Este año la conexión wifi no fluye por tierras pontevedresas por lo que no puedo actualizar a diario como lo hacía antes. Espero volver en verano y contar novedades y experiencias artísticas vividas en este tiempo. Entre ellas la exposición de Picasso en el Prado y Reina Sofíadel pasado año, las geniales muestras del Thyssen, o ARCO 07. Por si fuera poco, el año que viene me mudo a Atenas, capital del mundo clásico, para lo que hay que recuperar Rothko.

Nada más por mi parte. Gracias y esperemos que hasta pronto.

Rothko

El motivo, las vacaciones fuera de casa, sin tener un ordenador a mano para poder escribir. Mañana me voy a Madrid con Nolimits (una experta en la materia) a visitar la exposición de Picasso en el Museo del Prado y el Museo Reina Sofía. Ya os contaré con detalles la magnifíca experiencia que tiene que ser ver obras de todos las etapas y vida del pintor.

A continuación, a partir del lunes, me voy a la fantástica playa de Razo (foto) en el municipio de Carballo (A Coruña), de la cual espero que os hable un día ZuHause.

Nada más, espero que sigais aprendiendo con Rothko y que sobre todo, también paseis unas buenas vacaciones. Volveré en agosto, y con cambios ;)

Saludos. Rothko

Friedrich es un pintor alemán nacido en 1774. Fue uno de los pintores más representativos del Romanticismo (primera mitad del S.XIX).

En su época, Friedrich era uno de los personajes más importantes dentro del movimiento romántico alemán. Comenzó dibujando paisajes y escenas naturales, pero a partir de 1807 se pasó al óleo pintando escenas alegóricas, con un trasfondo romántico.

Su estilo es el máximo exponente del pensamiento y estética románticos: paisajes aislados, nocturnos y agrestes, y en multitud de ocasiones aparencen ruinas medievales; que representan la soledad, la tragedia y la crisis existencial.

Algunas de sus obras más características son (por orden cronológico y de colocación): La cruz de las montañas; Abadía en el encinar; El Trotamundos sobre el Mar de Neblinas; Rocas cretáceas en Rügen; El árbol con cuervos; La fuerza de la naturaleza, el mar polar; Mañana de Pascua (Museo Thyssen);y Barco de pesca entre dos rocas en una playa del Mar Báltico (Museo Thyssen).

Los títulos de sus obras describen el estilo poético y trágico romántico. Friedrich fue una pieza clave para entender el pensamiento romántico en el arte. En España, podemos observar en el Museo Thyssen obras del artista.

Niños en la playa es una obra del pintor español Joaquín Sorolla. La obra es de estilo impresionista (s. XIX), aunque la obra es del año 1910.

En la pintura se pueden ver a tres niños desnudos tumbados en la arena de una playa, concretamente en la orilla del mar.

La obra está pintada con grandes pinceladas continuadas, que forman los cuerpos de una manera rápida y poco minuciosa, característica principal de la pintura impresionista. Los cuerpos de los niños se funden con las olas del mar, y todo ello forma un conjunto sereno y tranquilo. La pintura plasma una escena al aire libre; la pintura en plein air es típica de los impresionistas.

Aunque Sorolla no pertenece al grupo de impresionistas franceses famosos (Manet, Monet, Renoir, Degas, Sisley y Pissarro), es un pintor de tanta calidad como los nombrados. Niños en la playa pertenece a la colección del Museo del Prado, aunque en la actualidad no está expuesta ya que el museo se encuentra en obras. Las pinturas de Sorolla están en los mejores museos del mundo, aunque no nos podemos olvidar de la existencia del Museo Sorolla de Madrid, que contiene una amplia colección de obras del pintor.

La National Gallery of Art de Washington (que no la de Londres) es el museo de arte estatal de los Estados Unidos. Está situado a pocos metros del Capitolio (foto). Es uno de los museos estrella del panorama mundial.

La National Gallery of Art es un museo relativamente reciente, fue inaugurado en 1941. Su extensa colección proviene principalmente de una colección privada donada al Estado para la fundación del museo, y posteriormente de más donaciones privadas y adquisiciones.

El museo consta de dos edificios. El primero es el West Building(1), sede principal del museo de estilo neoclásico. El segundo, fruto de una ampliación, es el East Building(2), abierto en 1978 y diseñado por Ieoh Ming Pei, autor de la pirámide y ampliación del Louvre. Los dos edificios están conectados subterráneamente como el museo francés. El East Building acoge la coleccíón de arte moderno y las exposiciones.

La colección de la National Gallery of Art sigue en constante crecimiento. La donaciones y adquisiciones le han proporcionado piezas de todos los maestros de la historia. A continuación sólo una pequeña muestra.

Del Renacimiento destacan (por orden) la Venus del Espejo de Tiziano; Ginebra de Venci de Leonardo da Vinci (el único Leonardo en EE.UU); y S. Martín partiendo la capa con un pobre de El Greco:

Del Barroco, Muchacha con sombrero rojo de Vermeer; La costurera de Velázquez, y Decius Mus dirigiéndose a sus legiones de Rubens.

De los siglos XVIII y XIX resaltan Parque Wivenhoe, Essex de Constable; María Teresa de Borbón y Vallabriga de Goya; Joven leyendo de Fragonard; Torero muerto de Manet; Niña con regadera de Renoir y Autorretrato de Gauguin.

Por último, del s. XX, Retrato de Chaim Soutine de Modigliani; La tragedia de Picasso; La última cena de Dalí; Nº8 de Rothko; Autorretrato de Warhol; y Nº1 Lavender Mist de Pollock.

El museo además de las galerías, cuenta con una extensa biblioteca pública, departamentos de conservación y restauración, y un centro de estudios avanzados.

El Premio Velázquez es el galardón más importante de artes plásticas que hay en España. Es anual, esta es su quinta edición; y con él, se premia a artistas españoles o lationamericanos. Los anteriores galardonados fueron Ramón Gaya, Antoni Tápies, Pablo Palazuelo y Juan Soriano.

En esta ocasión, se ha querido premiar al importante artista Antonio López. Uno de recuperadores del realismo perdido en el s.XX sin dejar de lado la modernidad. El cuadro La Gran Vía (post) es una de sus obras.

Precisamente esa mezcla de López de informalismo y tradición fue lo que más resaltó el Príncipe en un discurso muy correcto, aunque demasiado preciso para salir de él mismo. Por otro lado, Antonio López en su discurso recordó a su tío también pintor, por introducirle en la pintura y a su familia que allí estaba.

El artista explicó que este verano concluirá el retrato de la Familia Real que pinta desde hace años, y continuará con el monumento a las víctimas del 11M. Un reconocimiento excelente para uno de los pintores más reseñables de la actualidad.

Magritte nació en Bélgica en 1898. Pasó a la historia como uno de los pintores surrealistas más importantes del mundo con Dalí y Ernst. El Surrealismo es una de las vanguardias artísticas de la primera mitad del s.XX en Europa.

Su estilo consiste en la representación de figuras de un realismo increíble y una técnica muy minuciosa en contextos poco corrientes, creando situaciones sin sentido. A esto se le llamó realismo mágico. Por ello es común encontrar en las obras de Magritte trenes voladores, objetos gigantes o una lluvia de hombres. La ilusión óptica es empleada en muchos de sus cuadros.

Algunas de sus obras más importantes y que mejor definen su estilo son (por orden): Madame Recaumier de David (basada en la obra de David [foto]), Los amantes, El falso espejo (MoMA), La violación, La duración apuñalada, La llave de los campos (Museo Thyssen), La gran familia, y La gran guerra.

Los títulos de las obras de Magritte hacen que éstas cobren un significado filosófico o simbólico, aunque en muchos casos forma parte del proceso surrealista.

En España podemos encontrar un cuadro de este artista en el Museo Thyssen, aunque su obra está repartida por multitud de colecciones privadas y museos desde Japón a Suíza.

La Biblioteca pública de Seattle fue inaugurada en mayo de 2004. Su diseño afianzó la carrera del arquitecto Rem Koolhaas por tratarse de un impresionante edificio, que combina sus líneas futuristas con la funcionalidad de una biblioteca.

Desde el exterior, se puede ver un gran edificio de cristal, de lineas rectas que se cruzan. Está articulado por grandes bloques a diferentes niveles que corresponden con las dependencias de la biblioteca. Es un edificio que se encuentra en armonía con el skyline de Seattle (foto) y el aspecto urbano de la ciudad.

Su interior está dividido en 5 bloques diferenciables desde el exterior. Las 5 areas son de abajo a arriba en el edificio: garage; espacio público de lectura y cafetería, compuesto por un gran atrio; información; colecciones y zona de lectura; y administración, culminada por una terraza en el techo.

La característica principal del interior son sus grandes espacios públicos de lectura y ocio, iluminados con luz natural que entra por sus paredes de cristal. Destacan también las plantas de colecciones, consistentes en una rampa que se continúa a lo largo de las 5 plantas. Todas las zonas se unen con escaleras mecánicas de colores vistosos (exceptuando las colecciones), y el mobiliario y objetos son de un diseño moderno y colorista.

Por la noche, la Biblioteca pública de Seattle se ilumina destacando entre los demás edificios. Un increíble y funcional edificio de uno de los arquitectos más importantes del mundo.

El pasado día 19 se vendió el conocido Retrato de Adele Bloch-Bauer del pintor austríaco Gustav Klimt. La venta alcanzó los 137 millones de dólares y se convirtió en el cuadro más caro de la historia. Le quitó el puesto del más caro a la obra Muchacho con pipa de Picasso (foto) que fue vendido hace dos años por 104 millones$.

La pintura fue adquirida por Ronald S. Lauder, propietario de la marca Esteé Lauder, y que hace 5 años fundó la Neue Galerie en Nueva York, dedicada al arte alemán y austríaco. La compra fue privada, es decir, no fue mediante subasta.

El Retrato de Adele Bloch-Bauer es una de las obras maestras de Klimt, sin embargo, su venta se produce ahora ya que en febrero de este año fue quitada de la Galería Belvedere de Viena (foto).

Maria Altmann, una sobrina de Adele Bloch-Bauer (la retratada y propietaria original de la obra), inició hace 5 años acciones legales contra el Gobierno de Austria para recuperar la pintura. El cuadro de Klimt fue incautado por los nazis durante la II Guerra Mundial a los Bloch-Bauer y hasta febrero estaba expuesto en la Galería Belvedere de Viena. En febrero, el Retrato de Adele fue devuelto a la familia con otras 4 obras de Klimt, entre ellas la famosísima El Beso (foto). El Gobierno de Austria rechazó la compra de las 5 obras por 300 millones$.

Estos días esta obra récord se expone en el County Museum de Los Ángeles (foto) y desde el próximo mes en la Neue Galerie en Nueva York. Sería un sueño que el gobierno español adquieriera alguna de las otras 4 obras de Klimt ahora pertenecientes a la familia Bloch-Bauer...un sueño.

En verano es una época ansiada por la inmensa mayoría. Llegan las vacaciones, la playa, y la gente come helados, se pone morena, viste camisetas de colores vistosos y gafas de sol. Lo mejor es poder disfrutar del tiempo libre aunque algunos tenemos que estudiar.

El verano ha sido representado en el arte en varias ocasiones. Un ejemplo, es el cuadro de Arcimboldo El Verano. Arcimboldo es un pintor italiano renacentista muy curioso. Sus obras (normalmente retratos) están formadas por objetos, dando como resultado una especie de bodegón-retrato surrealista. El Verano es un ejemplo de ello:

Otro verano es el del pintor americano Jasper Johns (post). Es una representación del verano totalmente subjetiva, y en ella se incluyen elementos típicos de Johns como la bandera estadounidense o la Mona Lisa:

Que tengais todos un buen verano. Espero que visiteis alguna de las exposiciones que hay en esta temporada por todo el país, y que sigais leyendo el blog :)

Hombre caminando es una de las obra más conocidas y que mejor sintetiza el estilo del escultor suízo Alberto Giacometti. Su obra está enmarcada dentro de la escultura del s. XX. Esta obra es del año 1960.

La escultura se compone de una sola pieza de bronce de 1.90m de altura. La obra representa a un hombre caminando; deformado, estirado y extremadamente fino y delgado.

Las esculturas de Giacometti adoptan la misma estética de Hombre caminando, con formas irregulares y cuerpos finos. Con esto, sus obras adquieren gran expresividad y transmiten fragilidad y debilidad, como si sus personajes sientiesen una amenaza de destrucción por el medio que les envuelve.

Existen varias copias de Hombre Caminando, repartidas por varios museos y galerías del mundo.

El curioso logo está formado por cuatro círculos un poco caóticos pero compensados, cada uno de un color diferente. Los dos más grandes y el pequeño amarillo corresponden con tres caritas sonrientes. Los dos más grandes forman el número 06, año del Mundial; y por debajo del azul, se extiende una franja con los tres colores de la bandera de Alemania. Por último, el círculo inferior se trata del logo del pasado Mundial de Japón y Corea (foto). Como veis, un símbolo bastante completito. La tipografía del texto Deutschland 2006 es bastante moderna.

Cuando Franz Beckenbauer presentó el logo en 2004 dijo Un logo como este no se ha visto nunca en un mundial de fútbol, y lo cierto es que tenía razón. Desde ese momento al símbolo no le faltaron críticas, desde que se parecían a pastillas de éxtasis hasta que era digno de una escuela de primaria.

Para los diseñadores gráficos alemanes, el logo de Alemania 2006 supone una vergüenza para la tradición gráfica del país. El diseño gráfico alemán siempre ha tenido un referente importantísimo como es la Bauhaus, y por ello creen que este logo es un retroceso. En reacción a esto, 11 diseñadores, han creado una campaña que incluye 11 propuestas gráficas alternativas. Se llaman 11 designers y algunas de sus propuestas son las siguientes:

En el sitio web de 11 designers se pueden ver los 11 proyectos, aunque también hay que decir que no todos son joyas.

A pesar de las quejas, el Mundial se ha inaugurado y su logotipo luce en los medios de comunicación y merchandising vario. Ahora sólo nos queda preocuparnos porque España no se quede en octavos.

Mercurio y Argos es una pintura perteneciente al pintor español Diego Velázquez. La obra es del período Barroco (s. XVII), y fue pintada en el año 1659.

En la obra están representados los personajes mitológicos Mercurio (izq.) y Argos (dcha.). La historia cuenta que Júpiter envía a Mercurio para que mate al pastor Argos, ya que éste cuidaba a una ninfa amante de Júpiter convertida en ternera, y así poder recuperarla.

El cuadro plasma el momento en el que Mercurio visita a Argos para darle muerte. A pesar de esto, no hay muestras de violencia por parte de ninguno de los dos personajes.

Velázquez pintó la obra para decorar el Salón de los Espejos del Alcázar de Madrid con otras tres obras más, aunque sólo ésta resistió un incendio que destruyó las demás. La pintura iba colocada encima de un ventanal por eso su forma es apaisada y su perspectiva baja, ya que era vista desde abajo. Además su pincelada es gruesa y suelta por lo que se aprecia mejor a mayor distancia.

Mercurio y Argos se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, concretamente en la sala de Las Meninas, en la parte izquierda del famoso cuadro (foto abajo).

El Museo de América pertenece a los museos estatales españoles. Se encuentra en Madrid en la zona de Moncloa, se ve desde la carretera si vas desde Galicia.

El Museo de América fue creado en 1941 partiendo de una idea existente en gobiernos anteriores. Tras la creación del museo, se encargó el proyecto del actual edificio sede de la institución; mientras tanto, el Museo de América fue instalado provisionalmente en varias salas del Museo Arqueológico Nacional (foto). Años después, en 1962, se trasladaron definitivamente las colecciones al edificio actual, inaugurándose en 1965.

El Museo de América exhibe obras de origen americano desde la prehistoria hasta la modernidad. Destacan las colecciones arqueológicas del período precolombino (mayas, aztecas e incas) y de arte colonial.

La colección permanente se distribuye en cinco áreas: El conocimiento de América, La realidad de América, La sociedad, La religión y La comunicación.

Algunas de las obras del museo son (por orden): la Estela de Madrid, Kero, Figura de Cacique, el Códice Tudela, Máscara frontal o Escena de Mestizaje:

Es una lástima que la colección del museo cuente con más de 20000 piezas y tan sólo se expongan de forma permanente unas 2500. Recientemente en una de sus exposiciones temporales se han sacado a la luz obras de las que ni quiera se conocía su existencia. Como veis, un museo poco conocido al que le dan un trato bastante insuficiente, en cambio es una visita obligada entre los museos de la capital.

El gobierno de El Cairo pretende que Alemania le devuelva el famoso busto de Nefertiti expuesto hasta ahora en el Museo Egipcio de Berlín y que en otoño será trasladado al remodelado museo Altes (foto). En caso de que el gobierno alemán no ceda, propone que la escultura sea prestada a Egipto por una temporada, al igual que la dama de Elche se expone actualmente en su ciudad natal.

Esta petición responde a la intención del director del Consejo Supremo de Antigüedades egipcio de recuperar las piezas únicas de los museos europeos, ya que fueron extraídas a principios del s. XX de manera ilegal en la mayoría de los casos. De momento no ha habido respuesta por parte del Museo Egipcio de Berlín, aunque no están dispuestos al préstamo. Además, el Museo Egipcio del Cairo (foto) necesita una reforma y no está en concidiciones de albergar más fondos.

La obra debe su fama a su estancia en Alemania. Se dice que Hitler la tenía en su despacho, y además es una de las piezas artísticas más promocionadas del país. Recientemente se ha anunciado que se trasladará al museo Altes, lugar donde se expuso en un principio y que está en proceso de restauración, como muchos edificios de la capital alemana.

Al igual que Grecia con el Partenón, ahora Egipto toma conciencia de todos los tesoros que le fueron robados en la época imperialista; y se retoma la cuestión ¿estas obras deben regresar a su lugar de origen o permanecer en los museos?

Un cardenal es una de las obras de Rafael que se encuentran en el Museo del Prado. La pintura es del año 1510, en pleno Renacimiento italiano (s. XVI).

La obra se trata de un retrato a un cardenal de la época, del cual aún no se sabe la identidad. Éste cumple todas las características del típico retrato renacentista: imagen de busto, composición triangular, equilibrio y quietud.

Además, destaca el increíble realismo conseguido y la elección de los colores. El fondo neutro contrasta con el rojo de la vestimenta del cardenal, resaltando la figura de éste.

Por último, destaca la profundidad psicológica del retrato a pesar de ser una obra aparentemente objetiva. Los rasgos físicos del cardenal y su aire pensativo y alejado, nos transmiten la personalidad del personaje.

Una magnífica obra muy cerca de nosotros, en el Museo del Prado de Madrid (foto).

La bandera americana es uno de los iconos más representados por el artista estadounidense Jasper Johns. La obra es fruto de un estilo propio del pintor, próximo al pop art y alejado del expresionismo abstracto de Pollock o Rothko. La obra data del 1955, por tanto es de la 2ª mitad del s. XX en EE.UU.

En la pintura se representa únicamente la bandera americana como icono de una época o sociedad, es por ello que se puede decir que se trata de pop art.

Destacan las gruesas capas de pintura que crean un pequeño relieve que diferencian los trazos, colores y figuras de la obra. En obras posteriores, el artista añade objetos para aumentar la sensación de relieve.

La bandera de Jasper Johns se convirtió en un icono del arte americano del s. XX. Esta versión pertenece al Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) pero hay multitud de versiones más.

Pollock es un pintor estadounidense nacido en 1912. Fue uno de los pintores más importantes del Expresionismo Abstracto, un estilo surgido en EE.UU en la 2ª mitad del s.XX.

Comenzó su carrera en Nueva York, cuna del arte de la 2ª mitad del siglo XX. Sus primera obras estaban influidas por el surrealismo pero su estilo estaba más bien encaminado hacia la abstracción. Peggy Guggenheim se interesó por su obra y contribuyó en su éxito inicial. Destacan de esta etapa obras como (por orden): La mujer luna; Figura estenográfica, o La llave.

Pero sería a partir del 1947 cuando Pollock desarrolla su técnica del dripping y con ella el reconocimiento. El dripping consiste en dejar caer la pintura en finos chorros sobre el lienzo sin tensar apoyado en el suelo (fotos inferiores). Así se consigue una pintura fruto del azar, por eso se bautizó también su técnica como action painting, ya que era una pintura de acción, sin premeditación.

El desarrollo del dripping y la técnica de Pollock contribuyen al nacimiento de un nuevo estilo, el Expresionismo Abstracto. Otros pintores expresionistas abstractos fueron Rothko, de Kooning o Gorki. Éstos adoptaron el action painting pero no el dripping, es decir, no utilizaban la técnica de Pollock. Las obras de este estilo suelen ser de gran tamaño.

Algunas de las obras de goteo de Pollock encontramos (por orden): Lavender Mist; Number 8; Full fathom 5; Marrón y Plata (Museo Thyssen); Cathedral o Greyed Rainbow. Las últimas utilizan los colores blanco y negro.

Pollock era un personaje peculiar. Alcohólico, fiestero, mujeriego e incluso violento, lo cual reflejó en lo expresionista de sus obras. En el año 2000, se realizó una película sobre su vida, interpretada por Ed Harris.

Express es una de las obras de Robert Rauschenberg. Su estilo es una mezcla de expresionismo abstracto y pop art, con influencias del collage Dadá. Es una obra del año 1963, por tanto, 2ª mitad del s. XX en los EE.UU.

En la obra vemos como sobre un fondo pintado al óleo están impresas varias fotografías empleando la técnica de la serigrafía. Casi todos los elementos están en tonos blancos y negros. Éstos crean un collage bastante caótico que trasmite la rapidez y lo express.

Entre las figuras del cuadro, se distingue un caballo con su jinete repetido en varias ocasiones y a la derecha, una mujera bajando las escaleras, que claramente alude al cuadro del dadaísta Duchamp Desnudo bajando una escalera (foto).

Rauschenberg utilizó en sus obras la serigrafía, es decir, la impresión de fotografías sobre lienzo, igual que Andy Warhol. Después, éstas las completaba con óleo creando una técnica mixta. Su inconfundible estilo, ayudó a desarrollar el arte americano de la 2ª mitad de siglo.

La obra se encuentra en el Museo Thyssen, en Madrid, una verdadera joya en nuestro país para todos los que quieran acercarse a contemplarla.

El Kunsthistorisches Museum (Museo de Hª del Arte) es el museo estatal de arte de Austria. Está situado en la Maria Theresien Platz de Viena.

El museo abrió en 1891 con el Naturhistorisches Museum gracias al emperador Franz Joseph I, que quería mostrar las colecciones reales de arte de los habsburgos.

La colección del museo fue formada con las obras de las diferentes generaciones de la familia real, y también con la unión de varias colecciones. De este modo, en el Kunsthistorisches Museum hay apartados de arte romano, griego, egipcio, tesoros, monedas, artes decorativas, armaduras, carruajes, dibujos, intrumentos musicales y por supuesto, pintura. Nosotros nos centraremos en la última, que va del s.XIV al XVII.

Del Gótico y Renacimiento (S. XIV-XVI) destancan (por orden): El Banquete de boda y la Torre de Babel de Brueghel el Viejo; Cardenal Niccolò Albergati de Van Eyck; Verano de Arcimboldo; San Sebastián de Mantegna y La Madonna en el prado de Rafael.

Del Barroco (s.XVII) resaltan Alegoría a la pintura de Vermeer; The Fur de Rubens; La Virgen del Rosario de Caravaggio; Autorretrato de Rembrandt; Infanta Margarita Teresa de Velázquez y La Conquista de Jerusalén por el Emperador de Poussin.

En Viena hay más museos y galerías donde apreciar obras de épocas que no cubre el Kunshistorisches. Por ejemplo, el Museo de Arte Moderno o el Palacio de Belvedere. Además de la fantástica Albertina (foto). Sin embargo, el Kunsthistorisches Museum resalta sobre los demás ya que su impresionante colección lo convierte en uno de los principales museos del mundo.