar ese largo y duro trámite entre el fin del verano y la cena de navidad que asistir a alguno de los conciertos programados para este otoño. Eso sí, preparad la pasta.

WINTERCASE 2007:
Spiritualized Acoustic Mainlines + Soulsavers feat. Mark Lanegan + Mishima solo
El hermano pequeño del Summercase y del Primavera Sound se presenta mucho más intimista y, sobretodo mucho,menos comercial que sus parientes de camiseta de tirantes. Eso sí,la calidad está presente especialmente en su gira de presentación donde Spiritualized y sobretodo Soulsavers junto a Mark Lanegan (presentando su último disco It's Not How Far You Fall It's The Way You Land y que incluye temas como "Revival" o "Kingdoms of Rain") tocarán canciones para fríos días nublados.

Gira de presentación:
10.10.2007: Barcelona (Razzmatazz 2)
11.10.2007: Valencia (Cormorán)
12.10.2007: Madrid (Joy Eslava)
13.10.2007: Bilbao (Santana 27)

ELECTRIC SIX | (USA, XL/Everlasting Records) |
Podrían ser como unos Mojinos Escozíos a lo americano si el grupo de Dick Valentine fueran más viejos, más feos, más gordos y más cutres. Porque pese a que el cachondeo es imprescindible en ambos grupos, Electrix Six tienen ese punto de glamour cachondo y un estilo musical bastante funky y muy apropiado para bailar sin complejos. De vez en cuando, conviene "mover el bullate" y la gira de presentación de su neuvo disco I Shall Exterminate Everything Around Me That Restricts Me From Being The Master es una buena ocasión. Por cierto, no hay nada más divertido que sus videoclips:

26·10·2007 – Tarragona @ In Somni Festival
27·10·2007 – Vitoria @ Helldorado
28·10·2007 – Madrid @ Gruta 77
29·10·2007 – Valencia @ Durango Club
30·10·2007 – Girona @ Fiestas de St. Narcis
31·10·2007 – Barcelona @ Bikini

HÉROES DEL SILENCIO
"Es más probable que resucite Franco que la vuelta de Héroes del Silencio". A Bunbury le habrán repetido esta gloriosa cita suya muchas veces durante estos últimos meses. Porque con el dictador bajo tierra, la vuelta de Héroes del Silencio es ya todo un hecho. O toda una operación de marketing, tanto por la envergadura mediática, con la vuelta de los maños, comoporque las dudas siguen ahí. ¿Se vovlerán a separar tras vez tras su mini gira de despedida-regreso? ¿La ampliarán? De momento, "jamás" es una palabra queno significa demasiado. En todo caso, para todos aquellos que nos quedamos sin ver a Héroes en nuestra adolescencia y para todos esos condicionales que repetiránésta es, sin duda, la gira del otoño. Nostalgia, emoción y buenas canciones.Allí estaremos.

4 oct 2007 20:00:Foro Sol Mexico, Distrito Federal
6 oct 2007 20:00:Foro Sol Mexico, Distrito
10 oct 2007 21:00: Estadio La Romareda Zaragoza, Zaragoza
12 oct 2007 21:00 : Estadio La Romareda Zaragoza, Zaragoza
20 oct 2007 21:00 : Estadio Olímpico La Cartuja Sevilla, Sevilla
27 oct 2007 20:00 : Circuito de Velocidad Ricardo Tormo Cheste, Valencia

Para abrir boca: el set list de su concierto en Guatemala

1. El Estanque
2. Deshacer el Mundo
3. Mar Adentro
4. La Carta
5. Sirena Varada
6. Agosto
7. Opio
8. La Herida
9. Malas Intenciones
10. Apuesta por el Rock and Roll
11. Héroe de Leyenda
12. Con Nombre de Guerra
13. No Más Lágrimas
14. Nuestros Nombres
15. Oración
16. Entre Dos Tierras
17. Maldito Duende
18. Iberia Sumergida
19. Avalancha
20. Tesoro
21. Bendecida
22. La Chispa Adecuada
23. El Mar no Cesa
24. Tumbas de Sal
25. En los Brazos de la Fiebre

HERMANO | (USA, Suburban Records) |
09·11·2007 – Bilbao, Santana 27 + Sharon Stoner + Sativa. 21.30h, 18/22€
10·11·2007 – Madrid, Heineken
11·11·2007 – Barcelona, Apolo + Copache + Sativa

John García y su stoner rock machote (heredero de los míticos Kyuss.. que por algo García fue la voz del grupo del desierto) visitarán Barcelona con le objetivo de ofrecer un potente y sudoroso concierto de rock'n'roll pesado, de esos en los que los graves se te clavan en el cerebro.

MARILYN MANSON + TURBONEGRO
Hace 5 años o 6 años éste cartel podría haber sido imprescindible. No obstante, Marilyn Manson hace tiempo que ya no ejerce de Reverendo sinietro del rock y que se dedica más a posar y a figurar. Además, sus contínuas visitas(se pasa cada año sí o sí) han mermado la curiosidad que siempre ha despertado este hombre.Turbonegro tampoco están en su apogeo pero su show puede ser muy divertido o imprescindible si llegan a cualquiera de las citas españolas después de una mañana de alcohol (tal y como ocurrió en el Azkena hace un par de años). En todo caso, nos encontramos con un doble cartel con dos grupos de renombre, algo que no viene siendo habitual pese al precio de las entradas. Y por aprovechar...

Otros shows:
LOS NATAS
3 oct 2007 22:00
LOS NATAS + cemento sala Red Shoe, Valencia
4 oct 2007 22:00
LOS NATAS sala por confirmar, Barcelona
5 oct 2007 22:00
LOS NATAS Edkadasa Club, Barakaldo, Vizcaya
6 oct 2007 22:00
LOS NATAS sala Hell Dorado, Vitoria
7 oct 2007 22:00
LOS NATAS sala Ritmo y compas, Madrid
ASTEROID (tributo a Kyuss)
20.11 Madrid (Palacio de los Deportes)
22.11 Barcelona (Pavelló Olímpic Badalona)
23.11 Bilbao (BEC)

'La Hora Chanante' aterriza en La2

2008-04-28T10:09:12+00:00

Qué sería de La Hora Chanante sin Youtube y los miles de frikis (entre quinceañeros y treintañeros) que entran al famoso portal de vídeos para ver a un tipo con acento manchego, disfrazado de Bjork "GÜS-DES-MON-TIR". Qué sería de ese fenómeno, extendido gracias al gran poder de la red, sin un vocabulario tan campestre y que incluye palabras con olor a migas con choricillos como "tunante", "viejuno", "caldofran", "avinagrao", canciones como "Hijo de puta hay que decirlo más"o el sublime vocablo"gambitero", un clásico a partir de ya. Recuerdo que el año pasado, a las tantas de la madrugada, y en el camping del Bilbao Live Festival, sólo se oían dos cosas: a los DJ'S del festival reventando la noche a base de decibelios y a los campistas saludarse con un "¿Dónde vas tunante?" y "Estás hecho un gambitero". La Hora Chanante es el primer fenómeno televisivo por Internet, algo impensable hasta hace poco puesto que, en teoría, la gracia de Internet está en la heterogeneidad de los contenidos. Pero sin duda es una muestra perfecta de lo que puede ser toda una tendencia en el futuro. Sólo basta con coger las descendientes estadísticas de consumo televisivo para darse cuenta que pudiendo elegir, los jóvenes eligen ver Internet después de cenar.

Pero ha llegado la hora de ver si el programa de humor (aunque a muchos no les haga ni gracia) supera o iguala su exitosa fórmula los miércoles en La2. No nos engañemos, si Muchachada Nui (así se llamará el remodelado de Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla & cía) se emite por la segunda cadena de la televisión pública es porque a muchos aun deben estar incrédulos al ver como un programa humorístico con imitaciones, sketchs protagonizados por ídolos ochenteros y ese aire-cutre-friki-manchego triunfa entre la juventud. Vamos, que Cruz y Raya son más costumbristas.

Parece ser que las novedades tampoco serán muchas. Se mantienen bastantes personajes y se rumorea que el mítico espacio "Testimonios" se bautizará como "Celebryties". Bono, Paris Hilton y Paquirrín están en el punto de mira. Así mismo los "Retroespecter" pasarían a ser "Mundo Viejuno" y el Gañán (no me hace gracia) ahora se llamará Marcial. Veremos si el éxito les llega a "cascoporro". De momento, no está de más recordar los "Testimonios" con ése particular TOP 10:

1. Karpov: "¿A vosotros como os caia Kasparov?¿Os caia bien, verdad? Es que con vosotros era de otra forma. Pero conmigo era un hijodeputa. En las partidas que teniamos me hacia asi... el fuck you".

2. Axl & Slash: "¡Mal!... ¡No!... ¡Otra vez!... ¡Mal!... ¡No!".

3. Gorbachov: " A mi se me iba mucha la olla y me decían '¿Te parece bien Mijhael?' Yo yo decía "sí" pero no tenía ni puta idea de lo que hacía".

4. Margaret Thatcher: "Yo soy d eesas mujeres que se quitan las bragas a pedos".

5. Björk: "Yo esque soy una persona muy especial...soy medio Lapona...medio esquimal... medio Mongola".

6. Tim Burton: "Cuando mis amigos venian y me tocaban en el telefomillo me decian '¿Tim, te bajas ahora a la calle?'Y yo decía 'No, yo me quedo aqui pensando en mis cosas, en monstruos y en eso asi bizarro, jejeje".

7. Madonna: "Un dos tres y 'el tiempo pasa... despacico.."

8. Mick Jagger: "Yo paré, pero el cabrón de Keith Richard no, ese seguia a tope, le daba al alpiste cosa fina. Le decía: "ostiaa keuith Richards, que se te va a ir la olla camolla. Para para, di stop"

9. Michael Jackson: "Uhhh que hermosura de niño. Mirad como me siguen, como saben que soy el rey del pop... bueno y que a lo mejor les cae alguna cosilla".

10. Mr.T: "Me enterado de que os gusta el programa, y solís decir: "como me gusta La Hora Chanante, me junto con mis amigos, me fumo unos porros y nos partimos el ojete" MAL, vedlo sin fumar canutos. Alejaros de las drogas, son asunto sucio".

La mirada de W. Eugene Smith

2007-11-06T08:12:00+00:00

Es muy probable que, después de años y años de fotografiar guerras, paisajes contaminados, madres que lloran la pérdida de sus hijos o Guarda Civiles que infundían terror en la España más profunda de Franco, W. Eugene Smith realizara una última imagen mental de su final. Aunque lo más seguro es que en sus últimos suspiros pasaran por su cabeza todas y cada una de las fotografías que lo convirtieron en uno de los fotógrafos más importantes y destacados de la historia. Smith, el artista del ensayo fotográfico. ¿Se quedaría sólo con una?

Curioso y fuertemente comprometido con lo que veía; genio desde sus inicios, tanto que la Universidad de Notre Dame (Indiana) creó especialmente para él una beca de fotografía después de ver algunas muestras de su trabajo; Smith nunca tuvo reparos en mostrarnos la realidad más dura. En la etapa dorada del fotoperiodismo, aquella en laque hombres como Robert Cappa eran estrellas, o incluso, en el caso de Cappa, héroes tras fotografiar el desembarco de Normandía, Smith se hizo un hueco trabajando para las revistas más importantes como Neewsweek o la mítica Life. En Okinawa mostró al mundo la ofensiva estadounidense contra Japón en la Segunda Guerra Mundial. Sus fotografías del frente o de la caída de los paracaidistas muestran la crudeza del momento. Hasta el propio Simth sufrió las consecuencias y en Okinawa fue herido por un mortero. Sin embargo, Smith siempre tuvo un compromiso con la belleza. Es por eso que hasta en las imágenes más duras, las fotografías de Smith transmiten un fuerte poder estético.

Escenas de Okinawa

En muchos caso ese esteticismo era buscado. Smith, quien podía llevar hasta siempre cámaras diferentes, no dudaba en montar sus cuadros. Lo disponía todo y repetía tomas y tomas de una misma fotografía hasta conseguir el efecto buscado. No es que alterara la realidad, simplemente, la organizaba para que el resultado captara lo mejor de cada momento. Sus bellas imágenes podían denunciar muchas cosas. De hecho, pocos fotógrafos hicieron un retrato tan descarnado de la España rural y deprimida de los años cincuenta. Su reportaje en 1950 sobre Deleitosa en Cáceres fue uno de sus grandes éxitos. Smith tomó más de1.575fotografías de las cuales sólo17 (y qué 17 imágenes) ilustraron un reportaje sobre España en la revista Life. Este reportaje es una de las cumbres del ensayo fotográfico.

La España negra de la dictadura

En la recta final de su carrera y harto de las condiciones, exigencias y superficialidades de las revistas y agencias de fotografía, Smith centró su carrera en la fotografía de denuncia, de contenido social. Una buena muestra de ello son sus instantáneas de las fábricas de Pittsburg, el Ku Kux Klan o el célebre ensayo fotográfico sobre los efectos de la polución industrial en el pueblo pesquero de Minamata (Kumamoto, Japón, 1971-1975). W. Eugene Smith murió en 1978 a causa de su abuso del alcohol y las drogas.

Sus fotografías aún y en día siguen dando sentido al fotoperiodismo y son también un bello y cruel retrato de los trapos sucios del hombre.

Dos fantasmas del siglo XX: el pasado y el futuro

"La humanidad tiene más valor que una imagen de la humanidad que sólo sirve para su explotación", Eugene Smith.

Vivir rodando: La Generación Beat (II y fin)

2007-11-06T08:12:00+00:00

(... continuación después de la primera parte). A diferencia de Kerouac y de Burroughs, Allen Ginsberg se dedicaba a la poesía tal y como también lo había hecho su admirado Arthur Rimbaud en el siglo XIX. El poeta francés era un símbolo para todos los beats. La razón es sencilla. Rimbaud, no contento con exaltar los sentidos en sus poemas, también se comportaba de manera excéntrica: bebía, fumaba marihuana, apenas se lavaba, se desnudaba en público y, para acabar de redondear su historial contrario a las buenas costumbres de la época, mantuvo una relación homosexual con el escritor Paul Verlaine. No hay que olvidar que en por aquellos tiempos la homosexualidad estaba penada en Francia.

Sin embargo, Allen Ginsberg tuvo más problemas que su admirado Rimbaud a la hora de aceptar y de reconocer su homosexualidad. Su atracción por los hombres, sin embargo, no fue su único dolor de cabeza. El primero de ellos fue la esquizofrenia de su madre. Nacido en Nueva Jersey en el seno de una familia judía, la infancia de Ginsberg estuvo marcada por los problemas mentales que sufría Naomi, su progenitora. Para colmo y escándalo de todo buen americano de barras y estrellas en la puerta de casa, Naomi estaba afiliada al partido comunista americano y solía llevar a sus hijos a los mítines. Las dudas y los altibajos en el hogar acabaron por conformar una personalidad algo inestable.

Y si bien Ginsberg creció admirando a poetas como William Blake y Walt Witman, también lo hizo teniendo alguna alucinación tal y como le sucedió a los 22 años. Ni más ni menos, Ginsberg creyó que William Blake en persona le estaba recitando "Ah sunflower" y otros dos poemas. Este hecho significó un punto y aparte en la vida de Ginsberg y posteriormente intentaría a través de las drogas revivir aquel éxtasis existencial. A pesar de tener una infancia complicada, el joven poeta encontró en la escritura su vía de escape. Aunque sus intereses iban mucho más allá. Uno de ellos era el budismo.

Ginsberg, quien también había viajado por las carreteras americanas tal y como lo estaba haciendo Kerouac, se trasladó a mediados de la década de los cincuenta a San Francisco. Por entonces, la ciudad californiana ya tenía fama de urbe progresista y además contaba con una incipiente movida poética. Fue allí cuando Allen Ginsberg conoció a Peter Orlovsky, un joven de 21 años del que se enamoró. Atrás quedaron los intentos de Ginsberg por reconvertirse en heterosexual (aunque esto tampoco fue un obstáculo para haber sido el amante de Neal Cassady, una relación que Kerouac desaprobaba más que nada porque no era demasiado gay-friendly). La pareja empezó a leer sutras a todas horas y Ginsberg quedó francamente emocionado por esas ideas que hablaban de paz espiritual.

También en San Francisco, Ginsberg se animó a realizar recitales en cafés o en otros espacios como la Six Gallery. En estos acontecimientos, Ginsberg interpretaba sus versos vitales, críticos, pero sobretodo, directos. Y lo hacía ante una audiencia que poco a poco iba creciendo. Sus influencias eran en el jazz, las drogas, la política y el budismo. Y su público eran jóvenes universitarios y bohemios. Puede que bastante gafapastas.

Su recital más famoso fue uno celebrado en 1955 que se bautizó como "Six poets at the Six Gallery". O lo que es lo mismo, seis poetas de influencia beat (Ginsberg, Phil Lamantia, Michael McClure, Gary Zinder y Philip Whalen) recitando poemas en la Six Gallery. En este recital, al que acudió Kerouac, Ginsberg leyó por primera vez su célebre poema "Aullido". Y, lógicamente, estalló la locura y el escándalo. Porque una poesía que empieza diciendo "He visto los mejores cerebros de mi generación destruidos por la locura, famélicos, histéricos, desnudos arrastrándose de madrugada por las calles de los negros en busca de un colérico picotazo" tiene que dar que hablar. Ginsberg se convirtió rápidamente en la nueva gran promesa de la poesía pero, al igual que Kerouac, también tuvo problemas para editar su obra. Finalmente la pequeña editorial City Lights publicó en 1957 su obra Aullido, un libro de poemas divido entres partes. Con esta publicación, City Lights empezaría a publicar las obras de otros beats como Kerouac, William Burroughs, Lucien Carr e incluso Neal Cassady, quien también se atrevió con la escritura pero sin lograr demasiado éxito.

La publicación de Aullido no supuso el fin de los problemas de Ginsberg. Al contrario, al poco tiempo de salir a la venta la obra fue acusada de obscenidad por un tribunal. Tras un largo proceso judicial en el que Ginsberg consiguió movilizar a escritores e intelectuales a favor de la libertad de expresión, la obra fue declaraba "no obscena".

El ruido ya estaba hecho y los beats ya empezaban a catar la popularidad. Kerouac siguió escribiendo y publicó entre otras obras Los subterráneaos y Los vagabundos del Dahrma, una obra budista ambientada en San Francisco. Al mismo tiempo, el escritor veía como su obra En el camino se iba convirtiendo poco a poco en un referente entre los jóvenes. De hecho, muchos de ellos decidieron imitar a Kerouac y a Cassady y se lanzaron a cruzar Estados Unidos a bordo de coches alquilados.

Por su parte, Ginsberg escribiría en 1961 Kaddish y otros poemas, un claro homenaje a su madre recientemente fallecida. Pero si por algo destacó Ginsberg (aparte de por ofrecerse como cobaya para un experimento a base de LSD) fue por su crítica política. El poeta estaba en todas las manifestaciones y manifiestos en contra de la guerra del Vietnam y apoyaba a Martin Luther King. Así que 1973 decidió publicar otra de sus obras imprescindibles, la crítica La caída de América. El título lo dice todo. Por entonces Ginsberg se codeaba con gente como Bob Dylan y personajes como Tom Waits, Hunter S. Thompson, Ken Kesey y Charles Bukowski reconocían la influencia de los beats en sus obras. Pero ¿qué hacía William Burroughs?

Volvamos Ginsberg. Al mismo tiempo que el poeta publicaba en 1957 Aullido, William S. Burroughs estaba pasando una temporada bastante agitada en Tánger. Lo de agitada es un eufemismo para decir que en la ciudad marroquí Burroughs se pasaba el día drogado a base de bien aunque también le quedaba algo de tiempo para escribir. Lógicamente, en semejante estado mental y físico, lo que salía de sus textos no era más que el fiel reflejo de un yonqui en plena fase autodestructiva pese a que para Burroughs la destrucción fuese su forma de vida durante al menos cincuenta años. De su período puestísimo en Tánger nació en 1959 su novela más conocida, El Almuerzo Desnudo, una obra psicotrópica, sin sentido y un auténtico reto para quien decida leérsela entera.

Años después y más recuperado, Burroughs escribió una introducción en la que comenta su particular proceso de escritura durante aquellos días en Tánger. Burroughs explica: "Desperté de La Enfermedad a los cuarenta y cinco años, sereno, cuerdo y en bastante buen estado de salud, a no ser por un hígado algo resentido y ese aspecto de llevar la carne de prestado que tienen todos los que sobreviven a La Enfermedad... La mayoría no recuerdan su delirio al detalle. Al parecer yo tomé notas detalladas sobre La Enfermedad y del delirio".

Resulta curioso observar como un hombre que había nacido en Saint Louis y en el seno de una familia acomodada (el abuelo de Burroughs había inventado una calculadora que, con las debidas modificaciones, posteriormente se convirtió en una caja registradora) decidiera vivir rodeado de drogadictos, prostitutas, pequeños delincuentes, escritores medio chalados y, en definitiva, a lado de toda una fauna que escandalizaría al más pijo entre los pijos. Pero Burroughs siempre fue diferente pese a graduarse en literatura inglesa ni más ni menos que en Harvard.

Tras que el ejército le impidiera reclutarse porque había perdido la falange de un dedo, Burroughs se estableció en Nueva York y allí fue donde conoció a Kerouac y a los demás beats. Por aquel entonces Burroughs ya tenía claro que era bisexual y que le gustaban los bajos fondos: los trapicheos, la falsificación de recetas o los pequeños hurtos eran sus compañías habituales. Cuando William se metía en algún problema, algo común, el dinero de su familia servía para rescatarle. También le gustaba escribir aunque tardó bastante tiempo en crear su carrera literaria. Su primera novela Yonqui se publicó en 1953 en parte gracias a que Allen Ginsberg le había animado para que escribiese algo. Ginsberg seguramente pensó que un tipo tan impredecible como Burroughs tendría bastantes cosas que contar.

Fue en Nueva York donde conoció a Joan Vollmer, una amiga de la primera mujer de Kerouac que, rápidamente y por influencia de un círculo social bastante narcótico, se enganchó a las anfetaminas y a Burroughs. Fueron pareja, tuvieron dos hijos y ambos se dedicaron a vivir por el lado salvaje de la vida en compañía de Kerouac, Ginsberg, Cassay & Co. Pero en una fiesta celebrada en 1951 en Mexico D.F. William S. Burroughs decidió imitar a Guillermo Tell. No está claro si fue Burroguhs quien puso un vaso sobre la cabeza de su compañera o si fue la propia Joan. Pero lo que si que está claro es que Burroughs no le dio a la diana correcta y pasó 13 días en una prisión de la capital acusado de matar a su mujer. Una vez más, el dinero de su familia compró la libertad del loco Bill quién aprovechó la ocasión para viajar hasta llegar a Tánger.

La muerte de Joan supuso el espaldarazo definitivo para que Burroughs decidiera continuar con su carrera literaria. El escritor consideró que tras la muerte de Joan lo único que podía hacer era plasmar en un papel sus experiencias. Y de ahí nacieron obras como la ya citada El Almuerzo Desnudo, El Exterminador,Las cartas de la Ayahuasca, una obra que recoge la correspondencia entre Burroughs y Ginsberg o Ciudades de la Noche Roja. En los 70, Burroughs volvió a Estados Unidos y fue entonces cuando pasó de ser un tipo marginal y se convirtió en un icono para artistas como Patti Smith, Andy Warhol, la fotógrafa Susan Sontag y o los Sex Pistols entre otros.

Más adelante, en los noventa, Kurt Cobain, por ejemplo, quiso poner música a poemas de Burroughs. Y es que Burroughs siempre fue un hombre que arrastraba tras de sí una leyenda maldita espectacular y, además, nunca dejó de hacer lo que se esperaba de Burroughs: escribir y tomar drogas. Era un punk por sistema. La Generación Beat creció en Estados Unidos y fue un referente literario, pero también en cierto modo cultural, hasta que en 1968 la Era de Acuario se apropió de muchos de los tabúes y de las ideas de Kerouac y los suyos y se encargó de eclipsar las largas carreteras estadounidenses a base de florecitas en el pelo. Los beats, sin embargo, mantuvieron en cierto modo su popularidad. Kerouac apenas la pudo disfrutar ya que murió en 1969 a causa de unas complicaciones derivadas su elevado consumo de alcohol. Ginsberg seguiría dando guerra hasta 1997. Y ese mismo año, unos meses después y quizás como última jugarreta, William S. Burroughs fue el último de los más famosos beats (a parte de los padres de Ned Flanders) en despedirse del mundanal ruido. El largo viaje a través de carreteras polvorientas, sin duda, había dado mucho de sí.

Discos de 2007 (I)

2007-11-06T08:03:30+00:00

Aprovechando el paso por el ecuador de este 2007, no está de más hacer una pequeña recopilación de algunos de los discos que se han publicado en lo que va de año. Y si, me refiero a 2007 a pesar de que esta lista tan noventera bien podría ser de 1997.

NINE INCH NAILS - Year Zero. La sorpresa llegó este año de la mano de Trent Reznor por varias razones. La primera porque después de habituar a sus desesperados fans a períodos que entre y disco y disco solían durar cinco años, esta vez Trent solo ha tardado dos años desde With Teeth para publicar Year Zero. El resultado ahonda en la faceta cada vez más electrónica de NIN (algo que ya apuntaba el irregular With Teeth) y deja de lado los sonidos más industriales que auparon a NIN (a Trent, vamos) a una celebridad insospechada a finales de los 80. Aunque si embargo la novedad no se acaba ahí. La campaña de marketing viral que ha acompañado a Year Zero (webs descubiertas por internautas; conciertos secretos; mensajes para descifrar en camisetas y usb perdidos en lavabos con los temas nuevos de un disco que el propio Reznor filtró por internet antes de ponerse a la venta) ha dado mucho que hablar y ha encandilado a más de un fan. Hablando de lo musical, Year Zero es la banda sonora de una película a medio camino entre la realidad y la ficción que TR se ha inventando (gobiernos conspiradores, terrorismo, etc) y en la que dominan los sonidos electrónicos y los ya famosos ruiditos de NIN. Se trata de un disco complicado para el habitual fan de la banda. El concepto ha cambiado y puede que no guste a más de uno. A mi personalmente se me hace largo y hubiera preferido que Reznor ahondara en temas más oscuros tipo "Me, i'm not". De todas maneras, hay que valorar el hecho de que Reznor no intente repetir esquemas y que, por contra, intente innovar su propio sonido. Que cada cual valore el resultado.

MANIC STREET PREACHERS - Send away the tigers. Y si NIN se han pasado del rock industrial al rock electrónico, los Manic Street Preachers han vuelto a recuperar cierta frescura e inspiración de sus inicios con este "Send away the tigers". Nos encontramos ante un disco altamente enganchadizo gracias a las melodías de canciones como la homónima, "Your love is not enough" o esas dos espléndidas "Indian Summer" y "Second great depresion". La verdad es que pocas canciones sobran de un disco lleno de vitalidad y de fuerza y del que podrían extraerse bastante singles. Y ojo, que el concepto hit en Send away the tigers no tiene denota nada negativo. Al contrario, es todo un elogio.

QUEENS OF THE STONE AGE - Era Vulgaris. Josh Homme siempre ha sido un tipo inconformista. Con Kyuss demostró que podía hacer música de calidad sin caer en los tópicos de la época. Y con Quens of the StoneAgese supo rodear a excelentes compañeros de viaje (aunque quizás Homme no piense exactamente eso Oliveri) como Dave Grohl y Mark Lanegan para crear discos de calidad y al mismo tiempo lo suficientemente diferentes del resto como para destacar. Era Vulgaris quizás se presenta como su obra menos accesible. Las canciones se enredan en melodías densas que se alargan y que se alargan y en donde lo instrumental claramente domina. Quizás el singles "Sick Sick Sick" apenas sea representativo del álbum. Y tampoco es una de las mejores composiciones del disco (nada que hacer frente a "No one knows" de Songs for the deaf. "Misfit Love" o "Riverin the road" son un mejor ejemplo de un disco que requiere varias escuchas antes de poder entrar en ese laberinto sonoro.

VIAJE A 800 -Estampida de trombones. ¿Quién dijo que todo era pandereta? Viaje a 800 son una banda procedente de Algeciras que con este Estampida de trombones han asombrado y aluciando a más de uno gracias a su stoner rock (o lo que es lo mismo, una combinación de sonidos psicodélicos con sonidos más áridos). Y es que empezar un disco con tres temones como son esa fantástica "Los ángelesque hay en mi piel", con "El amor es un perro del infierno" detrás subiendo las revoluciones y ese corte instrumental como es "Dios astrónomo" es para quitarse el sombrero. El resto del disco sigue por caminos más instrumentales e incluye alguna canción más calmada que no empeña el resultado final. Aunque las influencias de Kyuss están al orden del día, Estampida de trombones es un disco realmente recomendable.

MINISTRY - The Last Sucker. El grupo industrial dice adiós a su carrera con un último disco que sigue viejos esquemas. Su sonido no ha cambiado mucho respecto a ese espectacular Rio Grande Blood. En The Last Sucker seguimos encontrando temas directos, duros y potentes y seguimos escuchando la particular diatriba que mantiene el grupo contra George Bush y su política. La portada no tiene desperdicio ( esa transformación del presidente en un lagarto es lo más y en cuanto al contenido del disco el nivel se mantiene bastante alto. Destacan temazos como "Watch Yourself" o el tema que da nombre al álbum. Una pena que den por terminada su trayectoria profesional.

SMASHING PUMPKINS - Zeitgeist. La vuelta deBilli Corgan y Jimmy Chamberlinmás los substitutos de rigor nos ha dejado este Zeitgeist, un disco de sonidos y ambiente conocidos, muy a lo Smashing Pumpkins, pero sin ser el grupo de siempre. Bueno, de hecho se trataba de esto. A pesar de que es un disco bastante guitarrero y sofisticado a la vez (como siempre le ha gustado a Corgan) aunque sin embargo le falte la chispa para ser un buen disco. No es que sea malo, "Tarantula" o "United States" son buenas canciones pero se quedan en poca cosa si las comparamos con algunos temas de su pasado. Es lo que tiene reajuntar una banda, el pasado siempre pesará.

En otra ocasión prometo no ser tan noventera :P

SUMMERCASE 2007

2007-11-06T08:04:14+00:00

La presenta edición del doble festival del verano (en Madrid y Barcelona) deja un balance de asistencia de público muy positivo. Otra cosa es que se podría mejorar tanto la distribución de las barras y de los cuatro escenarios del Fórum (¿nadie pensó que en un concierto dentro de una carpa repleta de gente en verano...haría calor?) y la programación de los mismos, quizás demasiado solapadas. En cuanto a lo musical que, en definitiva, es lo que debería importar, salieron triunfantes artistas de calidad contrastada como PJ Harvey y los crecientes Arcade Fire. Los "hypes" quedaron en evidencia.... Pero lo mejor es ir por pasos.

VIERNES 13 DE JULIO - BARCELONA

PJ HARVEY: Sin conocer demasiado bien su repertorio, lo cierto es poca competencia tuvo PJ Harvey para convertirse en la mejor actuación, con diferencia, del Summercase. En apenas una hora y entre un agobiante calor, la artista británica ofreció ella solita un concierto que, pese al escaso minutaje, permitió que los espectadores viesen sus múltiples facetas. No hay duda que su vena eléctrica supera a las canciones que interpretó al piano y a esos experimentos más electrónicos que por momentos (sólo unos minutos) dejaban un escenario algo vacío. La PJ que vale y la que hizo vibrar es ésa que sólo necesita de una guitarra eléctrica y de un buen puñado de canciones como "Man's Size" o su hit "Rid on me" para encadilar a un público que respondió de maravilla. Ella no paró de repartir sonrisas y buen rollo. Sobradísima.

FLAMING LIPS: Flaming Lips pusieron la nota de color con un show visualmente bastante atractivo (globos, serpentinas, colorines, etc). El problema es que no todo los numeritos tuvieron la misma gracia así que, lo de llenar el escenario con tipos disfrazados de Papá Noeles bailongos durante todo el concierto, los constantes globitos gigantes y lo de dirigir al público como si fuera una clase de aeróbic, como que cansa bastante. Musicalmente supieron llegar a una parte del público que se montó una fiestaca con canciones bastante normalitas y efectivas. El cantante acabó surfeando sobre el público metido dentro de una gran burbuja transparente.

ARCADE FIRE: Fue todo un conciertazo de principio a fin. Únicamente la experiencia y la garra de PJ Harvey les superó aunque lo cierto es que su actuación lo tuvo todo: fans (fue el concierto más masivo y mira que había gente); muy buen sonido (hasta 11 músicos sobre el escenario) y un repertorio ideal para un festival y que dejó claro que Arcade Fire son mucho mejores en directo que en disco.Tocaron sin descando algunos de los hits de Neon Bible ("Black mirror", "Keep the car running", "No cars go" etc. ) ante un público bastante entregado. El grupo también tuvo buen feeling aunque, sin duda, el que mejor se lo pasó fue su señor teclista-tamborilero, uno de los tipos más anárquicos que he visto sobre el escenario. En un momento de la actuación, se le ocurrió lanzar varias veces el tambor sobre su cabeza y hasta una altura considerable ante la aterrorizada mirada de otra de las teclistas. Una de las mejores apuestas para cualquier festival.

LCD SOUNDSYSTEM: Y si Arcade Fire son ideales para hacer vibrar al público de cualquier festival, LCD Soundsystem también son una apuesta segura para pegarse unos buenos bailes. En la carpa el Fórum, la Terminal S, se pudieron ver durante su actuación divertidísimos bailes de un público que sabía a lo que iba.

SCISSOR SISTERS: Tocar a las 3 de la mañana es duro y su actuación se vio algo perjudicada por el cansancio del público. Aun y así, el grupo ofreció una actuación bastante profesional y con ese toque petardo que les ha hecho tan populares. Servidora no pudo con sus piernas.

SÁBADO 14 JULIO - BARCELONA

SOULSAVERS & MARK LANEGAN:La nueva colaboración soul de Mark Lanegan era uno de mis principales objetivos del Summercase. Quizás no sea un tipo divertido sobre el escenario, ni tan siquiera simpático, pero su voz y su oscuro carisma bien se merecían aguantar de nuevo el calor de la dichosa carpa. Lástima que una avería en el Trambaix me impidió ver al completo la actuación de este hombre (y los Soulsavers). Pero lo poco que puede escuchar sonó mucho más rockero que lo que se oye en su disco It's Not How Far You Fall It's The Way You Land. La voz de Mark se salió. No en vano, es como el Tom Wais de la generación grunge. "Revival", la canción que abre su último disco puso la nota final a una actuación muy espiritual. "Why am I so blind with my eyes wide open, I need someone now that this dark night's begun..."

JESUS AND MARY CHAIN: Llegaron como uno de los platos fuertes del festival. Su reunión después de casi una década de silencio atrajo, como no podía ser menos, a sus numerosos admiradores. Sin embargo, su actuación estuvo marcada por los numerosos problema de sonidos y, por qué no decirlo, la frialdad y la impasibilidad del grupo. Ni se inmutaron y apenas interactuaron ni desprendieron pasión sobre el escenario. Eso sí, tocaron todos sus hits como "Far gone out", uno tras otro, para deleite de sus fans. Lástima que ellos no parecieran ni la mitad de entusiasmados.
AIR: Un aburrimiento. Son un grupo muy poco apropiado para llenar uno de los escenarios más potentes de un festival. Más que nada, porque su popuesta relajada requiere un sitio más pequeño. Su repertorio estuvo a punto de matar a más de uno del sueño. Tan sólo "Sexy Boy" pudo levantar algo de entusiasmo.

OMD: Todo lo contrario les pasó a OMD. Su música ochentera y clásicos como "Enola gay" o "Locomotion" permitieron disfrutar dentro de la carpa de una de las fiestas más locas del festival. Si hasta hubo gente que, sin conocerlos, decidió verles tan sólo por el entusiasmo que estaban levantando. Los años pasan y la melena rubia del cantante ya forma parte del pasado. Los años pasan y ya no sabes si te molan porque son buenos o por esa extraña mezcla de nostalgia ochentera. Pero vinieron con ganas y se encontraron un público que respondió de maravilla. Tanto, que prometieron volver a Barcelona.

!!!, KAISER CHIEFS: ¿Hypes? Quizás sí. Ambos conciertos tuvieron una puesta en escena estupenda aunque lo cierto es que a sus canciones les falta el qué. Algo más que les diferencia de tantos y tantos clones haciendo lo mismo (el baile de !!! o el pop-rock modernillo de los Kaiser).

CHEMICAL BROTHERS: Sin duda era el gran reclamo del sábado. Por eso llevan casi más de 10 años haciendo mover a miles de jóvenes con sus canciones tan pegadizas. "Galvanize" puso en marcha a miles de cuerpos que no pararon de moverse durante todo el concierto al ritmo de sus loops y bajo ese show de luces tan impactantes que llevan. Su highlight, como es lógico fue "Hey boy, hey girl" aunque otros como "Belive" (muy cambiada, por cierto) también hicieron levantar los brazos a más de uno. Aunque yo sin embargo me esperaba algo más.

Foto: La Vanguardia