Sirva este post tardío como homenaje a ese magnífico concierto que nos brindaron los suecos Hellacopters en Razzmatazz 2 el pasado 18 de setiembre.

"It's not a funeral, it's a party", dijo Nick Royale en la abarrotada sala. Y así se hizo. Una fiesta con amigos, diversión, saltos y mucho sudor entre el entregadísimo público de Razzmatazz. Y por supuesto, con mucho rock'n'roll puesto que la banda repasó alguno de sus mejores temas como "Hopeless Case of a Kid Denial", "By the Grace of God", "Toys and Flavors", "No Song Unheard", "Better Than You" o algunos de los temas de su disco póstumo de versiones como "Electrocute" o "In the Sign of the Octopus".

Cierto es que no inventaron nada, pero gracias a su energía fueron uno de los máximos exponentes de la movida escandinada de finales de los noventa. Para muchos, los mejores de todo ese clan nórdico formado por Gluecifer, Turbonegro o Backyard Babies (con y sin Dregen).

Despedirse así, definitivamente mola:

Loaded feat. Duff McKagan: Duff era seguramente uno de los mayores reclamos de esa zona media del cartel. Sin embargo su show no fue para nada acertado. El ex-gunner se empeñó en tocar canciones de un disco que nadie había escuchado y que, a la postre, tampoco parecieron nada del otro mundo. Para acabarlo de arreglar, pese a que sí, es Duff y tiene carisma, cantar una canción super moñas dedicada su mujer en un festival con gente con ganas de caña no es lo más recomendable. Al final, para resarcirse, el hombre hizo aquello que todos queríamos y que él sabía que realmente funcionaría: "Dust 'N Bones", "It' So Easy" y "I wanna be your dog" de los Stooges. Deberá espavilar en un futuro y mucho.
>Directo: Loaded, "It's so easy"

Gutter Twins: Mark Lanegan y Greg Dulli arrastran ya de por sí un peso, un supuesto carisma y se les supone tal aura dramática que con una luz tenue y con los temas más bien oscuretes de Saturnalia son capaces de impactar a los que asisten por primera vez a su concierto. En mi caso, era la tercera vez que los veía y apenas hubo novedades ("Idle hands", "The Stations", "All Misery/Flowers" respecto a otros shows; hasta tocaron las mismas canciones que suelen tocar en los bises ("Hit the City" y "Methampetamine blues" de Lanegan en solitario y el principio de "Shadow of the season" de Screaming Tress). Lnegan sigue más quieto que un árbol y a Dulli le faltó tiempo para desmelenarse. Aun y así, el gentleman cada día cuadra más su versión de "Down the line" de José González.

Jayhawks: Los grandes trinfadores del festival. Gary Louis ya parecía encantado con el ambiente los tres días que duró el festival (que levante la mano quien no lo vio entre el público en cualquier concierto) y en directo, junto a Mark Olson, decidieron basar su atuación en el disco Tomorrow the green grass. Para cualquiera que haya escuhado ese disco, casi que no hay nada más que añadir. Grandes canciones, grandes melodías, un buen directo = un gran concierto. No se notó en lo musical esa separación, aunque lo cierto es que tampoco hubo abrazos en el escenario. No en vano, el show del Azkena fue toda una exclusiva a la que estaremos eternamente agradecidos. Un ejemplo: las últimas tres cancioens fueron "Bad time", "Blue" y "Miss William's Guitar"

Dinosaur Jr.: No los conocía demasiado pero su concierto fue muy guitarrero y muy movidito en las primeras filas. Además, sonaron a la perfección mientras caían temas como "Forget the Swan", "Feel the pain", "Little Fury Things", "Back to your heart" o "Tarpit". La verdad es que se marcaron un conciertazo y demostraron estar en un perfecto estado de forma. Para mí, fueron la gran sorpresa del festival.

Jon Spencer Blues Explotion: Un poco de locura bañada con alcohol y un directo de Jon Spencer entra que ni de muerte. Con un show con apenas parones entre canción y canción y mucha parte instrumenal pero a ritmo de un enfurecido blues-rock-garajero (o lo que sea que hace Jon), Spencer hizo mover el bullate a más de tres y de cuatro. Lo cierto, es que solo reconocí algún tema de Acme pero no se me ocurre mejor manera de acabar un festival. Grandes.
>Directo: Jon Spencer blues Explotion

FOTOS AZKENA 2008 - Fuente: Azkena, Keep on rollin, Kilgore, otros.

Viaje a 800: Pese a tener una larga carrera a sus espaldas, con la publicación en 2007 de Estampida de trombones empezaron a cosechar alabanzas y un cierto nivel de éxito tratándose de un grupo gaditano de stoner. Pese al regular sonido de la carpa donde estaba situado el segundo escenario, la banda descargö con fuerza y más directos que en disco temas como "Los ángeles que hay en mi piel", "El amor es un perro del infierno" o "Dios astrónomo". Al dia siguiente ratificaron su calidad en su actuación al aire libre en el centro de VItoria.

Truly: Las pintas d funcionario de un envejecido Yuri Yamamoto hacen difícil de relacionarlo con los primeros Soundgarden. Pero sí, él estuvo allí. So concierto se centró en Fast histories.. from a Kid coma. Personalmente lleguré a mitad de concierto y tampoco acaban de ser cup of mu tea, pero sonaron bastante contundentes.

Hanoi Rocks: Bajo una fina lluvia que ellos apenos notaron (para eso son Finlandeses) Hanoi Rocks le pusieron ganas, guitarras, rímel y glamour pese a que parezca increíble que Andy McCoy se mantenga en pie. Tocando clásicos como "Tragedy", "Malibu Beach", "Dont you ever leave me" y rematado con "Up around the bend"encandilaron a sus fans y los menos entusiamados demostraron que le ponen ganas. Michael Monroe demostró una vez más su clásica habilidad para escalar por escenarios. Quizás por eso, al día siguiente se le vio en muletas en algún hotel.

Danko Jones ( o Dan Cojones, como él mismo se bautizó): Presentó su último disco Never too loud pero sobretod demostró que es un gran showman, uno de esos tipos con dotes de telepredicador y con bastante solvencia para llevar un show. Su rock senzillo pero contundente y efectivo caletó al público. El resultado: un más que decente show. Por cierto, muy curiosa su afición por la horchata Chuffi.

Sex Pistols: Eran los cabezas de cartel del festival, al menos en lo que a fama se refiere. Rotten no se lo pensó dos veces y ejerció su papel de provocador con ese repetido "Viva España" o "The basque country has a dream..."que enfureció a más de un punk. Tanto, como para quizás soltarle el móvil que golpeó a Rotten y que le hizo enfurecer y amenzar con la cancelación si volvía a ocurrir. Es lo que tiene ser punk y que tu público te tire móviles, aunque lo cierto es que Rotten al menos se lo curra y le echa teatro al asunto. Su show se alargó mientras iban cayendo "EM.I.", "Holiday in the Sun", "Bodies" y por supuestísimo "Anarchy in the UK" y "God Save the Queen", lo que provocó retrasos en la bandes que tocaron tras ellos. Quizás la cosa muy bastante mejor de lo que uno podría esperarse aunque tampoco fue como para perder la cabeza por ellos.

Blind Melon: Superaron con creces la difícil tarea de presentar un proyecto nuevo basado en esquemas antiguos y con un nuevo cantante que, ni más ni menos, tenía como referente a Shannon Hoon. Pero si con el fallecido cantante la banda era excelente, ahora todavía lo siguen siendo. Abrieron con "2x4" y desde el primer acorde el público respondió de manera increible. Viendo tal entrega, Blind Melon no dudaron ni un segundo en ponerse a la altura de ese entusiasmo general. "I Wonder", "Soup" o la genial "Toes across the floor" recordaron qué grandes canciones tenía este grupo y cuanto talento que siguen conservando, especialmente Chris Thorn, el multiinstrumentista (guitarra, mandolina, piano, steel...). Pero sin duda, si ésa noche alguien se reivindicó fue Travis Warren, el nuevo cantante. No sólo canta casi igual que Shannon Hoon, sinó que sus ganas y, especialmente, su técnica vocal están muy por encima de lo que puede esperar de un simple clon. No lo dudéis, en cualquier otra banda, este chico destacaría igual. Y Blind Melon creo que tienen un futuro muy interesante también gracias a él. Por eso el nuevo disco de Blind Melon en 2008, For my friends, suena muy bien y sus canciones se adaptan perfectamente al repertorio clásico. En definitiva, suconcierto del Azkena fue uno de los mejores del festival. A ver quién es el listo que supera "Change" y "Mouthful of Cavities".

FOTOS AZKENA 2008 - Fuentes: Keep on rollin, Azkena, otros

JUEVES - 4 de setiembre

Yawning Man: Con Alfredo Hernández (ex-Kyuss y ex-QOTSA) como cabeza visible de esta banda instrumental, el grupo de Palm Springs ofreció un concierto correcto, con algún que otro problema de sonido, y basado en numerosos cambios de ritmo pero manteniendo siempre su base stoner. Pese a que no son un grupo fácil de escuhar (por aquello de que son instrumentales y para algunos su música puede sonar a ladrillaco), tampoco fue de lo peor del día. "Catamaran", su canción más famosa y que versionearon Kyuss en "And the circus leaves the town..." provocó los primeros headbagings de la tarde.

Hyseed Dixie: ¿Os habéis preguntrado alguna vez como suena "You shook me all night long" de AC/DC o "Rock N' Roll de Led Zeppelin en versión redneck accelerada? Pues los Hyseed Dixie levantaran bastante aplausos gracias a sus banjos, sus violines y sus pintas de granjeros de Kentucky. Para un rato estuvieron bien.

Radio Moscow: El trío de Iowa llegó con su peculiar garsge-blues, muy al estilo Ross Hill Drive, y con Parker Grigg como punto fuerte, especialmente por su habilidad a la guitarra. Pero les faltó la chispa final para encadilar al público, que no obstante, respondió bastante bien. Pero esa falta de hits o temás más destacados es un problema tanto, de su debut "Radio Moscow", como de "Alive Natural Sound".

Marky Ramone: El gran protagonista de versiones de la noche, por así decirlo. Al hombre, le cayó una bendición cuando los Ramones lo ficharon para tocar la batería a ritmo de sus famosos "1,2,3,4,!". Y no ha yduda de que el tío lo explota la máximo, ya sea plantando una gran bandera con el archifamoso logo del grupo de NYC en el fondo del escenario o tocando con una banda en la que el cantante no tiene carisma (tampoco era necesario que lo tuviera) y una bajista a medio camino entre la típica punky y el look de Robin Finck en su etapa en NIN. No hay quetomárselos mucho en serio. "1,2,3,4!" y así cayeron "Blitzkrieg Boop", "Judie is a punk", "The KKK take my baby away", etc. Evan Dando hizo una breve aparición para cantar "I don't care".

The Lemonheads: No eran un grupo de versiones, pese a que Evan Dando iba a su bola y tenía en permanente estado de alerta al bajista y al batería, para saber cuando el divo quería alargar un tema, repetir una estrofa, etc. Además, el show tuvo un bajón importante cuando a Dando le dio por tocar solo con su guitarra durante más de media hora. Para muchos fue el momento ideal para irse a dormir. En "Mr. Robinson", Gary Louis hizo acto de presencia para cantar junto a Dando, pero fue una lástima que tuvieran que compartir un micrófono porque apenas se pudo escuchar algo de ese peculiar dúo.

Para muestra del buen rollo del Azkena, pinchad en este video y veréis a miembros de Hyseed Dixe, Boss Hoss, Radio Mosco, Lemonheads y gente de Marky Ramone tocando una jam el jueves, después de las actuaciones, en el quiosco de música del parque delante del hotel NH de Vitoria. A las 5 de la mañana la poli les pidió que parasen.

FOTOS AZKENA - Fuente: Keep on rollin. Azkena, otros

Elegir el momento con más glamour rockero de la historia de los Rolling Stones no es moco de pavo. Pero no hay duda de que su estancia en la costa azul francesa en 1972 para grabar Exile on the main street (tras su exitoso Sticky Fingers) constituye una de las cumbres de la mitología stoniana. Si las paredes hablaran...

... nos hablarían de drogas, vino francés, música a altas hora de la mañana, sexo, camellos, intelectuales, Gram Parsons, John y Yoko, groupies, tabaco, alcohol, policías... Todo ello a la vez y al mismo tiempo en Villa Nellcôte, la casa que decidieron alquilar Keith Richards y Anita Pallemberg en la costa azul y que acabó conviertiéndose en el centro de operaciones de todo el circo que rodeaba a los Stones y que podía incluir desde la refinada Bianca Jagger, hasta el yonqui más tirado. Más de un pijo francés se asustaría de verdad al ver semejante troupe entregada a todo tipo de excesos.

Las canciones se improvisaban a cualquier hora del día, suponemos que cuando Keith Richards y Anita hacían un stop entre pico y pico, pues en aquella época ambos estaban más que enganchados a la heroína. Sin embargo, pese al constante cuelgue de Richards, él fue uno de los principales impulsores de Exile on the main street, puesto que en la costa azul francesa también tuvo tiempo a empaparse de música (principalmente country) gracias a los conocimientos de otro músico descarriado y que posteriormente acabaría hecho cenizas en el desierto de Joshua Tree: Gram Parsons.

Tal cuelgue bohemio daría como resultado el ya citado disco, en el que los stones definitivamente apostaban por el rock and roll y, por qué no decirlo, una colección de fotografías capaz de despertar el imaginario más hedonista de cualquier fan de lo que al principio hemos señalado como "glamour rockero": chicas rubias bailando desnudas y retozando con cualquier mozo, Mick Jagger ejerciendo de tipo cool, música a todas horas, y ahí en una esquina Keith Richards con la camisa abierta encendiéndose un pitillo. Claro está ni el ego ni las drogas harían de tan idílicos aquel año de los Rolling Stones en la costa azul francesa, pero no cuesta nada imaginar algo así.

¿Las razones del cambio? Sólo él las sabrá, pero lo cierto es que pocos fans esperaban que un tipo arisco (con la prensa especialmente) y extraño; un greñudo (sexy) antipático y depresivo enfrentaría su madurez tan mal, tan chungamente, rodeado de todo aquello que parecía odiar y a años luz que cualquier atisbo de talento y, de lo que es peor, avergonzado por completo a los que una vez fueron su fans. James Bond, los rayos uvas, el divorcio, fiestecitas con modelos, martinis, canciones sobre lesbianas, anuncios estúpidos para móviles... todo eso de golpe no puedo ser bueno. ¿Quién nos ha cambiado a nuestro Chris? ¿Os imagináis a Kurt Cobain o a Layne stanley siguiendo una evolución similar?

Como decía, nada hacía presagiar semejante decadencia. Ni siquiera su infancia. El pequeño Cornell nació en Seattle en el seno de una familia católica con cinco hermanos, alguno de ellos parece ser, con tendencias suicidas, lo que impactaría enel joven Chris. Tras el divorcio de sus padres, Cornell cayó en una profunda depresión que le llevó a encerrarse en su casa casi un año. Suponemos que allí afortunadamente le empezó a dar a la guitarra, aunque hoy en día no lo parezca. Para ayudar a su madre, se metió de pinche en una cocina y tal y como ha comentado empezó a drogarse desde bien joven. "Nuestra cultura de las drogas no era como la del rollo hippie de 'libera tu mente', si no que más bien era 'jode tu mente con las drogas", dijo en una ocasión. Perfecto, al menos en su juventud lo tenía más claro.

En 1984, junto con el mentado Kim Thayil y Hiro Yamamoto fundaron Soundgarden, un grupo que pasó de ser una de las referencias de la música alternativa de la ciudad a convertirse en un grupo de alcance masivo gracias a discos como Badmotorfinger, Superunknown en especial y Down the Upside. Discos TOTALMENTE recomendables. La música de Soundgarden siempre fue oscura, contundente y con una poderosa influencia de Black Sabbath. Quién diría lo diría, viendo que hoy en día Cornell parece estar más cerca de Justin Timberlake que de Ozzy Osbourne. De entre los miembros del grupo, y con permiso de Ben Sheperd con su bajo, Chris destacaba por su presencia física y por su vozarrón. Con el torso al aire, sus botas militares y greñas al viento, parecía tener la actitud necesaria para pisar un escenario. La música por supuesto les acompañaba. Para muchos, Soundgarden fueron el mejor grupo de los 90.

Fruto de esta primera época, Cornell empezó a salir con la manager del grupo, Susan Silver, una mujer que tuvo mucho que decir en la escena de Seattle puesto que también fue manager de Alice In Chains y de Screaming Trees por un tiempo. Junto a ella vivió el auge en los 80 y posterior éxito de Soundgarden en los 90 y, por consiguiente, su estrellato en la música alternativa. También vivieron juntos algunos capítulos que merecerían que el pobre Cornell llevara colgada la etiqueta de "cenizo", puesto que en pocos años vio como alguno de sus mejores amigos morían por culpa de las drogas: su compañero de piso en Seattle y líder de Mother Love Bone, Andrew Wood; Shannon Hoon de Blind Melon y por supuesto sus colegas de Seattle Kurt Cobain y Layne Stanley. En 1997 Soundgarden se separaron tras una carrera enviadiable y marcada por la calidad.

Suponemos que tanta muerte, unos ya por entonces preocupantes problemas de voz tras toda una vida "gritando" y la separación poco amigable de Soundgarden, afectaron a Cornell de alguna manera. Por lo pronto, el hombre bebía hasta que decidió lanzarse a la aventura con un disco en solitario que ya empezó a provocar comentarios un tanto negativos. De pronto el líder grunge apareció con una acústica y con un look mucho más refinado a lo que nos tenía acostumbrado. Su música también era mucho más melódica, más intimista y alejada de las atmósferas guitarreras de Soundgarden. Quizás más cercana a Temple of the Dog, aquel grupo formado a principios de los 90 com miembros de Pearl Jam para homenajear al desaparecido Andrew Wood y a su admirado Jeff Buckley (que por cierto, también había muerto hacía poco). Pero con la diferencia que Euphoria Morning parecía estar por debajo a lo que se esperaba de él. Aunque "Can't change me" como single no estaba tan mal. Y las críticas tampoco lo acribillaron.

A partir de aquí suponemos que el hombre se hundió o se volvió a deprimir, vayáse usted a saber. Para colmo se separó de su mujer con una ruptura suponemos que traumática puesto que Cornell hizo unas declaraciones tirándole mierda a saco y en las que le reclamaba el Grammy que había ganado con Soundgarden (¿Chris Cornell preocupado por un Grammy??) "Antes de empezar con Audioslave me encontraba en el punto más bajo de mi vida".

Quizás fue la desesperación o que el hombre no tenía fuerzas para más, pero su siguiente paso fue juntarse con Rage Agains The Machine, un grupo a la deriva tras la marcha de su cantante Zack de la Rocha para crear Audioslave. La idea ya parecía rara de la hostia. ¿Cornell rapeando Killing in The Name? ¿RATM haciendo de grunges? Disortadamente, en 2002 Cornell ya había perdido gran parte de su genial voz y el primer single de Audioslave, "Cochise", impactó a propios y a extraños debido al malestado vocal en que se encontraba el cantante.

Pero Audioslave fue mucho más que un regreso, fue el inicio del declive corneliano, como también lo fue para Dave Navarro su paso en Red Hot Chili Peppers. Pese a parecer rejuvenecido con un nuevo look en el que las mechas rubias (MECHAS RUBIAS!) y los rayos UVA hicieron acto de presencia por primera vez, y pese a que el primer disco de Audioslave no estaba mal ("Show me how to live" y "Like Stone" me parecen buenas canciones), todo fue de mal en peor. Cornell se casó con una modelo pedorra, tuvo una hija y empezó a asistir a fiestas canallonas en traje, con lentillas azules y del brazo de su esposa. Todo muy Martini boy, todo muy falso y muy vendido por conseguir fama entre gente del talento de la talla de Paris Hilton. Tela. Suponemos que es aquí cuando Cornell pierde el intererés por la música y tras dos discos malos con Audioslave, participa con la lamentable "You know my name" en la banda sonora de James bond y edita Carry on, un triste segundo trabajo en solitario que demuestra que este hombre está acabado musicalmente.

Aunque lo peor de todo es la falta de escrúpulos con los que fueron sus fans de siempre ya que el avance se su nuevo disco le sitúa cercano al ritman'blues de Puff Daddy. Él parece contento. No se.

La instrumental "Superman Wheelchair" abrió fuego en una calurosa noche en La Sedeta en la que quien no tenía previsto sudar en un concierto de rock no tuvo más remedio que aguantarse. Por supuesto, la banda formada por Hell Melo a la batería y a la voces, Trillo a la guitarra y Toni Cobretti al bajo, llegó dispuesta a hacer disfrutar a todos los colegas allí reunidos ya que pocas cosas pueden superar la entrega de una banda que empieza. "A worm from the inside" y "True Directions", dos de los primeros temas de MZA y quizás, de los más poppies de su repertorio, fueron los encargados de seguir con su carta de presentación a un público que parecía entender y pasarlo bien con la propuesta de la banda.

Por este motivo, la versión de un clásico como es el "Paranoid" de Black Sabbath tuvo una muy buena acogida y acabó por caldear (más allá de la metáfora) el ambiente. El gusto por combinar piezas más convencionales con instrumentales de corte más psicodélico quedó latente con la intepretación de "Opium Blues", un tema largo y con numerosos cambios de ritmos.

La recta final del concierto la pusieron la coreada versión de uno de los temas más sigificativos del grupo punk noruego Turbonegro como es "I got erection" (toda una declaración de principios) seguida de otros dos temas propios de Midnight Zombie Alligator, "Midnight Runner" y "Flesh + Blood".

Aunque la sorpresa final y la canción más recordada de la noche fue otra versión más que particular que logró sorprender a los que nos reunimos allí. "Una de nuestras influencias es... el negro de Boney M". Y sí, Midnight Zombie Alligator tocaron una versión absolutamente stoner y ralentizada de ese gran clásico discotequero como es "Daddy Cool" y que en La Sedeta se transformó en "Daddy Doom" durante unos buenos 7 o 8 minutos.

Una bis instrumental improvisado ante la insistencia del público cerró lanoche y puso el punto y final a la presentación de los Midnight Zombie Alligator.

Suerte!!

Muerte a los gafapastas!!

Poco tiempo para actualizar Keep on rollin' estos últimos meses pero al menos la música en directo ha sido de calidad. Nunca es tarde para una pequeña reseña.

QUEENS OF THE STONE AGE
16 de febrero - Razzmataz (Barcelona)

Tres años después del famoso concierto en Barcelona en el que Nick Oliveri lanzó botellas al público e incluso, según parece, golpeó a algunas personas, la banda de Josh Homme (y sin Oliveri, quien fue expulsado de la banda tras el incidente) volvió a Barcelona para presentar su último disco Era Vulgaris. Como recuerdo de ese show, un set list bastante potente en el que brillaron nuevos temas como "Misfit Love" o "3's & 7's" y en el que por supuesto cayeron clásicos como "No one knows" con Homme a la voz (incluso ejerciendo de Mark Lanegan en "In the fade" o "Song for the dead") y la entrega total de un público que no paró de saltar y de pasárselo en grande desde el primer minuto. La verdad es que se respiraba rock'n'roll en el ambiente (bueno, y sudor) y que tanto la banda, como la mayoría de los asistentes parecieron acabar plenamente satisfechos pese a la corta duración del show (cosas de la sala). QOTSA son una apuesta segura en directo.

Set list de Queens of the Stone Age en Barcelona:

THE CURE
10 de marzo - Palau Sant Jordi (Barcelona)

El concierto de The Cure fue, simplemente, uno de los mejores conciertos que mis ojos han visto. Si a ello le sumanos las dificultades para que vivir de cerca la emoción de su música rodeado de 15.000 personas más (con el peligro que esto conlleva de verte envuelto entre pasmarotes que no tiene ni idea del grupo y que piensan estar viendo un dvd), la nota fue de un merecido excelente. Únicamente el poderío físico de Mick Jagger levantando él solito un concierto de los Stones me había impresionado tanto en un macroconcierto. El sonido fue excelente y el concierto tuvo un ritmo espectacular durante las 3 horas (3 horas!!!) que duró el concierto. A destacar la sobriedad carismática de Robert Smith pero sobretodo el poderoso ritmo que marcó Simon Gallup al bajo. Gallup, como no podía ser de otra manera se llevó la gran ovación de la noche.

Set list de The Cure en Barcelona:
01. Plainsong
02. Prayers For Rain
03. Alt.End
04. The Blood
05. The End Of The World
06. Lovesong
07. To Wish Impossible Things
08. Catch
09. From The Edge Of The Deep Green Sea
10. Kyoto Song
11. Please Project
12. The Walk
13. Push
14. Friday I'm In Love
15. Inbetween Days
16. Just Like Heaven
17. Primary

18. A Boy I Never Knew
19. Pictures Of You
20. Lullaby
21. Never Enough
22. Wrong Number
23. One Hundred Years
24. Disintegration

Encore 1
25. At Night
26. M
27. Play For Today
28. A Forest

Encore 2:
29. The Lovecats
30. Let's Go To Bed
31. Freak Show
32. Close To Me
33. Why Can't I Be You?

Encore 3:
34. Boys Don't Cry
35. Jumping Someone Else's Train
36. Grinding Halt
37. 10.15 Saturday Night
38. Killing An Arab

DOWN

24 de abril - Sala Apolo (Barcelona)

Llegó el ruidaco a Barcelona de la mano de una ilustre retahíla de nombres del metal: Phil Anselmo y Rex Brown (ex-Pantera), Jimmy Bower y Kirk Windstein de Crowbar y Pepper Keenan (Corrosion of Conformity); o lo que es lo mismo Down. Con Over the Under bajo el brazo, el grupo descargó en Barcelona todos sus riff pesados, pese a algunos problemas técnicos (el equipo de sonido petó nada más empezar la primera canción). El concierto estuvo marcado por la contundencia de música, pero también por el ambiente festivo que se vivía entre los músicos. Phil Anselmo, por esta vez, no ejerció de colgado cabreado y se dedició a animar constantemente al público y a bromear con todo lo que se le pasara por la cabeza o por las manos (sujetadores, el cable del micrófono, etc.) mientras Keenan iba dejando claro que Down apuestan fuerte.

Set list de Down en Barcelona: (aprox)
- The Path
- Lysergic Funeral Procession
- Hail the Leaf
- Temptation’s Wings
- Ghosts Along the Mississippi
- On March The Saints
- Three Suns and 1 Star
- Losing All
- The Eyes of South
- Stone the Crow
- Jail
- Bury Me in Smoke

NICK CAVE

25 de abril - Pavelló Olímpic de Badalona (Barcelona)

Tras casi más de 20 años sin actuar en la ciudad caudal, Nick Cave & The Bads Seeds llegaron con un planteamiento que desagradó a algunos de los fans que buscaban al Cave más intimista. Y es que, tal y como presagiaba su rítmico último disco Dig, Lazarus, Dig!!! (e incluso su más reciente proyecto paralelo, Grinderman) el australiano pasa por una etapa en la que parece haberse alejado del piano y prefiere el sonido de la guitarra eléctrica, la pandereta y moverse como un poseso sobre un escenario con sus 50 años. Todo un lujo. Lo cierto es que hizo un concierto adecuado al recinto y derrochó energía, carisma y también algún que otro enfado cuando no había manera de encontrar las letras. La ironía tampoco faltó cuando soltó un "no se que coño estáis cantando, pero bueno" tras scuchar al público cantar uno de sus estribillos. Al menos al final se dio cuenta que el español no es italiano y dejço de decir "graccie" Su voz, sonó perfecta y no se le puede reprochar que no sudara la camisa de seda. Yo lo disfruté mucho.

Set list de Nick Cave en Barcelona:
Night of the Lotus Eaters
Today's Lesson
Red Right Hand
Dig, Lazarus, Dig!!!
Tupelo
Moonland
The Ship Song
We Call Upon the Author
Your Funeral, My Trial
Lie Down Here (and Be my Girl)
Jesus of the Moon
Deanna
Papa Won’t Leave You, Henry
More News from Nowhere

PRIMER BIS:
The Lyre of Orpheus
Get Ready for Love
Hard on for Love

SEGUNDO BIS:
Into my Arms
Stagger Lee

(...viene de primera parte)

Las luchas de egos han hecho correr ríos de tinta y suponemos que mucho sudor. Y mas aún cuando juntas al excéntrico y genial director danés Lars Von Trier con la islandesa más famosa del mundo; Björk, que de ser (o ir de especial) también sabe un rato largo. El caso es que la islandesa estuvo dudando hasta el final sobre si participar o pasar de Bailando en la oscuridad, un agrio y crítico musical sobre una inmigrante checa medio ciega que trabaja en Estados Unidos. Lars von Trier ya había demostrado con Rompiendo las olas que era capaz de dejar al espectador clavado en la butaca para tratar de digerir auténticos dramones... pero Björk era mucha Björk y si la peli iba a ser un musical, tenía que ser ella y no el director de la película quién controlara y diera el visto bueno a las escenas musicales. Lo cual puede tener su lógica, si no fuera porque este juego de poder estuvo a punto de desesperar a más de uno en el rodaje (al parecer a Björk no le importaba desaparecer alguna vez del set). Lo cuenta la propia Catherine Deneuve durante el diario que escribió en el deseperante rodaje y del que se publicaron algunos fragmentos en el diario inglés The Guardian:

12 de julio: Llego al estudio a las 8 a.m. Todo preparándose y llega la noticia de que Björk no viene. Quiere que se le conceda la última palabra en el montaje de los números musicales. Su agente le ha dicho que no aparezca hasta que todo eso se negocie. Qué absurdo. Ya hay 35 bailarines esperando [en el set]. Ella está acostumbrada a ser el centro de todo y de controlarlo todo. A las 11, vamos a la cafetería y estudiamos las opciones.

Lars aparece. Está preocupado, herido, harto y finalmente furioso. A posteriori, me parece que el conflicto se veía venir desde el principio: las dudas de Björk, su negativa a participar en la película durante un año, su aceptación final. Su música es maravillosa, tan original, pero ha tenido que aceptar compromisos demasiado duros para alguien acostumbrado a trabajar por su cuenta.

Finalmente Björk consiguió el control creativo de los números musicales (algunos tan geniales como éste) y pero acabaron por desquiciarse y odiarse mútuamente.

Desquiciadas también acabaron dos estrellas míticas entre las míticas del Hollywood clásico. Míticas y enemigas hasta la muerte, Bette Davis y Joan Crawford dedicaron buena parte de su carrera a dedicarse caricías tales como "no mearía en Joan Crawford ni aunque estuviera en llamas". Bette era una actriz de carácter, talentosa y alabada por la crítica mientras que Joan Crawford, que también tenía su genio, ejercía de megaestrella egomaníaca. Nadie, ni menos ellas, se atrevió a juntarlas en un plató. Hasta que ya alejadas de sus glory days Robert Aldrich decidió contratarlas para rodar ¿Qué fue de Baby Jane?, un drama acerca de una crecidita actriz infantil perdida en sus papeles de infancia a sus 40 y largos años y su odiada hermana, también actriz, pero que por contra vivel del éxito en el presente. El tiempo no aplacó el asco que se profesaban estas dos fieras y, en consecuencia, durante el rodaje se dedicaron a tocarse las narices mútuamente. Que el marido de Joan Crawford era un jefazo de Pepsi, pues Bette Davis se instalaba una máquina de Coca-Cola en el plató. Que Bette Davis hería de verdad a Crawford en una de las escenas, pues Joan Crawford se metía pesos por el vestido para ponerle las cosas difíciles a Davies cuando ésta la tuvo que arrastrar en una de las escenas del largometraje. Dicha escena, obviamente, tuvo que repetirse más de una vez porque Joan involutariamente abría los ojos o cometía, por así decirlo, algún que otro fallo imprevisto. La cara del equipo técnico ante tal espectáculo de odio a manos de dos señoras ya de cierta edad y en una etapa de sus vidas no muy buena de sus carreras, tuvo que ser un poema. Bette Davis fue nominada al Oscar a la mejor actriz por dicho papel (y que Joan Crawford había rechazador por considerar que el papel de Baby Jane era para feas). Cuando el presentador anunció el nombre de otra ganadora, Joan, quien también había ido a la ceremonia de los Oscar, mostró su alegría sin importarle absolutamente nada. Lo importante era que Bette había perdido.

Otros intérpretes complicados en muchos aspectos siempre fueron Marlon Brandon y Marilyn Monroe. Por el actor se peleaban los mejors directores para tenerlo en los proyectos más importante gracias a su calidad com intérprete, pero Brando pocas veces puso las cosas fáciles. Pasaba de aprenderse los guiones, se montaba juergas y, en defenitiva cualquier mujer era una buena excusa para olvidarse de cualquier rodaje. Tal y como señala La Voz de Galícia "Marlon Brando se superó a sí mismo en Rebelión a bordo (1962). Dos años de incidencias y desavenencias, un guión manipulado por varios escritores, cambios de director, tensiones entre los actores, ocho finales distintos y una inversión de 25 millones llevaron a la Metro al borde de la bancarrota.Sólo la coincidencia en el tiempo con Cleopatra la salvó de ser recordada como la película más cara de la historia del cine".

Por su parte, Marilyn Monroe era una toda una experta en hacerse esperar durante horas y horas antes de aparecer por el plató y en repetir una y otra vez escenas de lo más tontas. Aunque si hubo un rodaje duro para la actriz (y para todos los que participaron en él) fue en Misfits (Vidas Rebeldes), una de esas películas repleta de nombres que quitan el hipo. A saber; dirigida por John Houston, escrita por el prestigioso dramaturgo y por entonces marido de Marilyn, Arthur Miller, e interpretada por auténticas leyendas para cualquier cinéfilo como son Clark Gable, la propia Marilyn y el también excesivo Montgomery Clift. Durante aquel rodaje, nadie estaba ni en su sano juicio ni en su mejor momento. El matrimonio Miller estaba en crisis y hay quien quiso ver en esos personajes atormentados del moderno oeste un retrato de la actriz a manos de su ya desencantado marido. La rubia de oro efectivamente estaba cada día más insegura y tomaba más tranquilizantes, y eso significaba que las esperas se alargan y se alargaban minetras el pobre Clark Gable que ya no sabía que hacer. Había adelgazado 11 quilos para el papel y cada día (y durante 111 días) tenía que esperar a que alguno de sus compañeros dejara las drogas, o que Arthur Miller dejara de retocar cada noche el guión o que John Houston, el director, pusiera orden a todo aquel jaleo.

Pero poner orden era todavía mas difíil que rodar si la tercera estrella en discordia en medio de aquel desierto era el por entonces ya roto y alcoholizado ( y 4 veces nominado al Oscar) Montgomery Cliff. En un anterior rodaje el actor se había destrozado la cara, y además no tenía muy bien asumida su homosexualidad, así que se cada día más se abandonaba más y más a las drogas y al alcohol. Se hizo amigo de Marilyn, quizás porque era el único ser en peor estado mental y físico que él. Finalmente el rodaje pudo mas o menos terminarse aunque con una tremenda leyenda negra a sus espladas: antes de estrenarse tanto Marilyn, Clark Gable como Montgomery Clift habían muerto. Marilyn por la famosa sobredosis de pastillas, Gable 1 día después de terminar el rodaje por un ataque al corazón y Clift por un problema cardíaco.

Por si no fueran pocas tragedías algunos rodajes estuvieron a punto a acabar como el rosario del aurora. Rodando El árbol de la vida, el antrs citado actor Montgomery Clift se destrozó la cara en un accidente de tráfico y una vez recuperado tuvo que seguir con el rodaje aunque con otro rostro. Por su parte, Brandon Lee, hijo de Bruce Lee murió rodando El Cuervo tal y como su padre, Bruce Lee, había muerto en la ficción; de un disparo.

Sí, sí sí... porque no todo fue siempre coser y cantar; porque hasta Audrey Hepburn seguro que perdió los nervios y la compostura en algún rodaje; porque hasta un maniático controlador como Stanley Kubrick quizás vio como su plató se convertía en un caos. Lo cierto es que hay veces que 90 minutos de imágenes se conviertieron en toda una pesadilla durante meses de largo y agotador rodaje.

En ocasiones la causa del problema son, en cierto modo lógicas. Levantar una mega producción en color como Lo que el viento se llevó estaba claro que no iba a ser una tarea fácil. Y evidentemente no lo fue. Hasta cinco directores pasaron por el plató, cada uno cortando y pegando el trabajo de los demás; 1.400 actrices aspiraron al papel de Scarlet 0'Hara en interminables castings durante dos años hasta que al final (pero bastante al final) Vivien Leigh fue la escogida. Más de 4,25 millones de dólares de presupuesto de la época se invierton durante los 140 días en que duró el rodaje hasta conseguir una película faráonica, un clásico entre los clásicos. Y no contento con tantos tropiezos, esperas e impedimentos, el famoso "Francamente querida, me importa un bledo" estuvo a punto de ser censurado. Menos mal que al productor David O. Selznick no le importó soltar otro fajo más de billetes (ya había quemado 4 millones de dólares) con tal de sortear la censura y estrenar la cinta. Estaba convencido que su film sería un clásico imperecedero. Y con razón.

Está claro que rodajes tan excesivos no pueden reproducirse tan a la ligera en las alegres colinas de Hollywood, más si el que paga es un productor y la rentabilidad no está asegurada. Pero a veces las cosas se complican y lo que inicialmente tiene un presupuesto de 2 millones de dólares acaba costando la friolera de 44 millones de dólares. Hablamos claro que sí de Cleoptara con Liz Taylor a la cabeza. El tiempo ha acabado acusando a una excesiva improvisación durante el rodaje de tal despilfarre. Tanto el director como los actores se cambiaron a mitad del rodaje y, además, se tuvo que volver a empezar a filmar cuando el afamado director Joseph L. Mankiewich cogió las riendas y fue el único con el suficiente sentido común para señalar que Londres no era el lugar ideal para rodar una película sobre el viejo, caluroso y exótico Egipto. Está claro que los 250.000 dólares que se gastaban semanalmente en agua embotellada tampoco ayudaban a ahorrar, ni todo el lujo de los decorados, trajes y demás de la bella Cleopatra. Pero al contrario que con Lo que el viento se llevó, Cleopatra no fue un éxito y casi arruinó a la Twenty Century Fox.

Aunque para carreras suicidas la de Kevin Costner cuando levantó la futurista ciudadela de Waterworld en medio del mar en un alarde de ingeniería y demás efectos especiales para que sus hombres con branquias pudieran nadar con libertad. Muchos, todavía no se explican esos 25.000 millones de las antiguas pesetas.

"Todos los que han venido a Filipinas parecen estar experimentando algo que les afecta profundamente, cambiando su perspectiva sobre el mundo o sobre ellos mismos, lo mismo le ocurre a Willard en el transcurso de la película, desde luego a mi me está pasando algo y a Francis también." Eleanor Coppola.

Finalmente si hablamos de rodajes técnicamente complicados debemos señalar el cine bélico como uno de los géneros que más complicaciones puede conllevar para cualquier planificación o presupuesto. Que se lo digan a Francis Ford Coppola, quien tras más de 10 intentando adaptar la novela El corazón de la tinieblas, sólo consiguió el apoyo, la financiación y la energía necesaria para tal reto tras el éxito de El Padrino. El objetivo de Coppola era trasladar de la novela de Joseph Conrad a la guerra del Vietnam. Y desde luego el rodaje de Apocalypse Now en Filipinas fue una verdadera batalla contra los elementos. Para empezar, los actores se lo pusieron difícil al bueno de Coppola; Harvey Keitel, que intepretaba al capitán Willard, fue substuido a las dos semanas por Martin Sheen. Martin no solía beber pero el día de su cumpleaños lo celebró por todo lo alto. Esa fiesta quedó para la posteridad puesto que Coppola aprovechó para rodar la impactante escena inicial de la película. Poco después Sheen tuvo un ataque al corazón que casi acaba con su vida (incluso un cura llegó para administrarle la extrema unción) y estuvo varios meses apartado del rodaje. Por su parte, Marlon Brando hizo lo que se esperaba de Marlon Brando, ir a la suya. Llegó pesando casi 120 quilos y sin haberse preparado el personaje (y mucho menos leído el libro). Tras una dieta, empezó a preparar al enigmático Kurtz a conciencia hasta el punto de pasarse 3 días discutiendo con el pobre Coppola cómo había que enfocar el personaje.

Quien tan bien fue perdiendo quilos fueron Coppola y su mujer Eleanor. Todo eran problemas, cada noche se reescribía una y otra vez el guión y, por si fuera poco el ambiente de trabajo se iba volviendo cada vez más perturbador. “Al igual que el Capitán Willard, yo subía río arriba en una selva lejana, en busca de respuestas y una especie de catarsis. Hicimos ‘Apocalypse’ como los americanos hacían la guerra en Vietnam: éramos demasiados, teníamos demasiado dinero y demasiado equipo - y poco a poco nos volvimos locos.", reflexionó Coppola.

Por si fuera poco, el rodaje (y todo el equipo) corrió un serio peligro cuando les pilló el peor tifón en 40 años. El coproductor Gray Frederickson lo definió como “una lluvia tan intensa que no veías tu mano delante de la cara”. Quedaron destrozados casi todos los decorados hechos con tanto esmero por Dean Tavoularis así que tuvo que reconstruirlos. Además, el equipo tuvo que ser atendido en un hospital de Manila por desnutrición cuando a resultas del tifón se quedaron aislados.

Para acabar de rematar tal locura, el entonces presidente de Filipinas, Ferdinando Marcos, se llevaba a menudo los helicópteros y los pilotos del rodaje para luchar contra las fuerzas rebeldes que se oponían a su gobierno.

En total, Coppola utilizó 600.000 metros de película (370 horas) a lo largo de un rodaje de 238 días. El resultado fue más que brillante.

Canales, bicicletas, marihuana, prostitutas bajo las luces rojas ... sin duda, si alguien quiere montarse una buena fiesta en una ciudad realmente singular de Europa, Amsterdam es el lugar. Precisamente el libertinaje holandés daba más glamour todavia si cabe a uno de los primeros conciertos en Europa de los Gutter Twins, o lo que es lo mismo, la unión musical de dos viejos amigos como son Mark Lanegan y Greg Dulli. Dos tipos más que peculiares con un curriculum profesional marcado por la calidad, pero también por una trayectoria personal que se ha movido por zonas realmente oscuras. Quizás por eso se presentan como los gemelos del barrio bajo.

Mark Lanegan siempre ha sido el típico tío duro, alto y poco amigo de las conversas que uno imagina sentado en la esquina del bar, a las cuatro de la mañana, tomándose un whisky y apurando el último cigarro. Es su segundo paquete del día. Claro que su gesto serio y su voz profunda ayudan a mitificarlo como ese tipo extraño y misterioso que canta también y que vete a saber que se ha metido. Porque meter, se ha metido y su delator siempre ha sido su aspecto físcio. La suerte, claro está, no le sonrió tanto a nivel musical como a sus colegas de Seattle Kurt Cobain, Layne Stanley o Chris Cornell ya que pese a la calidad de su grupo de toda la vida, hablamos de Screaming Trees, nunca llegaron a despuntar a nivel comercial. Fueron lo que ahora se le llama un grupo de culto, un concepto que en el momento y más aun cuando te quedas sin discográfica, no te mola nada pero que con el tiempo no acaba por ser una mala etiqueta. En el caso de Lanegan, si hoy en día sigue girando y tiene cada vez más éxito es gracias a su extensa carrera en solitario (donde destaca su álbum Whisky for the Holy Ghost) y a sus colaboraciones ya que su voz de tabaco negro ha sonado en discos de Queens of the Stone Age, Isobell Campbell, Soulsavers y ahora junto su colega de barra Greg Dulli.

Un hombre como Greg Dulli que se presenta como un gentleman y al que le gusan las faldas más que a un tonto un lápiz sin duda debe ser un tipo con carisma. Como en el caso de Lanegan te lo imaginas en la barra de un bar fumando y viviendo como un cosaco. Pero al contrario que el arisco de Seattle, Dulli seguramente sería el ese tipo que se lleva a todas las nenas y que pone un buen disco de Soul para follar. Su banda Afghan Wings fue la primera banda de fuera de Seattle que fichó Sub Pop y cuando los grunges asaltaron la lista de éxitos, el bueno de Greg trató de quitarse de encima dicha etiqueta (que le pega más a Mark Lanegan) a base de cuidados vídeos, trajes caros y canciones sobre amores, desamores, sexo y alcohol, pero con el toque gentleman que siempre ha buscado este señor. Quizás, el poco éxito que los Afghan Wings lo llevó a juntarse en algún bar con Lanegan y no es de extrañar que ambos ahogaran sus penas en largas noches de excesos de todo tipo. A saber.

Lo cierto es que superando con más o menos gracia sus problemas personales, los gemelos tóxicos aparecieron la pequeña sala Melkweg (Via Láctea en holandés) con un disco muy disfrutable y de calidad bajo el brazo como es Saturnalia. "The Stations", la canción inaugural del disco fue la encargada de romper el silencio. O mejor dicho, la grave voz de Lanegan, que parece mejorar cada vez más a medida que pasa el tiempo, empezó a rugir tal y como lo hace él, aferrado perpetuamente al micrófono, con los ojos cerrados y vestido de riguroso negro. Pocos artistas consiguen tanta atención sin apenas pestañear. Greg Dulli, por supuesto elegantemente vestido, es el encargado de la parte "show" del concierto: baila, fuma sin parar, anima al público y da rienda suelta a esa vena loca suya que ha veces le da por enseñar. "God's Children" y "The Body" siguieron con el repaso al nuevo disco ( y que todavía no se ha publicado) hasta que sonó "Live With Me", un tema ya conocido y que ambos bordaron. Más si a continuación uno comprueba como Lanegan solventa con matestría un registro mucho más dulce que lo que en él suele ser habitual en "Seven Stories" y como ambos rematan con "Idle Hands", una de las mejores canciones del disco.

La recta final la marcaron temas nuevos como "Bete Noir" y la beatliana "I was in love with you" con Greg Dulli a los teclados o "Who will lead us?" o "Front Street", tiempo suficiente para ver a Greg Dulli cogiendo el micro y sentándose en un taburete al más puro estilo crooner o para comprobar que ambos se reparten el protagonismo, eso sí cada uno manteniendo su peculiar estilo.

Con el público en el bolsillo y con un concierto más eléctrico de lo que uno podría esperar, los bises fueron uno de los mejores momentos de la noche, en parte porque además de presentarnos su último disco, el dúo tambén decidió repasar algunos temas de sus respectivas carreras. "River Rise", "No Easy Action" y la cañera "Metamphetamine Blues" cayeron por parte de Lanegan, mientras que Dulli optó por tocar canciones de uno de sus proyectos musicales, los Twilight Singers. "King Only", la versión "Number 9" y "Papillion" contentaron a los fans dullinianos. Si a eso le añadimos que hacia el final de "Papillion" Mark Lanegan entonó aquello de "The hour is ending, can't you see/ There is no way now, to get free/ In the shadow of the season/ Without a reason, to carry on/ Without a reason, without a reason", o lo que es lo mismo, los primeros versos de "Shadow of the Season", una de las mejores canciones de Screaming Trees lo que obtenemos es una noche de muy buena música.

Hasta Mark Lanegan parecía contento.

Es difícil saber que se le pasaría por la cabeza a David Bowie cuando, tras lo éxitos de Ziggy Stardust and the Spiders from Mars y Station to Station, vivía base de cocaína y no pesaba más de 45 quilos. Bueno, en realidad, no es tan complicado. Probablemente su día a día consistía en levantarse a las 4 de la tarde con los ojos hundidos y la mirada clavada en el infinito. En lugar de un café, pedía "más" e iba y venía sin saber qué pasaba por la vida. Probablemente, pasaba de la vida. Y él sin enterarse.

En el mundo artístico se suele comentar que en estados graves de sufrimiento, locura, adición o depresión un artista puede sacar lo mejor de sí mismo. Los mitos y los ejemplos (salvando las distancias) están ahí: Van Gogh y su oreja, Rimbaud y sus poemas de Una temporada en el infierno; el film Vidas rebeldes, con dos atormentados actores como protagonistas (Montgomery Cliff y Marilyn Monroe) y un matrimonio a punto de romperse en el plató (el de la exuberante rubia de platino con el dramaturgo y guionista Arthur Miller); o el unplugged de Alice In Chains, donde pese a que Layne Stanley parecía más muerte que vivo, consiguieron grabar un directo realmente emocionante. Aunque a veces no hay final feliz. Ian Curtis, líder de Joy Division y que sufría graves problemas epilépticos, se ahorcó en la cocina de su casa mientras sonaba The Idiot de Iggy Pop.

Pero en el caso de Bowie sus 45 quilos de excesos no le pedían una obra de arte, le pedían una solución. Y para encontrarla el Duque Blanco se trasladó a Berlín atraído por el emergente kraut rock alemán. Iggy Pop le acompañaba, no en vano el chico de Detroit también necesitaba una solución a sus problemas con las drogas. El destino elegido por ambas estrellas del rock no fue fruto del azar: a mediados de los setenta la ciudad alemana era un emergente centro artístico bastante cool y moderno.

En Berlín, Bowie encontró mucho más que una cura. Se juntó con dos tipos talentosos como Toni Visconti y al ex-Roxy Music Brian y los tres empezaron a grabar y a producir un total de tres discos que poco tenían que ver con lo que hasta el momento habían hecho cada uno de ellos por separado. Las referencias al avant garde, el kraut rock alemán y la música electrónica del momento tomaron un mayor protagonismo. Y las canciones dejaron de ser perfectos singles glam-rock para dejar paso a canciones mucho más largas y elaboradas.

Fruto de este periodo, David Bowie grabó tres de sus mejores y más experimentales discos: el fascinante Low, el elaborado Heroes y el más flojo, Lodger. Además, el inglés produjo en apenas un año los dos primeros discos de Iggy Pop, los también exitosos The Idiot y Lust for Life. Quizás sea Low el disco más representativo de toda esta etapa de inspiración y de cierta trasgresión, ya que temas como la instrumental "Speed of life" o "Sound and Vision" representan a ese renacido Bowie berlinés: un tipo mucho más arty, más enigmático (la portada de Low es una de las carátulas más fascinantes de la música) y más centrado en la música.

Quién sabe que sería de Bowie si no se hubiera regresado a Europa. Probablemente hubiera seguido deprimido y colocado demasiado tiempo. O quizás, simplemente es mejor levantar el vuelo que tocar fondo. Aunque en el arte nunca se sabe.

1. DOWN -III

2. MANIC STREET PREACHERS: Send away the tigers. En el año de los regresos, los Manic Street Preachers también volvieron. Pero en su caso nose reajuntaron para hacer una mega gira de come- back tras un largo periodo de silencio. No. En su caso volvieron con un disco inspiradísimo en el que casi todas sus canciones son, por así decirlo, redondas, perfectas. Sin dudarlo, este es un disco de pop - rock de calidad y con temazos como "Indian Summer" o "The second great depression". Atrás queda cierto tono demasiado serio e incluso pomposo.

3. QUEENS OF THE STONE AGE: Era Vulgaris. Josh Homme y sus reinas hace tiempo que apuestan por cambiar en cada nuevo disco con el objetivo de evitarrepetir la misma fórmula. Tras el éxito de ese disco algo oscuro pero exitoso como fue Songs for the deaf, y después de publicar su obra más comercial (Lullabies to paralyze), Homme concebió un disco que pocos esperaban. Retorcido, contundente y poco accesible. Era Vulgaris requiere más de una escucha para desenmarañar cierta confusión incial (aunque temas como "Misfit Love" destacan a la primera). Pero una vez que entras incluso te alegras de que estos tipos sigan arriegando. Keepn on rollin premia a los chicos listos. El tour está a la vuelta de la esquina:

February, 14, 2008 - Rockstar Live, Bilbao, Spain
February, 15, 2008 - Riviera. Madrid, Spain
February, 16, 2008 - Razzmatazz, Barcelona, Spain

4. VIAJE A 800: Estampida de trombones. El stoner ha llegado a Algeciras. Y como debe ser, es decir,con contundencia, oscuridad y psicodelia. "Los ángeles que hay en mi piel", uno de los mejores singles del año y el primer tema del disco, es junto a "El amor es un perro del infierno" una buena muestra de la inspiración que Estampida de trombones. Claro que las influencias están claras, pero hay que tener calidad para marcarse un disco así y encima proponerse experimentar. Quizás esa sea la clave. Esperemos que sea el inicio de una más que notable carrera musical en continuo ascenso.

5. ARCADE FIRE: Neon Bible. Muchas listas van a encabezar los canadienses Arcade Fire con su segundo disco tras aquel exitoso Funeral. Y no es para menos, puesto que con Neon Bible el grupo ha conseguido potenciar sus canciones, aparentemente sencillas ymuy distintivas, crezcan en parte por la gran labor de producción. Sobresalen la inicial "Black Mirror", "No cars go" y "Keep the cars running".Sin embargo lo mejor de este dico es lo bien que suena en directo gracias a ese sonido que consiguen los 10 músicos sobre el escenario (nno es para menos). Así lo demostraron el Summercase donde fueron los grandes triunfadores.

6. SOULSAVERS: It's Not How Far You Fall, It's the Way You Land. Ni idea de quiénes eran Soulsavers hastaque un tipo que debe fumar dos paquetes de cigarros al día,que se debe un whisky cada media noche (o eso nos gusta presuponer a los mitómanos de estos músicos canallas hasta el amancer) y que cada vez se acerca más a lasprofudidades vocalesde Tom Waits o Leonard Cohen decidió tomar cartas en el asunto. Ése adicto a la nicotina no es otro que Mark Lanegan. Si no lo conocen, ya va siendo hora, escuchen éste disco. Porque los que ya lo conocemos nos hemos deletiado con canciones nuevas que suenan a viejo, a rock, a soul, amuchas cosas a la vez pero que por encima de todo están más que bien paridas."Revival" es el single del año. "Kingdoms of rain" también podría serlo. Su concierto en Barcelona, un muy buen recuerdo.

7. RADIOHEAD: In Rainbows. Lanzados a la cabeza de iniciativas que buscan superar la crisis de la industria musical con nuevas ideas (en su caso, colgando su último disco en internet y dejando que sus fans pagasen lo que consideraran y que por cierto, con una media de 14 euros y más de un millón de descargas,no es que hayan salido perdiendo), In Rainbows, en lo musical, tampoco se ha quedado atrás. Menos experimental que otras obras, más directo y con buenas canciones, este dobl disco (aparte de la descarga gratis de su disco) los ha vuelto a situar en los más comentado y escuchado del año.

8. MINISTRY: The Last Sucker. El último disco de Ministry, literalmente, ha sido el punto y final a una larga carrera de metal industrial llena de sombras y claros. Bien es cierto que los últimos tiempos han estado marcados por más claros que sombras gracias al particular odio que el grupo siente hacie George Bush (hijo) y que parece haber reactivado su furia, sus ganas y su inspiración. The Last Sucker sigue con su contundencia habitual a un buen nivel y además añade algún que otro experimento como es la versión más bizarra que se ha hecho hasta el momento de "Roadhouse Blues" de The Doors. Bye, bye

9. NINE INCH NAILS: Year Zero. Trent Reznor deció plantear un punto y aparte con este disco. Y se creó la controversia: muchos de sus fans odian Year Zero, otros lo aman y a unos terceros se nos indigesta a partir de la séptima canción. Debe ser muy duro reinventarse constantemente pero al menos NIN lo han intendado aunque el resultado sea menos genial de lo que éste hombre nos tiene acostumbrados. O nos tenía. No obstante, NIN se han marcado una buena gira que nos dejó un muy buen concierto en Barcelona y Trent ha decidido posicionarse en el bando de los artistas que buscan alternativas gracias a internet. Veremos que pasa.

10. GRINDERMAN: Grinderman. Este año Nick Cave decidió juntarse con algunos de los miembros de sus inseparables Bad Seeds y el resultado fue un disco algo más rockero, más blues y más garajero y con el inconfundible estilo del australiano. Al tratarse de uan versión reducida de los Bad Seeds puede que muchos se depcionen si esperan encontrar a un Nick Cave en un proyecto paralelo musical muy diferente. Pero de lo que no hay duda es de que este hombre saber poner este punto de misterior y de oscuridad sin convertise en un jevi de manual.

La película que ha arrasado en los cines este invierno tan sólo ha costado, en lo material, 1,5 millones de euros, una grabación a base de cámaras digitales y móviles de alta definición y un plató situado en un edificio antiguo en el número 34 de la Rambla de Catalunya, en Barcelona. El resultado ha superado las expectativas desde que sus directores Jaume Balagueró yPaco Plaza arrasaran tanto en con premios como en aplausos del público en el último Festival de Cinede Catalunya (o Festival de Sitges, como se conocepopularmente al certámen). La comparación con films de desorbitado presupuesto y escaso éxito es demasiado obvia. La bruja de Blair ya había demostrado que para provocar miedo y tener repercusión mediática a veces es más importante el ingenio que un abultado talonario.

Pero lo cierto es que en REC la sencillez es la clave del éxito. El argumento es simple: una joven periodista de una cadena local que graba un reportaje en una central de bomberos y que acude junto a ellos a un aviso en un misterioso piso de Barcelona. La realización es efectiva y sin excentricidades; grabamos formato digital y concámara en mano y metemos a los actores en un piso sin decirles lo que va a succeder. De acuerdo que Balagueró y Plaza no han descubierto nada ya que el falso documental (con entrevistas includias) está a la orden del día. Pero es un recurso que sigue funcionando a la perfección. Por último, el reparto apuesta por acercarse al máximo a la realidad; de hecho, la única cara conocida es Manuela Velasco, una chica que hasta hace dos días se encargaba de presentar supermona videoclips de 40TV.

Si a esta buscada cotidianiedad le añades ritmo, misterio y unos vecinos estrambóticamente convencionales (una pareja de ancianos que no se enteran; el típico "rarito de mamá"; unos chinos con un taller de costura en el sótano del edificio y unos policías más empeñados en demostrar quien manda que en actuar) tenemos una película de miedo consistente, correcta y que puede mirarde frente a otras propuestas del género, y que supera a las sobadísimas secuelas de"Se lo que hiciesteis el último verano..." y a la media de comedias españolas de argumento más que nefasto.

Sin embargo, tantos elogios no acaban de hacer justicia a REC ya que, si uno espera encontrarse con el film de terror definitivo, puede llevarse un pequeño chasco. Lo último de Balagueró y Plaza es un film entretendido y con pulso pero el guión quizás peca de querer crear muchas expectativas y deja demasiados hilos por coser.

[SPOILER] ¿Por qué se habla tanto del abuelo chino enfermo si no sale? ¿Por qué no se nos explica más exhaustivamente cómo se produce el contagio de la Niña de Madeirosal perro? [FIN DEL SPOILER]

A pesar de estos detalles, lo cierto es que REC vale la pena por su ritmo y especialmente por su última media hora final, la más terrorífica y en la que el peculiar actor Javier Botet y un gran equipo de profesionales consiguen dejar a más de uno helado en su butaca. Por cierto, que el edificio donde se grabó REC es el edificio más popular de Barcelona.

Fecha: 22 de Noviembre
Lugar: Pavelló Olímpic de Badalona (Barcelona)

Un cartel así apenas hubiese provocado dudas hace unos años. Tanto Turbonegro como Marilyn Manson entienden que el rock’n’roll debe ir de la mano de la Srta. Teatralidad y de la gran dama Espectáculo. Sin embargo, pasado los quince minutos de fama del egocéntrico factor Sorpresa, el show acabó por convertirse en una repetición de algo que ya no era impactante y que, más acusado y grave en el caso del Reverendo, cojeaba por la falta de la deseada Creatividad.

Sin embargo la noche acabó dejando un grato recuerdo. De acuerdo que Turbonegro son un grupo ideal para ver en un club respaldados por los fieles seguidores de la Turbojend, su club de fans. Pero los nórdicos supieron jugar en campo contrario y que, en este caso, estaba mayoritariamente compuesto por fans adolescentes amantes del rimel de Marilyn Manson y sus lacayos del infierno. Con Von Helvete a la cabeza y con Pamparius más recogidito, Turbonegro repasaron algunos de sus mítico himnos punk rock – glam como “I got Erection” o “The Age of Pamparius”. Y por supuesto tocaron temas de su último disco Retox. Y pese a que consiguieron animar a más de una goticolocaza, uno se quedó con ganas de degustar su particular fiesta en familia.

Estaba claro que la estrella de la noche sigue siendo un tipo que ya no es lo que era a pesar de lo que piensen sus jóvenes fans. Sin rabia y más atento en la golosa Fama, Manson ofreció un show bastante correcto, más de lo que cabría esperar, pese a Eat me drink me apenas aporte novedades (excepto por el gusto por los medios tiempos oscuros) y sin que su carisma esté a la altura de aquel tipo que atemorizó a los padres y fascinó a los hijos.

En apenas hora y cuarto la banda tiró de canciones nuevas (“If I was your vampire” o “Heart Shapper Glasse”) pero sobretodo de hits ante el deleite de unos de los públicos más agradecidos que un artista puede tener; de ese tipo fans que reconocen todas y cada unas de las canciones y que celebra las primeras estrofas de “Rock is dead” o “The Fight song” con un caluroso y animoso salto colectivo y que duraría hasta el final.

El punto final de la obra rockera estuvo marcada por el guiño cariñoso y con el estilo que el grupo hizo de épocas más excitantes. Tras “The Reflecting Good”, unos de los mejores temas del grupo, Marilyn Manson volvió a sacar su púlpito de agitar las masas en “Antichrist Superstar” y se explayó con su retahíla de gestos y pantomimas políticas. El final, con la inevitable “The Beatiful People”, dejó claro que sus shows todavía son agradecidos. Llamen a la Srta. Diversión, sin más.

Set list Marilyn Manson: If I Was Your Vampire / Disposable Teens / mOBSCENE / Tourniquet / Irresponsible Hate Anthem / Are You The Rabbit? / Sweet Dreams / Lunchbox (Medley) / The Fight Song / Putting Holes in Happiness / Heart-Shaped Glasse / The Dope Show / Rock Is Dead / The Reflecting God / Antichrist Superstar / The Beautiful People

Nada mejor que tomar aire y escribir sobre música para superarse del estrés y de la hiperactividad...

BETTY BLOWTHORCH -ARE YOU MAN ENOUGH?. Sus referencias están claras. La voz de Bianca Butthole lo dice en "Big Hair, Broken Heart": Guns N' Roses, L.A., Motley Crüe, el whisky y, en definitiva, el rock angelino, ése en el que los tatuajes, la diversión, el alcohol y el rock'n'roll más fiestero reinan, son su razón de ser. Y como es obvio, en Are you man enough? encontramos canciones al más puro estilo angelino y que tantas y tantas bandas han hecho y siguen haciendo. La diferencia es que Betty Blowtorch consiguieron crear auténticos hits como "I wanna be your sucker" o la divertida "Love/Hate" en un disco que suena 100% rock attiude y que seguro que hubiera cosechado un gran éxito si su carismática líder Bianca Butthole no hubiera muerto en un accidente de tráfico tras acabar de grabar el álbum. Una lástima, porque sabían bastante de lo que significa tener actitud.

THE CURE - GREATEST HITS. La sencillez de las versiones acústicas de éxitos como"Boys Dont' Cry" o "Love song" permiten certificar que la gracia de The Cure no radica tanto en ese oscuro maquillaje (que también, el cardado de Robert Smith y su rimmel son marca de la casa)como en saber combinar canciones simples con ese regusto gótico sin demasiadas extravagancias (que no hablamos de Lordi, precisamente). Y este Greatest Hits, precisamente, vale la pena por eso además de ser una estupenda manera de calentar motores para su gira por Spain en abril.

DOWN - OVER THE UNDER. Déjemonos de tonterías y cojamos de vez en cuando uno de esos discos lleno de ruidaco denso e ideal para mover la cabeza y hacer air guitar. Tras un largo periodo sin editar ningún disco, la superbanda de Nueva Orleans integrada porPepper Keenande Corrosion of conformityy el impredecible Phil Anselmo (ex- Pantera, ni más ni menos) vuelven con unálbum espléndido y capaz de convencer hasta a los que no somos demasiado amantes del metal más duro.Porque en Over the under hay ruido, sí, pero también grandes melodías, buenas guitarras y un cantante en pleno estado de gracia. Y eso que Phil Anselmo, cuando canta en lugar de berrear,siempre ha tenido en su garganta todo un potencial, pero en Over the under su voz tiene un protagonismo muy destacado en piezas como esa inicial "Three stars and one sun" o "Nothing in return". Altamente recomendable.

RADIOHEAD - IN RAINBOWS. Tras el éxito de ofrecer sus fans este nuevo In Rainbows por internet, sin contar con su discográfica,y al precio que sus lealesseguidores desearanRadiohead han conseguido poner su nueba obra en boca todos. ¿El resultado? En lo comercial, han demostrado que existen alternativas más allá de las guerra entre usuarios- discográficas y sociedades generales de autores. Claro, queellos eran Radiohead y ya tenían un nombre. Enlo musical, el grupo sigue apostando por combinar temás con garra como esa espectacular "Bodysnatchers" con canciones más pausadas y que, como ya es habitual,podrían servir de banda sonora para cualquier película del estilo futurista - pesimista como ese íntima "Nude" o "All I need".La novedad radica en que el grupo parece haberse alejado de experimentos sonoros para centrarse en ofrecer un disco más compacto. Por cierto, el grupo ha anunciado una gira Europea que incluye Barcelona. Falta determinar la fecha.

NEIL YOUNG - ON THE BEACH.Cuando un artista posee tantos discos, tantas etapas musicales y tantas canciones fundamentales comoBob Dylan o Neil Young, la pereza o el no saber por donde empezar pueden suponer un obstáculo. En el caso de Bob Dylan, todavía no he superado esa barrera incial. Con Young, puse más voluntad y, antes de que On the beach cayera en mis manos, lo había intentado con su última obra Living at war y con After the Gold Rush sin demasiado éxito. No hubo nada que me enganchara, nada más el nombre del artista. Sin embargo, conOn the beach la cosa cambió. La melancolía y la tristeza que, sin abusar del color negro y abrazando el blue, desprenden las ocho canciones de este gran disco me atraparon, literalmente,al instante. Pese a que en el disco encontremos canciones llenas de fuerza como la inicial "Walk on",son temascomo esa triste "On the beach" ("Thought my problems are meaningless, that don't make them go away") ese estupendo punto final con "Ambulance blues" las que realmente resumen a la perfección el sentimiento y el significado de esta gran joya.

NINE INCH NAILS - THE DOWNWARD SPIRAL. Recuperar este disco una fría tarde de invierno nunca está de más. Y esta vez, en lugar de centrarse en escuchar esos hits industriales del calibre de "Marcho of the pigs" o "Closer" uno podría acercarse al lado más conceptual del disco. Porque de ser así, uno se puede maravillar de la manera con la que Trent Reznor consiguió crear, en boca de Lou Reed, "la banda sonora de un cuadro de Pollock" gracias a esa repetición de melodías, pasajes, sonidos y conceptos ("nothing can stop me now") a lo largo de las 11 canciones que componen uno de los discos más originales que dio la década de los noventa.Es que de hecho, la calidad deThe Downward Spiral radica en ese "todo" sonoro.

No es broma. La plaza George Orwell de Barcelona está situada en el centro de la ciudad, en la zona baja de Las Ramblas. Tanto la plaza como sus alrededores, especialmente la calle Escudellers, paso obligado para volver al famoso paseo, son conocidos entre los barceloneses por su peculiar ambiente. Poco podemos observar de la Barcelona fashion y moderna que se proyecta al mundo. Más bien al contrario: lateros, prostitutas, okupas y cada vez más guiris y jóvenes invaden día y noche la zona. Tan peculiar ambiente acabó por bautizar el homenaje urbano al escritor y periodista inglés como "la plaza del Tripi". Las autoridades municipales decidieron controlar la zona con cámaras de vigilancia y la policía pasea a menudo los coches patrulla con un resultado, a primera vista, más bien discreto. Los punkis siguen visitando a George Orwell. Sin embargo, pocas cosas resumen tan bien el mensaje de la obra cumbre de Orwell, 1984, como esa advertencia municipal ilustrada con una cámara de vigilancia.

Que 1984 es una de las obras más influyentes y visionarias del siglo XX es indiscutible. Puede que la obra de Orwell comparta dicho honor junto con el psicoanalismo de Freud, La Metaforfosis de Kafka o los 15 minutos de fama de Andy Warhol. Este alegato anticomunista, antiestalinista y antifascista que Orwell escribió después de luchar en la Guerra Civil Española en las filas del POUM consiguió un doble mérito que pocas obras pueden alcanzar.

En primer lugar, 1984 describió con especial crudeza y delicado detallismo la censura y la represión de una etapa histórica dominada en Europa por el totalitarismo tanto de izquierdas como de derechas. Una etapa en la que la historia de reescribía a base de guerras, genocidios de censura y que Orwell retrató sin necesidad de convertir su obra en un relato repleto de sangre y escenas violentas. No lo necesitaba. La represión, la sensación de impotencia y la pasmosa falta de libertad de la sociedad controlada en todos los aspecto por el Gran Hermano, símbolo del comandante en jefe convertido en Dios y juez, son de una brutalidad lo suficientemente descriptiva por sí misma incluso cuando el Gran Hermano no vigila ("a los proles se les permite la libertad intelectual porque no tienen intelecto alguno").

Por otra parte, la otra virtud de 1984 es su actualidad. Hoy en día cuando la globalización ha rentabilizado una determinada cultura y la ha convertido en un fenómeno global; cuando el poder parece estar escondido en la ubicuidad de las sedes de las grandes multinacionales (que ya representan dos tercios del comercio mundial según el observatorio DESC) y cuando los medios de comunicación tiene el mayor poder que han tenido en su historia (y que no es otro que el de convertir un suceso local en un fenómeno global), 1984 también puede convertirse en una lectura crítica del presente. O es que, por poner un ejemplo, ¿Es muy retorcido entenderla expansión del inglés (o el chino si no fuera tan difícil) como una nueva neolengua? ¿Acaso eldesconcierto y el miedo deWinston Smith, el funcionario que trabaja reinventando la historia para el Ministerio de la Verdad, noson demasiado reales?

Afuera, incluso a través de los ventanales cerrados, el mundo parecía frío. Calle abajo se formaban pequeños torbellinos de viento y polvo; los papeles rotos subían en espirales y, aunque el sol lucía y el cielo estaba intensamente azul, nada parecía tener color a no ser los carteles pegados por todas partes. La cara de los bigotes negros miraba desde todas las esquinas que dominaban la circulación. En la casa de enfrente había uno de estos cartelones. EL GRAN HERMANO TE VIGILA, decían las grandes letras, mientras los sombríos ojos miraban fijamente a los de Winston. En la calle, en línea vertical con aquél, había otro cartel roto por un pico, que flameaba espasmódicamente azotado por el viento, descubriendo y cubriendo alternativamente una sola palabra: INGSOC. A lo lejos, un autogiro pasaba entre los tejados, se quedaba un instante colgado en el aire y luego se lanzaba otra vez en un vuelo curvo. Era de la patrulla de policía encargada de vigilar a la gente a través de los balcones y ventanas. Sin embargo, las patrullas eran lo de menos. Lo que importaba verdaderamente era la Policía del Pensamiento.

Gira por más de de 10 países en varios continentes, reediciones de discos en el diario más leído de España, entrevistas, vídeos, conciertos para más de 60.000 personas, entradas que se agotan en apenas unas horas, cajeros colapsados ante la avalancha de fans en busca de una entrada a medianoche... Todo esto y más ha sido la vuelta de HÉROES DEL SILENCIO tras diez años de separación. Todo esto y más, mucha más promoción, para que al final 3 horas de concierto acaben por recordar que en el fondo, lo que realmente importa (o debería importar), es la música.

El concierto de Valencia se presentaba como el más masivo: 80.000 personas compraron religiosamente su entrada para asistir al último concierto de la gira de re-despedida de Bunbury & Co. en el parquing del Circuito Ricardo Tormo en Cheste, Valencia. Y si las cifras asustaban, la realidad acabó por convertirse en larga pesadilla para muchos. Perohemos dicho que lo importante era la música.

En lo musical sonaron casi perfectos. Cada uno por su lado, sin apenas interacturar entre ellos, pero con buen sonido. Aunque lo más claro quedó, aparte de la frialdad sobre el escenario, es que Bunbury es esl alma del grupo. Pese a ser uno de los cantantes que más odio pueden levantar entre los detractores del grupo, Héroes en directo serían mucho menos impactantes si Bunbury tuviera un papel más discreto. Afortunadamente para esta gira, Enrique recuperó sus poses más rockeras y no paró de moverse sobre el escenario como un auténtico rock-showman. Los problemas de voz en Zaragoza quedaron atrás puesto que en Valencia desmotró su valía.

Lástima que la mayoría del público tuviera que seguir el concierto por las pantallas de televisión. Sin gradas, (a nadie se le ocurrió pensar en Mestalla?), el público se aferraba a su metro cuadrado con uñas y dientes y sin moverse ni un milímetro ni para aplaudir. Como si estuvieran viendo una película. Algo impesable en un concierto de rock, señores. Los DVD existen y se ven muy cómodamente desde el salón de casa. La próxima vez, háganos un favor a los que queremos sentir de cerca la música.

En cuanto al repertorio, Héroes decidieron apostar por un set-list bastante atrevido en el que primaron las canciones de El mar no cesa frente a otras más míticas como "Flor de Loto". Sin embargo, esto no impidió que, al menos, una servidora se emocionara durante "Apuesta por el rok'n'roll" y "Héroe de leyenda". Los recueros y esas cosas, que para eso han vuelto. Muy destacables también fueron "Opio" y esas dos magníficas composiciones de Avalancha (su mejor disco) como "La chispa adecuada" y la última canción de la noche,"En los brazos de la fiebre", con únicamente Bunbury y Valdivia sobre el escenario. ¿Punto final? Apuesto que sí.

Lo que vino después fue el caos hecho asfalto. Miles de personas encalladas durante varias horas en los párquings y sin poder salir del recinto. Ni organización, ni policía, ni información. Una lástima, porque para muchos el recuerdo quizás quede empañado por el monumental atasco. Muchos ni tan siquiero llegaron a ver el concierto. Se quedaron en la cuneta esperando a poder entrar al recinto.

Set list: Song to the siren, El estanque, Deshacer el mundo, Mar adentro, La Carta, Agosto, Sirena varada, Opio, La herida, Despertar, Apuesta por el r’n’r, Heróe de Leyenda, Con nombre de guerra, No más lagrimas, Nuestros nombres, El Mar no cesa, Entre dos tierras, Maldito duende, Iberia sumergida, Avlancha
bis 1
Bendecida, Tumbas de sal, Oración
bis 2
Tesoro, Fuente esperanza, La chispa adecuada
bis 3
Malas intenciones, En brazos de la fiebre.

Lugar: Razzmatazz
Fecha: 10/10/07

Una tarde fría y de abundante lluvia otoñal quiso aportar su particular pincelada a la propuesta intimista de la gira de presentación del WINTERCASE 07. No en vano, pocas cosas sientan tan bien como ponerse a cobijo de la lluvia en compañía de buena música. Aunque esa misma agua te impida asistir al concierto de MISHIMA, los primeros en pisar el escenario de una Razzmatazz con más de media entrada.

SPIRITUALIZED tomaron el relevo y llenaron el escenario con una puesta en escena que presentaba a más de 10 músicos entre violinistas, guitarras y coristasy que tenía como objetivo presentar un show acústico de calidad. Lástima que el público pareciera más interesado por hablar del tiempo (nunca mejor dicho) con un cubata en la mano que de prestar atención y mantener un poco de silencio. Pero SPIRITUALIZED lejos de achantarse siguieron adelante y hasta regalaron una coreada "Happy Day" que dejó un buen sabor de boca aunque poco más porque el formato acústico acabó por porovocar cierta indiferencia. Quizás no fuese el show más adecuado para un festival. O al menos para el público asistente.

Soulsavers y Mark Lanegan en el Rocksilde

Bastante más acertados se presentaron SOULSAVERS.Su último disco "It's Not How Far You Fall It's The Way You Land" ha conseguido llamar la atención gracias a esa mezcla de sonido añejo y nuevo, o lo que es lo mismo, gracias a esa combinación entre elsoul y la electrónica. Aunque no nos engañemos. El principal reclamo tanto del disco como de sus directos consiste en escuchar la oscura y profunda voz de MARK LANEGAN (voz de Screaming Trees, colaborador en todos los discos de Quens of the Stone Age y ahora partícipe del último disco de Soulsavers) bordando temas como "Kingdom of Nothing" o "Revival".

Famoso porsu caráter reservado y huraño, MARK LANEGAN apareció tras los acordes de "Ask the dust" fiel a sí mismo. Vestido de negro, apenas saludó. Simplemente cerró los ojos (que casi no abrió hasta el final) y se agarró al microfóno al mismo tiempo que se dejaba llevar por canciones como "No expectations" o "Ghost of you and me". Y el resultado fue, como era de esperar, de gran calidad. Porque en su caso es una hecho; con el paso del tiempo, con cada nuevo pitillo y con cada trago de whisky su voz profunda y misteriosa, curtida en mil sustancias, mejora. Pese a reuir el protagonismo, no hay duda de que él fue el gran protagonista y que su voz mejora las buenas canciones de los SOULSAVERS. Por si a alguien se le escapa, pocos intérpretes sobresalen tanto sin más necesidad que la de cantar. Y aunque él se despidiera con un medio gruñido, nosotros le aplaudimos.

"Kingdom of Rain", una estupenda "Jesus of Nothing" y "Spiritual" fueron algunas de las canciones que más sobresalieron de un concierto en el que pudimos oir casi al completo los temas de "It's Not How Far You Fall It's The Way You Land". "Revival", con Mark cantando eso que que quiere ser salvado en la que es la mejor canción del disco, puso el punto y final a la actuación de Lanega. SOULSAVERS siguieron con un par de temas en los que las coristas fueron las protagonistas. Y coo suele ocurrir cuando una corista canta soul también demostraron su valía. Lástima que todo fuera tan corto.