Caspar David Friedrich

Décima segunda entrega de 1artista, 1semana con Caspar David Friedrich.

Friedrich es un pintor alemán nacido en 1774. Fue uno de los pintores más representativos del Romanticismo (primera mitad del S.XIX).

En su época, Friedrich era uno de los personajes más importantes dentro del movimiento romántico alemán. Comenzó dibujando paisajes y escenas naturales, pero a partir de 1807 se pasó al óleo pintando escenas alegóricas, con un trasfondo romántico.

Su estilo es el máximo exponente del pensamiento y estética románticos: paisajes aislados, nocturnos y agrestes, y en multitud de ocasiones aparencen ruinas medievales; que representan la soledad, la tragedia y la crisis existencial.

Algunas de sus obras más características son (por orden cronológico y de colocación): La cruz de las montañas; Abadía en el encinar; El Trotamundos sobre el Mar de Neblinas; Rocas cretáceas en Rügen; El árbol con cuervos; La fuerza de la naturaleza, el mar polar; Mañana de Pascua (Museo Thyssen);y Barco de pesca entre dos rocas en una playa del Mar Báltico (Museo Thyssen).

Los títulos de sus obras describen el estilo poético y trágico romántico. Friedrich fue una pieza clave para entender el pensamiento romántico en el arte. En España, podemos observar en el Museo Thyssen obras del artista.

servido por rothko 7 comentarios compártelo favorito

René Magritte

Nueva entrega de 1artista, 1semana con el pintor René Magritte.

Magritte nació en Bélgica en 1898. Pasó a la historia como uno de los pintores surrealistas más importantes del mundo con Dalí y Ernst. El Surrealismo es una de las vanguardias artísticas de la primera mitad del s.XX en Europa.

Su estilo consiste en la representación de figuras de un realismo increíble y una técnica muy minuciosa en contextos poco corrientes, creando situaciones sin sentido. A esto se le llamó realismo mágico. Por ello es común encontrar en las obras de Magritte trenes voladores, objetos gigantes o una lluvia de hombres. La ilusión óptica es empleada en muchos de sus cuadros.

Algunas de sus obras más importantes y que mejor definen su estilo son (por orden): Madame Recaumier de David (basada en la obra de David [foto]), Los amantes, El falso espejo (MoMA), La violación, La duración apuñalada, La llave de los campos (Museo Thyssen), La gran familia, y La gran guerra.

Los títulos de las obras de Magritte hacen que éstas cobren un significado filosófico o simbólico, aunque en muchos casos forma parte del proceso surrealista.

En España podemos encontrar un cuadro de este artista en el Museo Thyssen, aunque su obra está repartida por multitud de colecciones privadas y museos desde Japón a Suíza.

servido por rothko 22 comentarios compártelo favorito

Jackson Pollock

Décima entrega de 1artista, 1semana. Hoy, el controvertido y transgresor Jackson Pollock.

Pollock es un pintor estadounidense nacido en 1912. Fue uno de los pintores más importantes del Expresionismo Abstracto, un estilo surgido en EE.UU en la 2ª mitad del s.XX.

Comenzó su carrera en Nueva York, cuna del arte de la 2ª mitad del siglo XX. Sus primera obras estaban influidas por el surrealismo pero su estilo estaba más bien encaminado hacia la abstracción. Peggy Guggenheim se interesó por su obra y contribuyó en su éxito inicial. Destacan de esta etapa obras como (por orden): La mujer luna; Figura estenográfica, o La llave.

Pero sería a partir del 1947 cuando Pollock desarrolla su técnica del dripping y con ella el reconocimiento. El dripping consiste en dejar caer la pintura en finos chorros sobre el lienzo sin tensar apoyado en el suelo (fotos inferiores). Así se consigue una pintura fruto del azar, por eso se bautizó también su técnica como action painting, ya que era una pintura de acción, sin premeditación.

El desarrollo del dripping y la técnica de Pollock contribuyen al nacimiento de un nuevo estilo, el Expresionismo Abstracto. Otros pintores expresionistas abstractos fueron Rothko, de Kooning o Gorki. Éstos adoptaron el action painting pero no el dripping, es decir, no utilizaban la técnica de Pollock. Las obras de este estilo suelen ser de gran tamaño.

Algunas de las obras de goteo de Pollock encontramos (por orden): Lavender Mist; Number 8; Full fathom 5; Marrón y Plata (Museo Thyssen); Cathedral o Greyed Rainbow. Las últimas utilizan los colores blanco y negro.

Pollock era un personaje peculiar. Alcohólico, fiestero, mujeriego e incluso violento, lo cual reflejó en lo expresionista de sus obras. En el año 2000, se realizó una película sobre su vida, interpretada por Ed Harris.

servido por rothko 20 comentarios compártelo favorito

Rafael Moneo

Novena entrega ya de 1artista, 1semana. En esta ocasión, el arquitecto Rafael Moneo.

Rafael Moneo es un arquitecto español nacido en Tudela (Navarra) en 1937. En la actualidad, es uno de los arquitectos más importantes del mundo.

Comenzó trabajando en los años 60 con el prestigioso arquitecto Jorn Utzon, creador de la ópera de Sydney (foto). Más tarde comenzó a impartir clases en Barcelona, labor que prosiguió en universidades como Harvard, de Lausanne o Princeton.

Rafael Moneo posee un estilo propio que plasma siempre en sus obras, es un arquitecto influenciado por la arquitectura española. Sus obras suelen ser bajas y constar de techos y suelos a diferentes niveles. Suelen tratarse de espacios cuadrangulares y rectos y de baja altura. Por último, emplea casi siempre el ladrillo, y el color del barro predomina en sus construcciones.

Entre sus obras destacan (por orden): el Museo Romano de Mérida; la ampliación del Aeropuerto de Sevilla; la remodelación de la estación de Atocha de Madrid; la Kursaal de San Sebastián; la Catedral de Los Ángeles y el Archivo General de Navarra.

Recientemente, ha diseñado la ampliación del Museo del Prado, que será la reforma más grande jamás sufrida por el museo. Supondrá un gran cambio para la pinacoteca añadiendo a ésta más edificios que estarán conectados bajo tierra, como el ya famoso Cubo de Moneo. Los plazos de finalización de la obra se han ido postponiendo y se dice que para finales de año estará lista (proyecto).

En 1996, Rafael Moneo recibió el premio Pritzker, que es el galardón de arquitectura más importante del mundo. Sin duda, un gran artista, que sabe integrar sus obras con el entorno artístico y cultural.

servido por rothko 9 comentarios compártelo favorito

Fra Angelico

La octava entrega de 1artista, 1semana llega con el pintor Fra Angelico.

Fra Angelico es un pintor italiano nacido en Toscana en 1395. Pertenece a los comienzos del Renacimiento en Italia, el Quattrocento, siglo XV.

Fra Angelico combinó la vida de fraile dominico con la de pintor. Es por ello que toda su obra trata la temática religiosa. Como artista del Quattrocento, fue de los primeros pintores en experimentar con la perspectiva en sus cuadros, creando espacio y jugando con la luz, aunque aún muy primitivos todos estos elementos.

Su carrera comienza en 1425 cuando se hace fraile. Esos primeros años de carrera los pasó en el convento de San Marcos de Florencia (foto), dónde pintó varios frescos. Ésta fue su etapa más productiva, pintando la mayoría de los óleos que se conservan. Desde 1445 hasta su muerte en 1455 estuvo en el Vaticano a petición del Papa.

Entre sus obras destacan (por orden): La Virgen de la Estrella, Cristo en la Gloria rodeado de Santos y de Ángeles (National Gallery), La Coronación de la Virgen, La Virgen de la Humildad (Colección Thyssen); y los frescos de la Crucifixión y la Transificación del convento de San Marcos.

Pero si hay que destacar alguna obra maestra de Fra Angelico, ésta es sin duda La Anunciación. Existen varias versiones, pero la más importante es la conservada en el Museo del Prado de Madrid (foto). Los arcos y columnas recuerdan al convento de San Marcos:

Gracias a pintores como Fra Angelico, la pintura comenzó a evolucionar. Sin duda, uno de los padres de la perspectiva y de la pintura renacentista.

servido por rothko 5 comentarios compártelo favorito

Victor Vasarely

La séptima entrega de 1artista, 1semana nos acerca al pintor Victor Vasarely.

Vasarely es un artista húngaro nacido en 1908. Su obra se encuadra dentro del Op Art o Arte Cinético, éste dentro del Arte Concreto, y al mismo tiempo éste dentro de las nuevas propuestas abstractas de la 2ª mitad del s.XX.

Vasarely comenzó su carrera estudiando en la Bauhaus de Budapest. En los años 30 se traslada a París y allí desarrolla el Op Art (Optical Art) o Arte Cinético, que lo convertirán con el paso de los años en un gran pintor de fama mundial.

El Op Art o Arte Cinético se trata de un estilo abstracto y geométrico. Las lineas y formas se dibujan gracias a una composición de colores que crean un juego de luces, sombras y efectos ópticos que son los que proporcionan lo óptico (Op). Estas formas también producen sensación de movimiento, por tanto son cinéticas. Como resultado, pinturas y esculturas vibrantes, brillantes, fugaces y voluminosas.

El Op o Cinétic Art comenzó con una obra en los años 30: Zebras (primera imagen). A partir de aquí la producción de Vasarely se centra en este estilo, creando todo tipo de formas y efectos:

En el año 76, el artista funda un Centro de desarrollo arquitectónico y dos museos didácticos en Francia. Además de ésto, se crea la Fundación Vasarely. En 1997 finalmente muere.

Las obras de Vasarely marcaron tendencia en los años 60, siendo utilizados sus diseños en todo tipo de objetos de moda. En la actualidad, existe el Museo Vasarely de Budapest (galería de fotos). Sus obras aún están presentes en la actualidad tanto en diseño gráfico, moda o publicidad.

servido por rothko 10 comentarios compártelo favorito

Piet Mondrian

Llega la sexta entrega de 1artista, 1semana con un día de retraso. Esta vez, Piet Mondrian.

Mondrian es un artista holandés nacido en 1872. Formuló el estilo del neoplasticismo y de stijl dentro de la abstracción tras las vanguardias artísticas de comienzos del siglo XX.

Mondrian comenzó pintando paisajes delicados y clásicos tras estudiar Bellas Artes en su Holanda natal. En 1911 se traslada a París y tras relacionarse con los pintores de las vanguardias adopta el estilo cubista analítico. Destacan (por orden): Árbol gris, Composición en gris-azul (Museo Thyssen), y Océano 5.

Poco a poco va acercándose a la abstracción. En 1917 funda la revista De Stijl junto a otro pintor, en la que formuló su nuevo estilo: el Neoplasticismo. Este estilo consistía en expresar solamente lo que las cosas nos transmiten sin recurrir a la realidad. Siguiendo sus ideales, Mondrian comenzó a pintar lineas rectas negras que cerraban diferentes superficies rellenas de colores primarios, la abstracción más pura y equilibrada. Destacan (por orden): nº2, Tableau, o Composición de colores I (Museo Thyssen).

En 1940 se traslada a Nueva York, nueva cuna del arte mundial. Allí deja las lineas negras para pintarlas de colores vivos y brillantes. Además, el ritmo de la gran manzana se verá reflejado en sus nuevas obras, más dinámicas y vivas. Resaltan (por orden): New York City 3, inacabado (Museo Thyssen), New York City, y Broadway Boogie Woogie.

Mondrian muere en 1944 en Nueva York. Su obra influirá en todo lo creado posteriormente, tanto en arte, aquitectura, diseño gráfico e industrial.

servido por rothko 17 comentarios compártelo favorito

Antonio Canova

Llega la quinta entrega de 1artista, 1semana de la mano del escultor Antonio Canova.

Canova es un artista italiano nacido en 1757. Es el escultor más importante del período Neoclásico (s.XVIII) siguiendo sus ideales y desarrollando el estilo.

Con 11 años, se traslada de Possagno (su ciudad natal) a Venecia para estudiar escultura con el maestro José Torretti. En estos primeros años cosecha sus primeros éxitos: Orfeo y Eurídice y Dédalo e Ícaro (por orden).

En 1781 se instala en Roma. En la capital trabaja para El Vaticano y crea los monumentos funerarios de los Papas Clemente XIV y XIII. Además sigue con las esculturas de tema mitológico. En esta estapa, recupera la escultura de Grecia y Roma y sus trabajos parten de las obras clásicas; éstos son los ideales neoclásicos. En este período se convierte en un artista de fama mundial, siendo el escultor más importante de la época.

Destacan las tumbas de los Papas Clemente XIV y Clemente XIII, Cupido y Psyche; y Perseo (por orden).

En la cumbre de su celebridad, fue llamado por Napoleón Bonaparte a París para realizar varias esculturas de la familia del conquistador. Entre ellas resaltan (por orden): Paulina Bonaparte como Venus, el Busto de Napoleón, y Napoleón como Marte pacificador.

Por último, tras el destierro y derrota de Napoleón, Canova es enviado a París por el Papa para recuperar las obras italianas robadas por el francés. En esta obra esculpe Hércules y Lichas y las Tres Gracias. Finalmente, en 1822 muere.

Sus obras están recogidas en los mejores museos del mundo, desde el Louvre hasta las galerías italianas. Sus esculturas son la mejor muestra del arte neoclásico, estilo del que se convirtió en el artista más representativo.

servido por rothko 17 comentarios compártelo favorito